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yes,everythingas if we saygoodbye

Bè, sì, vi diro la verità: un po’ è stata colpa di Glenn Close.Della cocente delusione di quel 21aprile 2016, al Coliseum di Londra,quando assieme ad altre 2000 persone accorse da ogni dove per vedere l’attrice americana nei pannidella “sua” Norma Desmond, misono trovato di fronte al laconico comunicato appeso nel foyer, che vedete qui.

di Francesco Moretti

Sì, ok. Ria Jones è stata grande. Sì, ok. Ha affrontato un pubblico attonito, am-mutolito, frustrato, maleducato (c’è stato un forte ritardo, quella sera, nell’av-vio di Sunset Boulevard, perché parte del pubblico assediava la biglietteriachiedendo un vano rimborso del biglietto o un cambio data), boooh prevenutiall’apparizione del portavoce sul palco che annunciava pubblicamente la sosti-tuzione, ma anche applausi e incitamenti dai fan che invece erano riusciti adavere i biglietti della serata proprio perché c’era Ria Jones a sostituire l’amma-lata Glenn Close, e ha vinto.E insomma, è stata una strana, amara serata. Lo spettacolo in sè, impeccabile.Non una sbavatura, orchestra di cinquanta musicisti assolutamente grandiosa,performer calati perfettamente nella parte, intuizioni sceniche e di regia ge-niali - il cadavere di Joe Gillis che sale dalla buca orchestrale appena dopol’ouverture a rifare l’iconica inquadratura con la quale inizia il film di Billy Wil-der, la fuga e l’inseguimento in auto simulata dai performer con in mano i fari,l’apparizione nei momenti giusti di Norma da giovane (e quando balla con Joedurante The Perfect Year, prendendo il posto di Ria Jones, ecco, mi sono com-mosso), Joe che all’inizio del secondo atto sale dalla buca di cui sopra in co-stume da bagno per la gioia delle fan, il fascio di luce di Hog Eye che, prima diabbagliare Norma nell’introduzione di As if we never said goodbye, dilaga sullaplatea e per un attimo ha abbagliato pure me, e mi sono sentito parte dellascena.Tutto questo per dire cosa? Che Glenn Close non c’era, ecco, e per chi comeil sottoscritto ha amato alla follia la sua interpretazione e consumato il cd so-gnando di vederla in scena, e trovarsi di fronte alla pur brava sostituta, è statoun duro, durissimo colpo da digerire. Tanto che non ho neppure scritto nullasul mio blog, che pur si chiama Viale del Tramonto.Ma altri motivi, ben più importanti di questo (suvvia, the show must go on,Glenn Close o meno), e la continua evoluzione nella fruizione dei contenutiveicolati dal web, mi spingono a chiudere qui la bella avventura della webzine.Cinque anni e venti numeri (compresi il numero zero e uno sdoppiato)che hanno raccontato con passione uno spaccato del musical italiano ed eu-ropeo, dal punto di vista degli spettatori, degli addetti ai lavori, degli appassio-nati. Ci siamo riusciti? Sì, no, forse. L’abbiamo fatto sempre in buona fede, inogni caso.La nostra bella squadra non si ferma qui, però: torneremo all’antico, cioèal nuovo: al web, in un blog (amicidelmusical.blogspot.it) che affiancherà ilsito storico di Amici del Musical e il frequentatissimo gruppo su facebook.Restate sintonizzati!Intanto, godetevi quest’ultimo numero;spero, come sempre interessante.Sfogliatelo, leggetelo, condividetelo, scaricatelo; e arrivederci a presto.

Amici del Musicalwww.amicidelmusical.itsito ideato da Franco Travaglio

webzineissuu.com/amicidelmusicalideazione e coordinamento editorialeFrancesco Moretti

in redazioneStefano Bonsi, Alessandro Caria, Enrico Comar, Laura Confalonieri, Sara Del Sal, Diana Duri, Matteo Firmi, Roberta Mascazzini, Roberto Mazzone, Valeria Rosso, Enza Adriana Russo, Franco Travaglio

n. 18|201614 luglio 2016 - aggiornato il 17 luglio 2016

in copertina: tutte le copertine della webzine

Abbiamo fatto il possibile per reperire foto autorizzate e ufficiali.Per ogni informazione e/o chiarimento scrivete a:francesco.moretti@gmail.com

Facts & Figures

dall’ItaliaJersey BoysFameFootlooseIl Giardino SegretoTitanic

dall’esteroDon Camillo & PepponeA Chorus LineEvita

le intervisteMaya HakvoortAndrea Marchetti

letto / visto / ascoltatoNotre Dame De ParisTanz der Vampire

PrIMO 2016

scarica la webzine in pdf: http://bit.ly/adm_18_download

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Quei braviragazzidal Jersey

di Roberto MazzoneJersey Boys

Milano, Teatro Nuovo15 aprile 2016

Rivive a teatro la storia dei Four Seasons,tra classici intramontabili

Ha debuttato sul palcoscenico delTeatro Nuovo di Milano Jersey Boys,juke-box musical con musiche diBob Gaudio, liriche di Bob Crewee libretto di Marshall Brickman eRick Elice.Il musical che ha ispirato l’omonimofilm di Clint Eastwood (2014), nelquale viene raccontata la storia deiFour Seasons - la celebre band pop-rock fondata negli anni Sessanta dalcantante italoamericano Frankie Valli- coloro che hanno portato al suc-cesso intramontabili singoli comeSherry, Big Girls Don’t Cry, Can’t TakeMy Eyes Off of You, Let’s Hang on! eRag Doll, vendendo oltre cento mi-lioni di dischi.Le loro canzoni sono state interpre-

tate anche da celebrità della musicatra cui Diana Ross & The Supremes, iMuse, i Killers, i Pooh, Mina, GloriaGaynor e tanti altri.

Lo show racconta - anche con l’ausi-lio di proiezioni video che sanno “la-sciare il segno” sul pubblico - laformazione e l’ascesa del gruppo –impostosi in America ben prima deiBeatles – fino al declino e alla separa-zione definitiva, seguendo una lineanarrativa impostata su quattro “sta-gioni”, ciascuna illustrata da uno deicomponenti della band.Il produttore Lorenzo Vitali hascommesso sulla versione italiana diun musical di successo a Londra enegli Stati Uniti - ma poco cono-

sciuto in Italia - e, per il momento,sembra averci visto giusto, in primisaffidando la regia a Claudio Inse-gno, che confeziona uno spettacolodinamico, dal ritmo incalzante, quasicinematografico (nel primo atto suc-cedono molte cose troppo in fretta,ma il rischio di incorrere nelle lun-gaggini rimane sempre in agguato),sostenuto dal forte impatto visivo(disegno luci di Gianluca Brunelli,scene di Roberto e Andrea Co-motti) e dalla presenza dell’orche-stra dal vivo (in buca e sul palco),impeccabilmente diretta da AngeloRacz, con la supervisione musicale diEmanuele Friello.Il regista ha puntato molto sulla dire-zione degli attori sul palco; il coreo-

grafo Valeriano Longoni riescenell’intento di far muovere con ap-propriata coordinazione e dirom-pente energia anche i componentidel cast meno abituati alla danza; aeccezione dei quattro protagonisti,tutti quanti – ensemble compresa - sicimentano in ruoli primari e compri-mari, in una girandola di personaggianche dal non eccessivo spessore, maaccuratamente tratteggiati.

