Artistas Del Romantisismo
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ARTISTAS DEL ROMANTISISMO ALUMNOS : MARIA JOSE TORAYA CANUL DIANA ZETINA CABRERA JENNYFER PAREDES CANO JOEL CAHUCH ASESORA: DOC. ARQ. JOSEFINA DEL C. CAMPOS GUTIÉRREZ
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breve explicación de las obras mas relevantes de los artistas de la poca del romanticismo.
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ARTISTAS DEL ROMANTISISMO
ALUMNOS : MARIA JOSE TORAYA CANUL
DIANA ZETINA CABRERA
JENNYFER PAREDES CANO
JOEL CAHUCH
ASESORA: DOC. ARQ. JOSEFINA DEL C. CAMPOS GUTIÉRREZ
RomanticismoLa pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas , las reglas, supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro: Utiliza diferentes técnicas ; el óleo, gis pastel, acuarelas, grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad. Desaparece la línea frente al color . Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos.
Europa Inglaterra Francia España Alemania
Los pintores de Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable y de William Turner .
Los pintores franceses eran maestros del color, en sus obras pictóricas resaltaba la representación del vigor, de la voluntad y de la energía contenida .
Frecuentemente los ideales románticos de libertad, perfección, de amor, de filantropismo se estrellan contra una razón fría y calculadora o simplemente contra la realidad del mundo, entonces el romántico se angustia, se desespera, se pone triste y melancólico e incluso se quita la vida porque no encuentra otra solución mejor.
La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del paisaje
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PINTORES
John Constable.La carreta de heno. 1821
presenta en sus paisajes la vida campesina tal como lo veía, con sencillez, sin idealizaciones. Transmite la imagen de un universo natural, en el que el ser humano, los animales y el paisaje conviven en armonía. óleo sobre tela, 130,5 x 185,5 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido.
El maizal, 1826
Se cree que mostraba un sendero desde East Bergholt hacia Dedham, Suffolk. Por este sendero campestre camina un rebaño de ovejas. A la parte izquierda de la composición hay un pastorcillo que bebe en un estanque, junto a un asno; por ello Constable se refería esta pintura como El chico bebiendo. El dibujo de los árboles que están a los lados del lienzo se abre y deja entrever a los campesinos trabajando en un campo de cereal que da
título al cuadro. , óleo, 143 x 122 cm
Théodore Géricault Francia (1791-1824)La bolsa de medusa
se representa intencionadamente un asunto político. Se reflejar un realismo total. Dudó en la elección del momento que representaría y se decantó por cuando los náufragos avistan un barco en la lejanía para reflejar diversos estados de ánimo: desesperanza, esperanza, temor, angustia y los muertos en primer plano.La Balsa de la Medusa, c.1818, óleo sobre lienzo, 4´5 x 6´5 m, Museo del Louvre, París.
Húsar a caballo, c.1814 Museo del Louvre, París
Muestra este boceto un interés por el movimiento violento y el escorzo desusado. El húsar se halla inmerso en una atmósfera de batalla teñida de tintes truculentos. óleo sobre lienzo, 349 x 266 cm.
Francisco de Goya3 de mayo, 1814
se ha señalado el contraste entre el grupo de detenidos prontos a ser ejecutados, personalizados e iluminados por el gran farol, con un protagonista destacado que alza en cruz los brazos y viste de radiante blanco y amarillo, e iconográficamente remite a Cristo se aprecian estigmas en sus manos y el pelotón de fusilamiento anónimo, convertido en una deshumanizada máquina de guerra ejecutora donde los individuos no existen. óleo sobre lienzo.
Autorretrato, 1815,
Pintura al óleo sobre lienzo. A Goya le gustaba mucho hacerse autorretratos ya que se hizo varios, en esta tenía 65 años
Caspar David FriedrichLa cruz en la montaña,
1807-1808
no existía más que un amplio primer plano: la cima de una montaña en la que, entre rocas, se alza un crucifijo rodeado de abetos. Tras la cima, se proyectan los rayos del sol poniente sobre un cielo de nubes espesas que siguen, por su parte, el ritmo piramidal de la montaña. No existe profundidad, no hay perspectiva. De forma característica, el espacio se articula mediante la superposición de planos bidimensionales. A esto hay que unir la diversidad de puntos de vista empleados y la ausencia de perspectiva atmosférica: los objetos se perfilan con el mismo detalle independientemente de la distancia. Posee un contenido simbólico cristiano, dentro de un estilo puramente neogótico. Los cinco rayos de luz del óleo se corresponden con los cinco ángeles del marco sobre dos palmas que forman un arco gótico.