A dare vita a una delle band piùamate della storia della musica inter-nazionale sono quattro eccellenzedel musical italiano, ognuno di lorocon peculiarità adatte al proprioruolo: Marco Stabile regala il suocarisma, unito a un’accattivante pre-

senza scenica, al chitarrista malavitosoTommy DeVito; Flavio Gismondi,dopo il personale successo nel musi-cal Newsies, fornisce un’ulteriore in-terpretazione sicura e convincentenel ruolo del tastierista Bob Gaudio;Claudio Zanelli, nei panni del bassi-sta Nick Massi, si ritaglia un ruolo ca-pace di “lasciare il segno”,interpretando uno dei personaggimeglio “riusciti”, a livello drammatur-gico, di tutto lo spettacolo. Infine,Alex Mastromarino ha il difficilecompito di interpretare Frankie Valli.La sua estensione vocale, accompa-gnata da un timbro caldo e avvol-gente, gli permette di svolgere inmaniera molto convincente il suocompito, sfoderando un falsetto chefa venire la pelle d’oca. Un discorsoanalogo vale per il duetto My EyesAdored You, interpretato in coppia conAlice Mistroni, spiazzante e strug-gente nel ruolo di Mary Delgado,moglie di Frankie. Insieme ai FourSeasons, i migliori talenti del musicalitaliano, tra cui Felice Casciano, nelruolo di Gyp DeCarlo, boss dalcuore tenero e con uno spiccato

foto | Selene Porcaro

senso della lealtà, Brian Boccuni (ildiscografico Bob Crewe, un’interpre-tazione spassosa ed elegantemente“sopra le righe”) e Giulio Pangi, neipanni giovanili e divertenti dell’attoreJoe Pesci.Sulle note di intramontabili hit comeDecember, 1963 (Oh, What a Night),Who Loves You e tante altre, il pub-blico ha l’occasione di vivereun’esperienza indimenticabile, contanto di titoli di coda sul finale, comeal cinema.Giunti al termine di una stagione tea-trale, ormai ci si può sbilanciare, met-tendo nero su bianco che questa è,insieme a Newsies – altro titolo pococonosciuto dal pubblico italiano - unadelle produzioni di teatro musicale dimaggiore qualità.Il produttore Lorenzo Vitali è riuscitonell’intento di suscitare l’interesseperfino del pubblico parigino e por-terà in scena gli interpreti italiani alleFolies Bergère dal 30 settembre al 15ottobre prossimi. Poi lo spettacolotornerà a Milano dal 3 novembre esuccessivamente partirà in tour per imaggiori teatri italiani.

Voglia disuccesso

di Roberto MazzoneFame

Milano, Teatro Nuovo7 aprile 2016

In occasione dei 35 anni del classico Fame,debutta a teatro una nuova versione

del celebre musical degli anni Ottanta

Federico Bellone è il “motore” ar-tistico della nuova versione italianadel musical Fame – Saranno famosi (laprima nella nostra lingua risale al2003, prodotta da Lorenzo Vitali),realizzata in occasione dei 35 annidall’uscita del film, con la produzioneesecutiva ora affidata a Wizard Pro-ductions srl e una decina di altri socioperanti nel settore dello spettacolodal vivo, che partecipano al progettoattraverso varie quote di finanzia-mento.La vita di studenti e insegnanti dellaprestigiosa High School for PerformingArts di New York – come nella ver-sione teatrale americana realizzata da“Father Fame”, David De Silva - ap-pare raccontata scevra da qualsiasi

rapporto con l’esterno, come se lascuola fosse un ambiente protetto,una sorta di “grande famiglia”, dovepassioni, paure, pregiudizi, dolori edissapori vengono potenzialmenteespressi, pur rimanendo in una di-mensione circoscritta all’insegna-mento e al desiderio di farcelainseguendo i propri sogni, che peròsono “altro” rispetto alla realtà e allecaratteristiche di ognuno.Ecco perché, se non fosse per le can-zoni, che in qualche modo aiutano anon perdere il filo degli eventi checoprono quattro anni di studio –dalle audizioni nel 1980 al diplomanel 1984 - anche i personaggi risulte-rebbero ancora meno completi diquanto in effetti non sono: ognuno ha

un proprio tratto caratterizzante, cheperò si esaurisce nel momento in cuitermina una scena da interpretare ouna canzone da cantare.L’elemento più dinamico e completodello spettacolo sono le coreografiefirmate da Gail Richardson.La scena di Hella Mombrini e Sil-via Silvestri introduce a un climaintimo, scolastico e allo stesso temporicco di energia, ma pur apprezzandol’utilizzo calibrato di qualsiasi ele-mento utile sotto il profilo scenogra-fico, la forma dello spettacolo risultacomunque “light”.Il regista Bellone conserva, anche inquesto caso, un asso nella manica: untaxi giallo in scena, ma lo riserva altermine dello spettacolo (dopo i sa-

luti), quasi come “bis”, sulle note dellacelebre Fame.Il cast italiano di questa edizione –ensemble e ruoli protagonisti – èstato selezionato grazie alla collabo-razione con la SDM – La Scuola delMusical di Milano, che ha messo a di-sposizione della produzione alcunidei suoi ex-allievi diplomati.Tra questi, Luca Giacomelli Ferra-rini, reduce da significative espe-rienze in spettacoli come Next toNormal e Romeo e Giulietta – Ama ecambia il mondo, è un determinatoNick Piazza, un ruolo che non sem-bra però valorizzare il suo potenzialeartistico, almeno dal punto di vistavocale; risulta invece piuttosto credi-bile nella recitazione.

Molto apprezzato Renato Tognoc-chi nel ruolo dell’irrefrenabile JoeVegas; convincente nella recitazione eabile e spontaneo nel tenere il palco-scenico. Un discorso analogo, a livellointerpretativo, vale per RobertoTarsi, nel ruolo di Schlomo Metzen-baum.Rajabu Rashidi è un ottimo balle-rino con uno stile indiscutibile, maper il ruolo di Tyrone Jackson (nellaserie Leroy Johnson, il “marchio difabbrica” di Fame), questo non è ab-bastanza; esattamente come il perso-naggio che interpreta, gli sarebbe digiovamento un più approfondito im-pegno nella danza e nella recitazione(che, per il momento, colpisce soloper l’elevato numero di parolacceche pronuncia). A onor del vero, vadetto che nell’esecuzione insieme aMarta Melchiorre (Iris Kelly) delpasso a due nel secondo atto, ha di-mostrato una grazia inaspettata efuori dal comune.Michelle Perera nei panni di MabelWhashington è l’autentica rivelazionedi questa edizione di Fame: una vocepiena e controllata, capace di un vir-

tuosismo finora raramente riscon-trato in tessiture vocali analoghe.L’interpretazione del brano in cui de-scrive il suo rapporto con il cibo hastrappato applausi fragorosi e sbalor-diti, ma anche una standing ovation sa-rebbe stata più che appropriata.I quattro ruoli adulti (gli insegnantidella scuola) non sono da meno, puressendo, anch’essi, non completa-mente definiti: Donato Altomare egipeto sono convincenti professoridi recitazione e musica. FrancescaTaverni (una integerrima Ms. Sher-man) e Simona Samarelli (Ms. Bell,insegnante di danza, precisa, ma fuoridalle convenzioni didattiche) supe-rano loro stesse nel duetto riguar-dante il destino di Tyrone e del suopotenziale talento.Un ensemble di talenti che emananoritmo ed energia restituiscono alpubblico l’immagine più appropriata(la determinazione e la voglia di far-cela), di uno spettacolo che però po-trebbe essere molto di più di unospaccato di sogni e aspirazioni diaspiranti artisti completi.

Scarpe, gioventùe musica

di Alessandro CariaFootlose

Bologna, Teatro Duse26 maggio 2016

Il poco frequentato Footloose trova nuovaenergia e vitalità grazie alla BSMTin questo Summer Musical Festival

Fantastica serata con Footloose dellaBSMT di Bologna. Merito di questaScuola se mi hanno fatto rivalutareuno spettacolo non certamente tra imiei preferiti, spesso massacratodalla critica sia a Broadway che nelWest End (che ne denunciava sostan-zialmente la banalità nel raccontare laclassica storia “boy meets girl” e “boyovercomes doubting father” con scon-tato e consolatorio lieto fine). Questo trionfale successo bologneseè figlio di tante scelte azzeccate: l’im-prescindibile musica dal vivo (sempreeccellente la direzione di Maria Ga-lantino); la vigorosa potenza dellaparte corale confezionata con la con-sueta maestria da Shawna Farrell.Efficace e funzionale la regia di

Mauro Simone che è riuscito ainiettare un po’ di sano umorismo intutto lo spettacolo, dando un’ariasenza pretese e – merito maggiore -ha saputo evitare con intelligenza dicadere nella retorica (quando l’argo-mento riguarda tre principi fonda-mentali come l’importanza delleemozioni, la gioia di vivere ed il biso-gno di libertà il rischio del cliché èdietro l’angolo) e ha saputo trovareuna chiave di lettura semplice quantostruggente: racchiudere il confrontogenerazionale in quelle scarpe giova-nili abbandonate per troppo tempo ediventate luogo della memoria in at-tesa di tornare a “vivere”.Splendido il lavoro di Gillian Eliza-beth Bruce, che si conferma ancora

una volta la Numero Uno nella capa-cità di raccontare qualcosa attra-verso la danza, non si adagia suquell’aerobics style che uno si aspettadi trovare in questo genere di show,ma sa sempre cosa mettere a fuocoper comunicare qualcosa: se legambe e i piedi degli allievi dellaBSMT viaggiano alla velocità di unFrecciarossa (il vigoroso opening è datogliere il fiato!) è merito della suapassione nell'insegnare e far emer-gere le qualità di ogni allievo (se poiteniamo conto che del nutritissimoCast non tutti sono ballerini, si puògridare al “miracolo”).

Oltre a routine vivaci e contagiose,resta particolarmente suggestiva lacoreografia con l’idea di onde che siinfrangono per comunicare quellaenergia, quella esuberanza repressa eche cerca di esplodere nella piccola ebigotta comunità della provincia ame-ricana, serbatoio di contraddizioni eansie giovanili; l’utilizzo di oggetti chediventano funzionali al ballo (stavoltadei copertoni di gomma): TOP!!Molto curate le luci e i cambi scena(mentre l'audio deve ancora esseremesso a punto...). Il Cast… Beh, con-siderando che sono davvero degliesordienti, il risultato è ottimo e,

visto anche quello che gira nel pano-rama italiano di oggi, si ha la chiarasensazione di vedere un prodottoprofessionale a tutti gli effetti.Tutti cercano con intelligenza e pas-sione di superare i propri limiti, e ciriescono in scioltezza e brillantezza.Mi piace ricordare il convincente espigliato Ren di Andrea di Bella,l’impeccabile e repressivo ReverendoShaw (ma che bravo!) di AndreaBusato, la materna e comprensivaVivian di Concetta Castagnozzi,l’esilarante Wendy Jo di Martina deMarch, la divertente e innamorata

Rasty di Silvia Riccò, l'azzecato Wil-lard di Francesco Galuppi (tempicomici perfetti!) che ferma lo spetta-colo e la grande conferma rispetto ilpassato Summer Festival: l’Ariel diGiulia Bellanzoni, che merita finoin fondo gli applausi che il pubblicoconcede con dovizia. Recita, canta eballa con sorprendente sicurezza,cambia registro con disinvoltura pas-sando dall’iniziale cinismo alle sfuma-ture malinconiche e riflessive delfinale... insomma troviamo già anchequella personalità, essenziale per ilgrande salto.

Giardini segretie fantasmi

di Alessandro CariaIl Giardino Segreto

Bologna, Cortile del Baraccano9 giugno 2016

Una ghost story con un happy ending, la nuova prova della BSMT

per il festival estivo

Complimenti ai ragazzi della Ber-nstein School of Musical Theatre, chefacendo un doppio (forse triplo!)salto mortale passano dalla “legge-rezza” di Footloose alla atmosfere “pe-santi” de Il Giardino Segreto, definito alsuo debutto – credo a ragione – qual-cosa come “a Freudian ghost story witha happy ending”, secondo appunta-mento del Summer Festival bolo-gnese. Che poi, a pensarci bene, labase, il nocciolo della vicenda del rac-conto da cui è tratto il musical è uningrediente sfruttato in precedenza aBroadway (The Sound of Music?Annie?), con un orfanella che deve vin-cere le resistenze di uno scorbuticozio tra nostalgia del suo passato e ri-cerca della propria identità...I creatori di questo musical hanno

forse intellettualizzato troppo unastoria per bambini: i fantasmi dei ge-nitori morti della piccola Mary e disua zia infestano quasi tutte le scene,perché nessuno dimentichi (quasi unsevero monito) che la Morte e la Ri-nascita (come in Natura) sono i temidi The Secret Garden.Facendo così, però, ogni volta che lastoria sembra fare un passo avanti

poi ne fa due indietro!... Poche voltequesto schema dà i suoi frutti, comead esempio nel meraviglioso trio I Heard Someone Crying dove Mary,suo zio e la zia defunta, vagando trale stanze, alcuni fantasmi proiettanole loro più profonde nostalgie fami-liari nel suono del pianto notturno diun bambino. Detto questo, meritomaggiore alla regia di Shawna Far-

rell, ai movimenti coreografici di Da-niele Palumbo e alla efficace tradu-zione di Andrea Ascari che insiemehanno saputo districarsi in questo“labirinto di incubi”. Last but not least mi preme ricordarela deliziosa Zia Lily della bravissimaRosalba Veniero che mi ha sincera-mente commosso... una voce come lasua è davvero cosa rara ed è incredi-bile il modo raffinato con il quale si ècalata nel personaggio (più grande dilei come età): in scena esprime unamagnetica, soave e delicata serenità!Alla fine una piacevolissima seratacon un finale radioso e fresco perchéchi, dopo incubi e contrarietà, nonaccoglie l’aria fresca, il risveglio dellanatura con i fiori profumati e... un po’di pioggia?!? Applausi.