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PINTORES
La catedral de Salisbury, vista desde el jardín del palacio arzobispal, 1828
Las vistas que se reflejan en estos cuadros han cambiado muy poco en casi dos siglos. Fue John Fisher, el obispo de Salisbury, quien encargó esta pintura a su amigo Constable, siendo también quien escogió la vista desde la que debía pintarse la catedral, Como gesto de aprecio, Constable incluyó al obispo y a su esposa en el lienzo. Sus figuras pueden verse en la parte inferior izquierda de la pintura, detrás de una valla y bajo las sombras de los árboles.
William TurnerLa batalla de Trafalgar,
1822
En esta obra pictórica s Representa una tragedia.óleo sobre lienzo, National Maritime Museum, Greenwich,
Londres.
El derby de Epson, c.1821
representa la carrera o derbi de Epsom, que está considerado aún hoy en día como una de las más prestigiosas carreras de caballos del mundo. Esta obra tuvo una notable influencia en los impresionistasóleo sobre lienzo.
El cleptómano, c.1822 & Retrato de mujer loca, c.1822-1823,
La maja desnuda, 1800
son obras míticas y polémicas, tanto por la fecha de su realización y la figura que reflejan, como por su primer propietario conocido, el destino que tuvieron y las críticas que han suscitado figuras sorprende la extraña cabeza, casi de maniquí, inexpresiva y pegada de manera ilógica a un tronco, con el que no parece tenga mucho que ver (las radiografías no indican que exista otra debajo del rostro). óleo sobre lienzo,
La parte inferior, a modo de base para situarlo sobre el altar o predela, está decorada por espigas de trigo y sarmientos y uvas, en evidente alusión a la eucaristía; enmarcan el símbolo trinitario, con el ojo omnividente de Dios. En estos árboles puntiagudos representan a las almas, mostrándo un animismo religioso. A menudo se completan con cumbres escarpadas, en cuya cima hay una cruz. Son lugares de belleza inaccesible, solitarios o con un contemplador en primer termino y de espaldas, figura que permite al espectador meterse en el cuadro.
El cementerio de Cloister nevado, 1817-19
Esta obra es de entendimiento alegórico de tres edades religiosas: el paganismo (encinas), cristianismo medieval (ruinas góticas) y contemporáneo. Sin embargo, es, más que nada, una reflexión sobre la muerte y el tránsito hacia la vida futura a través de ella (simbolizada por la puerta ojival).
obra en la que podemos apreciar el sentido realista donde lo cotidiano nos lleva en un primer momento al rechazo pero en un segundo momento nos muestra una lucidez terrible.
Obras pintadas con óleo sobre lienzo, Museo de Bellas Artes, Gante.
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PINTORES El gran canal de Venecia,
1835
Turner; además, introduce numerosas figurillas para otorgar mayor realismo y vivacidad a la composición. El claro colorido y la fuerte luz aplicada son elementos característicos de los paisajes pintados por el maestro londinense en la década de 1830.óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Barco de esclavos, 1840
pintó una escena de naufragio y tormenta, de llamas rojas
sangre que manchan un cielo color mármol. Parte del cuerpo de un esclavo flota en un mar
sucio de ocres y claros, víctima de peces depredadores. Un tobillo muestra un grillete,
evidencia de lo que sucedió allí. óleo sobre lienzo, Museo de
Bellas Artes (Boston)
Eugéne Delacroix Francia (1798-1863)
La Barca de Dante, 1822
El tema elegido es el romántico. Delacroix ha pretendido literaturizar el hecho pictórico tomando como emblema La Divina Comedia de Dante. Ha escogido el momento en que Homero y Virgilio navegan por las aguas infernales. óleo sobre lienzo, 189 x 242 cm, Museo del Louvre, París.
La Matanza de Quíos
donde se denuncia la desmesurada violencia ejercida por los turcos contra los griegos. Podemos sentir el dolor que transmiten las figuras sedentes y la altivez del soldado a caballo, satisfecho por la victoria. óleo sobre lienzo, Museo del Louvre, París.
La maja vestida, 1806
Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de la Maja desnuda, en que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.Se retrata a la misma mujer recostada en un lecho y mirando directamente al observador. óleo sobre lienzo,
El parasol, 1777
representa a dos jóvenes, en la que el chico le está tapando el sol a la maja. Es un pintura al óleo sobre lienzo. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente al cuerpo de la
maja, sobre lienzo
El caminante sobre el mar de nubes, 1818
La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. óleo sobre lienzo, Hamburgo, Kunsthalle.
El mar de hielo, 1823-1824
es una obra tensa y dramática que, sin embargo, no refleja ningún tipo explícito de violencia exterior. Se representa el naufragio de un barco aprisionado entre unos inmensos bloques de hielo y parece ser que fue inspirado por un hecho real acontecido en el invierno de 1820 en el río Elba, en las inmediaciones de Dresde. óleo sobre lienzo
(1824)
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PINTORES
William BlakeEl anciano de lo días, 1794
El anciano, enmarcado en una mandarla mística que más bien � �parece el propio sol, mide la Tierra, el mundo, con su compás, un instrumento tan sencillo sirve para medir el mundo. En cuanto a la técnica, le da ese aspecto fantástico mediante la luz y el color, ofrece un gran energía, por otro lado tiende a simplificar las formas, basándose en los elementos geométricos, y por último cabe destacar la influencia de Miguel Ángel, en esos cuerpos monumentales e imponentes. aguafuerte y acuarela, 23´3 x 16´8 cm, Museo Británico, Londres.
Nabucadonosor, 1795-1805,
La muerte de Sardanápalo
aunque no fue bien recibido por la crítica del momento -y es que rompía con las tres unidades tradicionales- llama la atención la perfección en los detalles en la telas, los objetos, los adornos de los personajes, etc.óleo sobre lienzo, 392 x 496 cm, Museo del Louvre, París.
La Libertad guiando al pueblo, 1830
composición piramidal, cuerpos revueltos y muertos en primer término, expresividad en los rostro aquí los personajes se mueven hacia el espectador en tanto que en La balsa de la Medusa se orientan hacia el fondo. Los colores y el uso de la luz también nos remiten a Géricault, aunque resalta el rojo de la bandera Finalmente, la distribución de la masa pictórica se puede identificar a partir de una línea oblicua del vértice superior izquierda al inferior derecha
La gallina ciega, 1788-1798
En esta obra la alegría y la vitalidad envuelven la escena, principal que se sugiere puede representar al amor ciego.
Carlos IV y su familia, 1800, 280
Las personas están de pie y contemplando a un personaje misterioso que posa para el pintor, colocados casi en línea recta y en el orden exigido por la etiqueta real; Las figuras forman a ambos lados dos grupos compactos para dejar en el centro un espacio más amplio donde aparecen los reyes con su hijo menor
(1827)
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PINTORES
En esta pintura se aprecian los elementos más característicos del estilo de Blake: el predominio del dibujo sobre el color, el recurso a los contornos ondulantes que confieren a las figuras ritmo y vitalidad, la simplicidad monumental de sus formas estilizadas y la gestualidad de intenso dramatismoacuarela sobre papel, 54.3 × 72.5 cm, National Gallery of British Art, Londres.
La escalera de Jacob, 1800
Eesta pintura lenguaje estilístico, formal resaltan entre la obra y técnico para la representación habitual, retorciendo la escala hasta convertirla en una escalera de caracol que ascendía hasta un radiante sol y por la que circulan estilizados y vaporosos ángeles
Mujeres de Argel, 1834
obra de gran realismo donde conjuga el azul local con todas sus variaciones y matices, centrados en la figura femenina, situada en el centro de la composición.