Il mondo piccolonon passa maidi moda

di Matteo FirmiDon Camillo & PepponeTheater St. Gallen (CH)

7 maggio 2016

Debutta in Svizzera la più italiana delle storie, un affresco di un’epoca

rivisitato in chiave tedesca

foto | Andreas J. Etter

L’idea di mettere in scena un musicalbasato sulle novelle di GiovanninoGuareschi poteva, anzi forse doveva,essere una idea italiana. Invece non èstato cosi, il teatro di San Gallo (Sviz-zera) in coproduzione con i TeatriRiuniti Viennesi ha messo in scenaDon Camillo e Peppone – Il musical, unlavoro nato dalle mani di Dario Fa-rina (musica) e di Michael Kunze(libretto).In questo cantone della Svizzera te-desca si viene catapultati improvvisa-mente negli anni Quaranta-Cinquantadella nostra pianura padana. Il sog-getto tratto dal Il Mondo Piccolo vedeun collage tra le celebri scene deifilm interpretati da Fernandel e GinoCervi e le piccole novelle di Guare-

schi. Kunze fa un lavoro molto certo-sino, mescolando linguaggio popolareitaliano e testo strettamente tede-sco. Dario Farina si presenta in puntadi piedi nel mondo del musical, peròconferma con il passar dello spetta-colo di esser un compositore con la“C” maiuscola. Koen Schotts,nelruolo del supervisore musicale (ri-mandiamo il lettore all’intervista nelnumero di dicembre) riesce con lasolita maestria a sfruttare le poten-zialità dei piccoli gruppi (poco più di20 musicisti) per uno spettacolo chespazia su vari generi.Il musical, strutturato nella classicaforma dei due atti, vede una narra-trice di primo piano come MayaHakvoort a raccontare le avventure

spensierate del paese. Le scenografie portano lo spettatorenel paese di Don Camillo non dimen-ticando nulla: la chiesa, il comune, lacasa e la stalla del Filotti (il proprie-tario terriero del paese) e perfinouno scorcio di fiume, sfruttando tuttigli spazi che il palcoscenico offre (ot-timo il lavoro fatto da Peter J. Davi-son). I costumi affidati a Yan Tax,semplici ma funzionali, danno l’idea diquell’Italia povera ma combattiva diquegli anni. Andreas Gergen curauna regia lineare, che è riuscita neldifficile compito di non trasformarsiin kitch.Veniamo ora ai ruoli dello spettacolo.Don Camillo è interpretato da An-dreas Lichtenberger: costruisce il

personaggio incentrandosi moltosulla figura di Fernandel e ciò è tuttoa suo favore, riuscendo ad essere co-mico e divertente nelle scazzottate enelle scene d’insieme, profondo equasi commovente nei numeri musi-cali più “intimi”.Frank Winkels cerca con difficoltàdi esser un buon Peppone, ma nelprimo atto risulta un po’ in difficoltà,migliorando decisamente nel se-condo.La vecchia signora Gina è un’incredi-bile Maya Hakvoort: in un ruolo dienorme difficoltà riesce a camuffareoltre al fisico anche la voce, renden-dola sempre chiara e d’una colora-tura che è raro trovare.Gina e Mariolino (gli innamorati del

paese) rispettivamente interpretatida Jaqueline Reinhold e KuroschAbbasi sono la coppia su cui è co-struito tutto il musical, sono freschi,leggeri, semplici. Reinhard Brussmann nel ruolo diFilotti incarna perfettamente il pic-colo proprietario terriero italiano,deciso, orgoglioso, convincente.Il Brusco (uno degli scagnozzi di Pep-pone), un po’ burbero e con le manisempre per aria, è interpretato daThorsten Tinney. Divertente e molto preparato An-dreas Muller nel ruolo del nonno diGina; la sua badante Laura Castelli è

interpretata dalla bella ed eleganteFemke Soetenga. Lo spettacolo è accompagnato dallaDon Camilo & Peppone Band direttada Robert Paul, ottima compaginecon ottimi musicisti di tutto ilmondo. Lo spettacolo si conclude con 15 mi-nuti di applausi scroscianti, e unastanding ovation.Don Camillo e Peppone, scritto neglianni Cinquanta in Italia, sembra nonpassare mai di moda e continua a farriflettere.Risate e qualche lacrimuccia; si re-plica in Svizzera fino a fine 2016.

BACKSTAGE

Maya Hakvoortda principessa austriacaa popolana emilianapassando per mille ruoli

di Matteo Firmitraduzione e adattamento Cecilia Zoratti

In Italia è stata la prima performer adinterpretare Elisabeth: è Maya Hakvo-ort, 49 anni, voce perfetta e presenzascenica ammaliante.La troviamo a San Gallo, in Svizzera,nel ruolo della “vecchia signora Gina”e, dopo anni dal suo debutto, la tro-viamo ancora in spledida forma. Abbiamo approfittato della sua pre-senza in Don Camillo & Peppone peruna bella chiacchierata.

Spesso tra attore e musical è amore aprima vista. Quando e come è avvenuto ilprimo incontro con il mondo del musical? All’età di 7 anni ho visto per la primavolta Jesus Christ Superstar. Al terminedello spettacolo avevo perfettamentechiaro in mente che cosa volessi di-ventare: volevo cantare, ballare e re-citare. In poche parole: volevodiventare una musical performer!

Quali particolarità dovrebbe avere unmusical per conquistare il pubblico?Per toccare il cuore del pubblico, unmusical necessita di diverse compo-nenti: la trama deve essere interes-sante, la musica diretta e coinvolgente.È inoltre fondamentale un’atmosferapiacevole all’interno del gruppo di la-voro: ci deve essere una grande sin-tonia all’interno del cast e tra gliattori e il direttore d’orchestra. Maun musical non può esistere senza unlibrettista e un compositore!

È vero che i ruoli interpretati influisconosulla personalità dell’attore?

Certamente! Ognuno di noi entra incontatto con un personaggio diversoda se stesso, e chiaramente ciascunosi approccia al ruolo da interpretarein base al proprio carattere e allapropria personalità. Per noi è sempreun grande arricchimento anche a li-vello personale.

L’imperatrice Elisabeth è stata molto im-portante per la Sua carriera. Che rela-zione ha con questo ruolo?Dal punto di vista caratteriale lacomprendo molto bene. Se fossenata e vissuta in quest’epoca, proba-bilmente la sua vita non sarebbe statacosì complicata e tormentata.

Ogni performer ha un ruolo preferito:qual è il Suo? E c’è un ruolo che sognadi interpretare?Non saprei dire quale sia il mio ruolopreferito! Indubbiamente Elisabethmi ha influenzata molto. Mi piace-rebbe continuare a interpretareDiana in Next to Normal e interpre-tare di nuovo Norma Desmond inSunset Boulevard. Tra i ruoli ‘nuovi’ mipiacerebbe interpretare la madre inDas Wunder von Bern (Il miracolo diBerna) o Mrs Johnstone in Blood Bro-thers. Mi piacerebbe anche recitare innuove produzioni.

Nel corso di una produzione, per più seredi fila deve interpretare lo stesso ruolo. Èemozionante ogni volta o con il tempo sitrasforma in una sorta di routine?Nel nostro lavoro non si dovrebbe

mai parlare di routine: se così fossesignifica che si sta sbagliando qual-cosa, e questo viene percepito anchedal pubblico. Dal 2005 il mio calenda-rio cambia ogni sera intervallandomusical con spettacoli prodotti dame. Adesso interpreto Diana in Nextto Normal a Dortmund alternato allavecchia Gina di Don Camillo & Pep-pone a San Gallo. Nel frattempo pro-seguo con il mio spettacolo 4 Voicesof Musical.

Attualmente fa parte del cast di “DonCamillo & Peppone”: come è entrata nelruolo della vecchia Gina? Si sta diver-tendo a interpretare questo personag-gio? Cosa ci può raccontare di questonuovo musical? È particolarmente interessante viverein quel piccolo mondo in cui si svolgetutta la vicenda. Mi piace osservare ilmondo con gli occhi della vecchiaGina. Spero di avere la sua stessa vi-sione della vita anche quando starò

per morire! Cosa vi posso dire?Abbiamo un cast fantastico, un co-reografo molto preparato e un diret-tore d’orchestra formidabile!

Che rapporto ha con i tanti fans che laseguono sui social? Come ha avutol’idea di Maya Quakvoort?Quando il tempo me lo consente,cerco sempre di ringraziare tutti co-loro che mi seguono così fedel-mente. Alcuni dei miei fans arrivano

appositamente dal Giappone! L’ideadi Maya Quakvoort mi è venutaquando ho visto la paperella in unnegozio. Adesso l’ho un pochino tra-scurata, ma presto torneremo a viag-giare insieme!

Dopo questa chiacchierata aspet-tiamo con ansia il 17 ottobre quando,in occasione del suo compleanno,proporrà Maya Hakvoort 50 al Rai-mund Theater di Vienna.

Quella lineasenza tempo

di Sara Del SalA Chorus Line

Klagenfurt (A), Stadttheater31 marzo 2016

Il musical per antonomasia,teatro nel teatro allo stato puro

in un nuovo allestimento austriaco

Un successo annunciato. Lo Stadt-theater di Klagenfurt ha scelto di por-tare in scena uno dei titoli più noti almondo, sinonimo quasi del generemusical e il pubblico continua ad affol-lare la sala con una serie di sold outmeritatissimi. Le maestranze ameri-cane si sono trasferite in Austria e ilben noto Michael Kunze ha tra-dotto in tedesco il libretto, lasciandosolo la celeberrima One in lingua ori-ginale, troppo famosa per necessitareuna traduzione e un risultato da stan-ding ovation. Lo spettacolo viene portato in scenanella sua versione originale, tutto fi-lato, senza interruzioni, e ancora unavolta, il pubblico diventa testimone delcasting più famoso della storia, stu-pendosi, come sempre, di quanto sia

faticoso e stressante trovarsi di frontea un regista che deve selezionare unnumero esiguo di artisti rispetto atutti quelli che si sono presentati al-l’audizione, ma ancor più quando capi-sce che tutta questa fatica, e tutto iltempo, è stato investito solo per tro-vare delle persone che non saranno iprotagonisti dello spettacolo. Eppure è così, ci si casca ogni volta,trovandosi a sentire le loro storie, avalutare i loro passi e restandoci malequando viene ribadito che loro sonosolo il contorno. Un contorno fatto diragazzi che hanno sogni o che listanno ormai abbandonando, ma tra iquali spunta Cassie, la star che ha bi-sogno di pagare l’affitto come tutti glialtri, dopo che la sua stella ha iniziatoad affievolirsi, e che con questo pro-

vino deve anche chiarire la fine delsuo rapporto con il regista. SarahBowden è una Cassie elegante, forseperò poco incisiva nel canto, con unavoce che non lascia un segno forte.Chi di voce ne ha da vendere è Wei-Ken Liao, che però non è credibilecome Paul San Marco, perche i suoitratti orientali si abbinano ben poco aun personaggio che dovrebbe avereinvece tutte le caratteristiche di unuomo latino o italiano. La Diana Mo-rales di Jane-Lynn Steinbrunn èdavvero uguale a quella del film, maanche nel suo caso la vocalità è pena-lizzante. Carsten Lepper invece è un Zachincisivo, forte e molto convincente.Chi però svetta in ogni senso sulpalco è la Sheila Bryant di Ines

Hengl-Pirker. Alta, bella, elegante econ una voce da paura è lei, la snobdel gruppo, a dimostrarsi la più com-pleta e quella più dotata in tutte le di-scipline. Il fatto di avere a disposizioneun’orchestra dal vivo è un punto inpiù per uno spettacolo che chiedetantissimo agli artisti e che riesce adessere sempre fresco e ricco. Ricco diemozioni e di tematiche universali,che porta sul palco non solo degli ar-tisti ma delle persone, fragili, strane,diverse o anche comuni. Vedere A Cho-rus Line fa sempre bene, perché è unospaccato di vita costruito su una sem-plicità disarmante, ma che sa esserecompleto, non dimenticando i sorrisi,le lacrime, i sogni infranti e quelli rea-lizzati di chi ha scelto di calcare il pal-coscenico.