óleo sobre lienzo, 180 x 229 cm, Museo del Louvre, París.
. Con ello se intenta conseguir una perfecta función de las figuras; El espacio aparece recortado (evita una perspectiva profunda), parece como si el grupo estuviera cerca de la pared del fondo. Goya crea un espacio, donde coloca la escena, no mediante la iluminación y la superposición de planos (como ocurre en "Las Meninas"), sino mediante el volumen de los cuerpos de la familia real. El eje central es la reina María Luisa, dos diagonales acompañan la composición
Saturno devorando a su hijo, 1820
en estas obras se muestra como un pintor revolucionario, que prescinde del dibujo que es sustituido por grandes manchas de pintura. Las formas monstruosas de brujas y monstruos, como el de la obra que estamos comentamos, muestra la visión más oscura del Ser Humano
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PINTORES
, La lechera de Burdeos, 1826
gira entorno a un único plano en el que se encuentra la figura. El movimiento es inexistente y el rostro deja ver una expresión de melancolía. Esto es debido al recuerdo de España por Goya. Por los atuendos que lleva la dama no es de clase alta. Destaca la pincelada libre que el autor utiliza y predominan las tonalidades claras, tanto grises como verdosas.
ARQUITECTURA DEL ROANTISISMO
CRYSTAL PALACE "TODO LO SÓLIDO SE DESVANECE EN EL AIRE" (M.BERMAN)
L'enginyeria del ferro té a meitats del segle XIX els seus màxims exponents en els hivernacles, on l´arquitectura es limita a tancar de manera diàfana l´espai . Les estructures de ferro i vidre desenvolupen el gust megalòman que es deriva de la tendència sublimista del Romanticisme més primerenc, que ara troba una forma de realització que exalta les virtuds del progrés. La lleuregesa, la transparència, l´efecte de tensió i de fragilitat són les carascterístiques estètiques bàsiques de la construcció metàl·lica.
Els resistens elements de fosa fabricats en sèrie i de fàcil muntatge van permetre aixecar i prolongar de manera colosal la nau central a base de mòduls regulars i especialment el creuer formant tres nivells d´alçada. El projecte es desenvolupa partint d'una mida "n" que es va repetint a mesura que creix, és a dir, està basat en la regularitat infinita sense determinació de límits.
La manera en què Paxton adapta l'edifici al solar segueix la idea de desmaterialització del conjunt doncs en comptes de trencar amb la forma de corba que té el terreny, aprofita el màxim d'espai esglaonant el perímetre de l'obra sense preocupar-se de l'aspecte final, amb la qual cosa la planta presenta unes certes irregularitats de forma que mostra la poca rellevància de l'embolcall en una sala tan neutre on la vista tenia que acostumar-se a la immensitat de l´espai que es creava al relacionar tant directament l´interior amb l´exterior •En el terreny, Paxton es troba amb arbres, els quals no li suposen un obstacle, ja que, enlloc de tal·lar-los, configura patis al voltant d'aquests. Per sobre dels arbres hi ha una estructura d'arcs de fusta.(com es pot veure en la planta i l'esquema). La seva forma era revolucionària per la seva pròpia indeterminació , ja que no existia cap raó per no poder construir-lo més gran o més petit , més alt o més baix.
No obstant, el fet revolucionari fou que l´edifici es composava exclusivament de peces prefabricades i estandaritzades, amb la qual cosa fou l´obra pionera de la construcció racionalitzada. Així el seu estil no era convencional doncs la seva construcció depenia del transport amb ferrocarril i d´una complicada organització de les peces en l´emplaçament. •Després de l´exposició fou desmontat i reconstruït el 1852 a Sydenham però amb una fesonomia molt diferent als principis que postulava la seva construcció original doncs es va voler magnificar extraïent-li la claretat de linees que posseïa en un principi. La seva forma es complicà exageradament creant una galeria central semiesfèrica que recorria el palau en tota la seva longitud creant un marcat eix de importancia a partir dels quals es desplegaven una sèrie de galeries laterals. •Tot i així després de la polèmica que generà la construcció originària en el Hyde Park el Crystal Palace era una atracció de primer ordre que gaudia de la visita de molts curiosos fins que el 1936 un incendi el destruí per complert.
LAS TORRES DE MEL MORE
Torre Eiffel
Todo comenzó con la organización de la conmemoración del centenario de la Revolución Francesa. Entre los muchos proyectos presentados, figuraba uno cuyos primeros estudios databan de 1884 y estaban avalados por el célebre ingeniero Gustav Eiffel, y el proyecto consistía en la construcción de una inmensa estructura metálica en forma de torre que sería vista desde una enorme distancia. El proyecto, lejos de enamorar a los parisinos, tuvo un enorme rechazo social, pese al cual finalmente la Torre de Eiffel sería levantada e inaugurada el 31 de agosto de 1889, tras tres años de obras y polémicas.
El primer plano de la torre fue realizado en junio de 1884 y mejorado por Stephen Sauvestre, el arquitecto principal de los proyectos de la empresa, quien le aportó más estética. El 1 de mayo de 1886, el Ministro de Comercio e Industria, Édouard Lockroy, entusiasta partidario del proyecto, firmó un decreto que declaraba abierto «un apoyo para la Exposición Universal de 1889. El ingenierio francés Gustave Eiffel ganó este apoyo económico y un convenio el 8 de enero de 1887 que fijo las modalidades de construcción del edificio.
Torre Eiffel Planos
Etapas:
18 de julio de 1887 7 de diciembre de 1887
20 de marzo de 1888 15 de mayo de 1888
Etapas
Etapas
21 de agosto de 1888 26 de diciembre de 1888
Etapa FinalMarzo de 1889 Interior
EL PUENTE BOLDEAU
La estación Budapest-Nyugati es una estación de ferrocarril de Budapest, Hungría. Se encuentra en la intersección de Grand Boulevard y la Avenida Váci. La estación Nyugati es, junto con la estación Budapest-Keleti y Budapest-Déli, una de las tres estaciones principales de Budapest.La estación fue diseñada por August de Serres y fue construido por la compañía Eiffel. Fue inaugurada el 28 de octubre de 1877. Este edificio fue derribado para construir el Nagykörút - Grand Boulevard, que ahora es más pequeña que la carretera de circunvalación exterior (Hungária körút - el Boulevard Hungría) y la carretera de circunvalación de la autopista M0 abierta en 2008.
FACHADAS:
Aquí tenemos dos de las grandes estaciones históricas de Budapest. En la foto de arriba la de Nyugati (Oeste) y en la de abajo, la de Keleti (Este). La primera de ellas fue construida por la compañía francesa Eiffel, en el mismo lugar donde se asentó la primitiva estación de 1846 y fue abierta al tráfico el 28 de octubre de 1877. La segunda data de 1884 y, en ese momento, era de las más modernas estaciones ferroviarias de toda Europa. Nyugati tiene su cubierta a doble vertiente mientras que en Keleti la marquesina es en forma de bóveda. Ambas gestionan gran parte del tráfico ferroviario de entrada y salida de Budapest. Ya sabía que la plaza de la estación estaría en obras pues lleva así tres años, para construir un gran intercambiador con el metro.
Y así estaba la plaza en 1905, tal como se ve en esta foto de un libro editado por el Museo Nacional de Hungría. Los árboles han pasado a mejor vida y en breve toda esa zona estará llena de pasadizos subterráneos y cemento.
Interiores .
Las líneas más sobresalientes del interior del edificio y de su zona de vías. Debido al intenso tráfico debió ser ampliado con una zona exterior más moderna que recogiese los trenes autopropulsados.
Pasear por sus andenes y dependencias, aparte de ver la gran diversidad de trenes que entran y salen, permite apreciar detalles constructivos del edificio que no ha sufrido cambios en toda su historia y que precisa de urgente rehabilitación. Evidencia la belleza arquitectónica que la compañía Eiffel imprimió a la construcción del edificio.
Exteriores:
Viaducto de Garabit
El viaducto de Garabit es un puente ferroviario francés construido en su totalidad en hierro forjado por la compañía de Alexandre Gustave Eiffel.