Don’t cry forme, Evita

di Sara Del SalEvita

Vienna (A), Ronacher31 maggio 2016

Un allestimeno impeccabile,ma cast non azzeccato: luci e ombre

in questa Evita in salsa viennese

foto | VBW / Deen van Meer

Tra i vari motivi per andare a Vienna,al Ronacher Theater, a vedere Evita, ilprimo della lista è sicuramente il bri-vido di trovarsi di fronte a ThomasBorchert e Drew Sarich che con-dividono il palco. Katharine Mehrling, colei che in-terpreta il ruolo del titolo, passa in-dubbiamente in secondo piano nelmomento della scelta dello spetta-colo. Avere due musical star sul palcoè sicuramente un’occasione da nonperdere, ma, come è noto a chi co-nosce lo spettacolo, buona partedelle canzoni sono affidate proprioalla protagonista che dovrebbe quindisbaragliare tutto e tutti. Non è così.Purtroppo lo spettacolo pensato daVincent Paterson, che firma una

regia ricca di idee e delle coreografiemolto interessanti, è come la suastessa protagonista: bellissimo, ma in-capace di andare a segno. Bellissima l’idea di risolvere la sceltadel candidato premier in una banca-rella di tiro a segno, elegantissima lasoluzione di impostare la camera diPeron in una specie di loft di vetro,cattivissima la scelta di denudare gliinglesi che contrastavano Evita e lesue scelte. Insomma, tutto funziona, etutto è curato nel minimo dettaglio.Si può restare a bocca aperta all’ini-zio, trovandosi in un cinema in cuiproiettano un film con la vera EvaPeron, e ringraziare per la scelta dinon mettere un pubblico di com-parse che apprendono la notizia della

sua morte, annunciata direttamenteal pubblico in sala. Molte delle scene vengono risoltecon una nuova freschezza, che fun-ziona e rende molto agile lo spetta-colo, ma nonostante tutto qualcosanon scatta. Eppure Drew Sarich è unChe iperattivo, pronto a tutto e ca-pace di destreggiarsi tra palco e pla-tea, ma leggermente sacrificato dallecanzoni che raramente gli permet-tono di sfogare tutta la grinta di cui ècapace, e che qui risulta solo accen-nata. Un discorso che diventa ancorapiù oppressivo per Borchert, intrap-polato in poche, pochissime canzoniche non gli permettono mai di faresfoggio di tutta la sua incredibileestensione vocale. La Mehrling invece potrebbe farequalsiasi cosa ma in realtà nono-stante continui a dimostrare di es-sere in grado di giocare con le notecon grande eleganza, la sua voce non

colpisce. Il fatto che sia scenicamentetroppo matura completa l’opera.Evita muore a 33 anni. La Mehrling,che ha passato i quaranta, li dimostratutti, risultando troppo vecchia per ilruolo. Insomma, lo spettacolo di Tim RiceeAndrew Lloyd Webber trova aVienna un allestimento che lo rin-nova e lo porta dritto nel nuovo mil-lennio, ma che fa uscire di salaponendosi delle domande: perché cu-rare i dettagli e sbagliare clamorosa-mente la protagonista? Perché nonfanno cantare due canzoni a caso alledue superstar, dopo il finale, che ren-dano loro giustizia? Come è possibileche dopo aver fatto la Morte in Elisa-beth e Krolock in Tanz il povero Bor-chert sia condannato a guardareimpotente la sua amata morire comese non sapesse cosa c’è dopo?Ma soprattutto, perché si ha la sensa-zione che manchi qualcosa?

BACKSTAGE

Andrea Marchettida Tarzan a Love Never Diesad Amburgo, il passo non è poicosì breve

di Roberta Mascazzini

Andrea, dopo l'intervista di tre anni fa,confidasti che il tuo sogno fosse di farparte del cast di The Phantom of theOpera. Il musical in cui lavori ne è il se-guito. Si tratta, in un certo senso, dellarealizzazione di un sogno?Certamente sì! È importante cono-scere bene i propri sogni, saper fis-sare i propri obiettivi e lavorareintensamente per realizzarli. Essere inLiebe stirbt nie per me rappresenta larealizzazione di più sogni: essere nelcast del “fantasma”, far parte di unaproduzione firmata Andrew LloydWebber, cantare la sua musica per luidurante il processo creativo, potermiesibire in questo storico e meravi-glioso teatro dell’Operettenhaus, la-vorare per Stage Entertainment inGermania... Direi che sto vivendonella concretizzazione di più sogni.

E lo hai fatto direttamente nella città cheper Stage riveste maggiore importanza!Sì, Amburgo è molto importante perStage. È una città viva di musica e diteatro, specialmente il quartiere di St.Pauli dove ci troviamo. Anche la so-cietà per la quale lavoravo preceden-temente, Aida Entertainment, ha sedein questa zona. Aida è un’ottima pale-stra per i performers, con i suoi pro-grammi da 15 spettacoli a contratto:credo di aver imparato più di unatrentina di show in tre anni di lavoroper loro. Il ritmo di apprendimento èdavvero frenetico. Si impara ad es-sere molto veloci. Sia Aida che Stagesi avvalgono di artisti provenienti datutto il mondo. Siamo in 37 nel no-

stro cast e proveniamo da 14 nazionidifferenti! Ammiro davvero tanto cia-scuno dei miei colleghi, persone sem-plici con talenti straordinari!

Il talento degli italiani, sembra esser ap-prezzato in Germania, e non solo.Questo dimostra che i professionistiitaliani son ben preparati, che la me-ritocrazia funziona e che ci sonobuone opportunità di lavoro.

Sei mai stato a vedere i tuoi colleghi econnazionali?Cerco di andare a teatro il più possi-bile. In Germania ho potuto ammi-rare alcuni connazionali in Tarzan,Aladdin, Das Wunder Von Bern, DirtyDancing e Rocky.

Grazie a questo musical, hai avutol’onore di incontrare Sir Andrew LloydWebber. Qual è la sensazione che haiprovato? Più soggezione, per la suagrandezza, o più emozione?Direi un grande senso di rispetto.Webber è molto riservato e sul la-voro sa bene a chi e come rivolgerele sue richieste. È stato presente du-rante il periodo di prove per appor-tare delle modifiche alla versioneprecedente di Love Never Dies. Unvero work in progress per il nuovo ar-rangiamento musicale e per l’allesti-mento di due nuovi importantinumeri d’Ensemble: Beauty underne-ath e Streets of Coney Island. Cantareper lui la sua musica mentre luistesso in persona la sta componendoe modificando in base al risultato ot-

tenuto dal lavoro diretto con noi ar-tisti, è stata un’esperienza davveroeccitante, di cui sarò per sempremolto grato e fiero.

A parte queste modifiche, sembra pro-prio tutto perfettamente uguale al dvd,senza errori, senza sbavature.Il set scenografico e i costumi sonostati trasportati dall’Australia, dove èstato girato il video. L’adattamentodelle scene ha richiesto molta atten-zione dato che il nostro palco è piùpiccolo di quello di Melbourne e Sid-ney. Il fascino del set è che gli ele-menti scenografici si muovono conun calcolo millimetrico e i cambiscena sono decisamente affascinantie sorprendenti.

Tu sei un swing e uno dei ruoli che rico-pri prevede l’uso dei trampoli. Com’èstato imparare?Ammetto che all’inizio mi ha spaven-tato l’idea di perdere l’equilibrio e dicadere. Ora, dopo il giusto training ela pratica giornaliera, mi è del tuttonaturale. Senti i trampoli come unprolungamento delle tue gambe: di-venta facile sia tenere l’equilibrio, chesvolgere alcuni passaggi complessi dicoreografia come il penchè, il batman,la promenade in arabesque...

Le repliche termineranno il 25 settem-bre 2016. È prevista una tournée?È annunciato il tour USA per il 2017.Sembrerebbe che il Lord miri a por-tare al più presto LND a Broadway!

Note sullo showRachel A. Moore è una Christine Daeé ecce-zionale. Voce da usignolo e recitazione intensa. Molto bravo e convincente Robert D. Marx(Raoul), che stavolta non ha le difficoltà vocali di-mostrate in ruoli passati.

Fra i migliori sul palco c’era, oltre ai già citati,Maria D. Bansen (Meg Giry).

Perfettamente calato nella parte anche MathiasEdenborn, più a suo agio in questa partitura chein quella di The Phantom of the Opera, dove nonconvinse nessuno.

Eccezionale tutto il cast.Amburgo, 25 maggio 2016

Notre Dame De ParisTrieste, Politeama Rossetti6 aprile 2016

Quando si riprende uno spettacolo cisono sempre mille se e tanti ma, mal’operazione fatta da David Zard conil Notre Dame de Paris è riuscita a met-tere d’accordo tutti. Richiamare sulpalco i protagonisti storici, quelli chehanno dato vita ai personaggi che tutticonosciamo è stata un’impresa moltointeressante e riuscitissima, che conti-nua a registrare l’esaurito ovunque.

Ma come si presenta dopo 14 anni lo spettacolo? Per la prima volta èstato portato in scena dentro un teatro, il Rossetti, e vederlo con distanzeravvicinate è stato un valore aggiunto. Bello rivedere in scena MatteoSetti, e soprattutto riascoltare la sua voce, elegante, piena e potentissima.Il suo Gringoire è più in forma che mai, come il Quasimodo di Giò DiTonno, emozionante e ricco di energia. Alla prima triestina era più conte-nuto vocalmente Graziano Galatone, un Febo che però ancora sa ru-bare i cuori delle giovani. Vittorio Matteucci è sempre Frollo, un preteinnamorato con maggiore intensità interpretativa, ma talvolta al risparmionel canto per privilegiare gli acuti (una “moda” che sicuramente si è con-solidata con Romeo e Giulietta, nel quale era uno sport che accomunava

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visto da Sara Del Sal

quasi tutto il cast). Lola Ponce è sempre Esmeralda, fresca, sensuale, bel-lissima, ma in difficoltà con gli acuti, al punto da fare dubitare, in svariatimomenti del secondo atto, di playback (la distanza ravvicinata non lasciavaspazio a grandi dubbi in merito). Solido, nei panni di Clopin, Leonardo DiMinno, che è un performer completo e che non perde occasione per di-mostrarlo. L’inserimento di Tania Tuccinardi nei panni di Fiordaliso in-vece non convince, né vocalmente né fisicamente, togliendo al personaggiola sua elegante raffinatezza e la perfidia che la porta a far sacrificare la suarivale. Non è un musical, ma un’opera moderna, e ha la capacità di incan-tare i pubblici, facendoli cantare, sospirare e sognare, insomma, non c’è dastupirsi se questo spettacolo ha una tournée in continua espansione, anchese sarebbe preferibile che il pubblico riuscisse ad apprezzarlo senza perforza dividersi in fazioni di fan a supporto solo di questo o di quell’artista.

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Tanz der VampireBerlino, Theater Des Westens16 giugno 2016

L’assenza dalla terra natìa è stata breveper Tanz der Vampire, musical cult tede-sco, che torna a Berlino, con grangioia dei fan. E stavolta ci sono 6 ita-liani nel cast!Il conte Von Krolock è impersonato,fino a metà luglio, da Mark Seibert,che, nonostante l’impegno, non hacerto la vocalità adatta al personaggioe ha diverse incertezze vocali. Forse

per questo, o forse volutamente, emerge nella sua caratterizzazione la rab-bia, mentre mancano il tormento interiore e la sensualità. Cosa comunqueche non impedisce alle ammiratrici di regalargli gli applausi più fragorosi.Nonostante la sua giovanissima età e la difficoltà della lingua, convince Ve-ronica Appeddu, nel ruolo di Sarah, giovanissima protagonista femminile,che dà voce col conte al celeberrimo duetto Totale Finsternis (oscurità to-tale). La sua è sicuramente una scommessa vinta.L’inizialmente timida ragazza vive segregata in casa a causa del vampirescopericolo e si sente morta dentro, vorrebbe la libertà, vorrebbe vivere. VonKrolock – proprio lui che è morto – rappresenta ai suoi occhi la vita. A rinchiudere Sarah in casa per proteggerla, ci pensa l’apprensivo padre,

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visto da Roberta Mascazzini

Chagal/Nicolas Tenerani, ormai un veterano di Stage Entertainment inGermania, che ancora una volta ha convinto il pubblico, tanto da esser de-finito in qualche blog uno Chagal nato, il migliore visto finora. Così come con Chagal, anche con Koukol/Paolo Bianca le risate sonogarantite seppure il personaggio, ispiri, a dire il vero, anche tenerezza per lasua condizione fisica.Bravissima Alessandra Bizzarri, ballerina solista nel bellissimo numerodi danza Rote Stiefel (stivali rossi), uno show stopper.A completare il nutrito gruppo di connazionali ci sono Marina Maniglio,altra veterana Stage, Michael Anzalone e... Nicole Ollio, che venendodal Canton Ticino, si può considerare una cuginetta d’oltreconfine.Se passate da Berlino o da Monaco, non dimenticate di vedere il musical edi passare a salutare i nostri amici, che ne saranno felicissimi e vi accoglie-ranno con calore.