El Viaducto de Garabit consta en sus entradas de unos arcos realizados en sillería, para encontrarse luego con la superestructura de celosía metálica, hierro dulce (cercha), la cual está dividida en siete vanos que se coronan en un arco central de 165 m de luz. El punto más elevado está a 120 m sobre el nivel del Río Truyère.La suma de todos los vanos y el arco dan una longitud total de 565 m para este viaducto, con un peso aproximado a las 3.300 toneladas.|
El 14 de junio de 1879, el Gobierno francés dio la orden de proceder a la construcción del viaducto, siendo la empresa Eiffel et Cie de Alexandre Gustave Eiffel la responsable de la realización de esta obra, la cual pasaría a formar parte de la línea del ferrocarril Marvejols-Neussargues y el ingeniero León Boyer.Eiffel empleó su experiencia en la construcción del puente sobre el Río Duero en Oporto, bastante parecido a este viaducto.El 26 de abril de 1884 se cerró el arco central de 165 m de luz sobre el río Trouyère en el Valle de Garabit y en el año 1889 quedó abierto al tránsito. Con sus 120 m de altura se convirtió en su época en el puente más alto del mundo.
Iglesia san marcos de Arica en chile
La Iglesia San Marcos, actual catedral de Arica fue mandada a construir por el presidente peruano don José Balta en 1871 a los talleres de Gustave Eifell en Francia, terminando su construcción en 1875. De estilo gótico basilical, fue declarada monumento nacional en 1984. Su nombre se debe al Santo Patrono de la ciudad, en honor al día de la fundación de Arica. Originalmente la iglesia estaba destinada al balneario peruano de Ancón, pero el terremoto de 1868 destruyó completamente la antigua Iglesia Matriz de Arica y se resolvió su armado en la ciudad de Arica, en reemplazo de la catedral destruida. Otra obra importante de Arica salida de los talleres Eifell es el Edificio de la Aduana (actual Casa de la Cultura) que resistió perfectamente dos grandes terremotos e incluso sus ladrillos tienen la marca de los talleres Eifell. Ambos edificios se caracterizan por su hermoso diseño y la excelente calidad de los materiales empleados.
La estructura y decoración interior y exterior de esta iglesia de tres naves está formada enteramente por elementos metálicos, compuestos de pilares, vigas, escuadras, tirantes, perfiles y planchas laminadas de fierro; sólo las puertas son de madera.Ubicada frente a la plaza principal de la ciudad, y en un lugar alto y destacado, la catedral domina las calles adyacentes, el puerto, el morro y el mar. En este sector se desarrollan los principales eventos masivos públicos históricos-culturales de esta capital de la Región de Arica y Parinacota, que en el extremo norte de Chile limita con Perú y Bolivia.
Opera de parís
Casino de Montecarlo
La galería de las maquinas
Las construcciones no se conciben en absoluto en función de los nuevos materiales que se emplean, sino que son los segundos los que se adap tan a las exigencias. Por otra parte, no se había llegado aún a la fase de la verdadera producción industrial a gran escala. Los nuevos productos se adoptan bajo el concepto de la sustitu ción. Se considera solamente las posibilidades de acrecentar la resistencia de cada uno de los materiales. El primer impulso a la industrialización lo ofrece Inglaterra debido a la necesidad de reemplazar dos materias primas que estaban desaparecien do: la madera y la lana.
Es fácil comprender que las aplicaciones mecánicas de la técnica crean menores dificultades de empleo, en sentido social., que el nuevo poder de actuar sobre el mundo externo. Las reticencias de la sociedad frente a las consecuencias revolucionarias aportadas por los nuevos materiales, constitu yen un mecanismo de frenado que se ha disparado cada vez que han aparecido nuevas capacidades de transformar el mundo. La aparición de nuevos materiales rompe de hecho el ritmo tradicional de la producción individual, modificando al mismo tiempo las condiciones existenciales de los individuos y las colectividades. Estos momentos de éxtasis representan siempre un factor social y no intelectual.