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PrIMO 2016

PRIMO CLASSIFICATOLa Spada nella Rocciadi Andrea Cecchi, Alessio Fusi,Andrea Sardi

SECONDO CLASSIFICATOOrfeo ed Euridicedi Gianfranco Salvio e Nicola Salvio

TERZO CLASSIFICATOCookiesdi Lorenzo Vacchi e Stefano Bonsi

PREMIO DELLA CRITICAex aequoCookiesdi Lorenzo Vacchi e Stefano Bonsie Il Giudizio Universaledi Stefano Sauro e Filippo Paternò

Doppio evento quest’anno per ilPremio PrIMO, il Premio Italianodel Musical Originale creato e di-retto da Franco Travaglio con Amicidel musical.Oltre alla consueta premiazione alTeatro degli Oscuri di Torrita diSiena, andata in scena lo scorso 10giugno con la partecipazione deiteam creativi vincitori, martedì 19aprile la Palazzina Liberty di Milanoha ospitato una serata di showcase.Tutte le sette opere finaliste (Alice diLeonardo Abbate e Ilaria Fontana;Anna dei sentieri di Simone Oliva e

Cristian Cattini; Casanova di AnnaHurkmans e Raffaele Paglione; Coo-kies di Lorenzo Vacchi e StefanoBonsi; Il Giudizio Universale di Ste-fano Sauro e Filippo Paternò; Laspada nella roccia di Andrea Cec-chi, Alessio Fusi, Andrea Sardi; Orfeoed Euridice di Gianfranco Salvio eNicola Salvio) hanno avuto la possibi-lità di presentare un breve medleydella colonna sonora, grazie all’inter-pretazione dei cast originali e di pre-stigiose guest star, tra cui RiccardoSinisi (Priscilla, Newsies, Jesus Christ Su-perstar), e le star emergenti Martina

Foto di gruppo alla serata a Torrita di Siena

Lunghi e Maurizio Misceo. Importantissimo l’intervento nel pub-blico di molti addetti ai lavori, per ga-rantire l’incontro tra il talento deicreatori e l’attenzione delle piùgrandi realtà produttive del musicalitaliano: Marco Iacomelli (STM),Gianni Marras (BSMT), rappresen-tanti di Compagnia della Rancia, BagsEntertainment, Stage Entertainment,Wizard Production. Alla fine dell’evento, dopo la procla-mazione in anteprima dei vincitori fi-nalisti, tutti gli artisti sono statiomaggiati con una creazione originale

ispirata a PrIMO dello scultore Cisla-ghi Artist. La serata è stato presen-tata dai bravissimi Daniela FerrariBoschi ed Egidio La Gioia (JesusChrist Superstar, Evita, Tommy) ed èstata è stata organizzata per PrIMOda Daniela Ferrari Boschi e IsabellaRotti, e dall’Associazione CulturaleU.O.E.I. Sezione Milano - Ettore Bo-schi – Mila e dalla Compagnia TeatroGiovani Torrita. Realizzata in collaborazione con ilComune di Milano e la Zona 4, nel-l’ambito delle iniziative di Palazzina Li-berty in Musica.

Il pubblico alla Palazzina Liberty di Milano

La nottedel Titanic

di Alessandro CariaTitanic - The Musical

Bologna, Teatro Comunale13 luglio 2016

Il festival estivo della BSMT si chiudecon il sontuoso allestimento del

pluripremiato musical di Yeston & Stone

foto | Renato Morselli

“In every age, mankind attempts to fa-bricate great works at once magnificentand impossible”, canta il progettistaThomas Andrews all’inizio dello spet-tacolo. La sua “grande opera” è, natu-ralmente, il Titanic che affondò nelsuo viaggio inaugurale. Una “grandeopera” avevano in mente pureMaury Yeston e Peter Stone crea-tori del musical Titanic (vincitoredel Tony Awards nel 1997) visto al Comunale di Bologna. Ci sono sfide all'interno di questomusical (al di la’ dell’eccellente edi-zione della BSMT) che non sonostate vinte o forse, per citare ancoraAndrews, “impossibili”; ma ci sono

anche molti momenti di magnifi-cenza.Le sfide impossibili in cosa consi-stono? Titanic, probabilmente per li-miti strutturali dello script, nonriesce a capitalizzare le due evidenticarte vincenti sul quale è basato ilsuo soggetto: sentimentalismo e su-spense. Il lungo primo tempo siferma (troppo?) a lungo nel dare in-formazioni storiche, tecnologiche,tecniche, statistiche, mettendoci den-tro anche l’immancabile lotta diclasse; tutto ciò, ovviamente, fa ca-dere a tratti la tensione narrativa. Nel frattempo, canzone dopo can-zone si sottolinea ciò che il transa-

tlantico ha rappresentato per suoicreatori, per l’equipaggio, per i pas-seggeri: è, come dice il testo piùvolte, una “'nave dei sogni”, che in-carna diverse speranze di progresso,sia sociale che scientifico. Se da unalato lo spettacolo è davvero magi-strale nel definire le diverse forme diquesta fantasia collettiva, dalla visionedel suo progettista, Andrews (un feb-brile ed intenso Brian Boccuni),che paragona la nave a cose come laCappella Sistina e le grandi piramidi,agli immigrati di terza classe che im-maginano nuove possibilità di scalatasociale, dall’altro offre una così(troppo?) impressionante galleria di

personaggi che seppur sostanzial-mente definiti, raramente trascendonole loro funzioni simboliche o di trama.In poche parole, lo spettatore non rie-sce ad identificarsi in maniera totalecon un personaggio, il suo cuore nonentrerà in totale empatia con quello diuno dei protagonisti dello spettacolo,non riuscirà a seguirlo fino alla fine,gioendo o piangendo per la sua sortenel celebre disastro.La magnificenza dello spettacolo (edella serata!) sta tutta in alcuni pas-saggi musicali davvero meravigliosi,che l’immensa e impeccabile bravuradegli allievi della BSMT e degli ex al-lievi e oggi validi professionisti, esal-

tano come poche volte capita di ve-dere e sentire.Porto con me quattro momenti par-ticolarmente ispirati: (1) il lungo, tra-scinante e roboante opening,l’imbarco dei passeggeri sul Titanic:una stupenda “coreografia” stile ArtDéco da Ballo Excelsior (ottime lesoluzioni escogitate dalla regia diGianni Pilade Marras e la gestionedelle masse/movimenti coreograficidel numerosissimo Cast da parte diGillian Elizabeth Bruce – una so-lida garanzia) con un crescendo mu-sicale da togliere il fiato e doveemerge prepotente la sontuosità deicori (magistrale direzione musicale diShawna Farrell); (2) “Lady's Maid”con le tre Kate della terza classe

(dove emerge un’ottima FedericaLaganà) che cantano del loro “ame-rican dream”; (3) un duetto nel qualeil Marconista di bordo e uno dei fuo-chisti (Renato Crudo e FilippoStrocchi, entrambi eccellenti) can-tano delle rispettive ossessioni, latecnologia moderna e la ragazza inattesa a casa: un numero musicaleche riesce a fondere in modo vivacee commovente quel senso di solitu-dine dell’individuo nel contesto delsuo lavoro; (4) una irresistibileIleana Pipitone che ruba la scenacon la sua esilarante Alice, voce deli-ziosa e tempi comici perfetti, l’arrivi-sta di seconda classe che sgomita perviaggiare fianco a fianco con i miliardari.Complimenti e applausi a tutti!

Un bar a New York, un bancone, dei tavoli:una ambientazione metropolitana per

una commedia musicale romantico-pop

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Le Bal des Vampires, Parigi - Teatro Mogador, data

Grande successo anche nella capitale francesceper i vampiri di Roman Polanski

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