Reconstrucción del palacio de loverninten
Pabellón real Brighton
El príncipe Jorge escogió para la ampliación del palacio al arquitecto John Nash, cuya propuesta seguía el estilo oriental en el que se habían construido las caballerizas. Nash estaba inspirado también en el paisajista Humphrey Repton, que había publicado diseños para un nuevo palacio basados en las formas arquitectónicas indias. Las obras comenzaron haciendo alteraciones de la fachada central occidental, seguidas de la construcción de la Gran Cocina y los dos nuevos salones: el Salón de Música y el Salón de Banquetes.Los trabajos en todo el edificio, estructura y decoración interior terminaron en 1823. La compleja composición de las cúpulas, torres y minaretes crea un exterior romántico. A cada lado del enorme domo central hay dos torres que dan servicio a las habitaciones interiores sobre el Salón, una mediante una escalera y la otra con una grúa. Para conseguir un efecto pintoresco, las paredes interiores fueron pintadas de forma que parezca un edificio hecho de piedra de Bath.
*En el centro, el Gran Salón, y a los lados, el Salón de Banquetes y el Salón de Música.*El interior de esta sala está iluminado por nueve candelabros con forma de loto. *Los muros están decorados con telas rojas y doradas en estilo chinoiserie, sujetas por dragones pintados. *Las ventanas tienen cortinas de seda azul satinada soportados por dragones voladores tallados.*El techo, en forma de cúpula semiesférica, está forrado de escamas de yeso que disminuyen su tamaño hacia arriba, para dar impresión de mayor altura.
INTERIORES
La lujosa sala de banquetes del Royal Pavilion, de la obra de John Nash Views of the Royal Pavilion (1826).
La Gran Cocina incorporaba las últimas novedades en tecnología.
El Gran Saloon, dibujado por Nash en Views of the Royal Pavilion.
FACHADAS
Palacio de bellas artes
La historia de la construcción del nuevo Teatro Nacional, llamado después Palacio de Bellas Artes, es compleja y tiene una dinámica singular; dos épocas importantes de la historia de nuestro país la definen: el régimen de Porfirio Díaz y la Revolución Mexicana.La construcción del Palacio de Bellas Artes inició en 1904 como una propuesta del arquitecto italiano Adamo Boari para crear un nuevo teatro nacional que formaría parte de los festejos por el centenario de la Independencia de México, promovido por el entonces presidente Don Porfirio Díaz que legó a la ciudad algunos de sus más notables monumentos como el Ángel de la Independencia o el Hemiciclo a Juárez. El Palacio de Bellas Artes Principalmente fue construido con mármoles Blancos en el Exterior, Mármoles de Colores en el Interior.
La Altura del Palacio de Bellas Artes es de 52 Metros hasta el espiral. El Arte dentro del Palacio de Bellas Artes cuenta con obras Maestras de Los Muralistas David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco así como 4 Pisos dedicado a Las Bellas Artes. Cuenta con un Piso adicional para estacionamiento. El Palacio de Bellas Artes de México cuenta con varias salas de exposiciones permanentes y temporales.
El Nuevo Teatro nacional, hoy Palacio de Bellas Artes, sería erigido a un costado del parque de la Alameda, en el lugar que era ocupado por el antiguo Teatro de Santa Ana, el cual fue demolido tan solo algunos meses después de que fuera encomendado el proyecto, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.
En 1901 le fue encargado el proyecto al arquitecto italiano Adamo Boari (1863-1928) con el fin de construir un Teatro nacional que superara en todos los sentidos a los mejores teatros europeos.
El Palacio de Bellas Artes a mediados del siglo XX. Vista general
Palcos de la Sala de Espectáculos del Palacio de Bellas Artes a mediados del siglo XX.
Ubicación del nuevo Teatro Nacional. Perspectiva de Adamo Boari. 1903.
Teatro Nacional. Fachada principal, 8 de abril de 1903
Teatro Nacional. Fachada lateral. Proyecto
Primera Etapa (1904-1913)
I. Dobles entradas laterales para el servicio de los carruajes.
II. Un gran jardín cubierto en vez de “foyer”.
III. Una cúpula colocada sobre el jardín y no sobre la sala de espectáculos.
IV. La sala de espectáculos en forma de embudo, con el pavimento en una superficie cóncava y las galerías voladas.
V. El nivel de la orquesta móvil, dividido en tres secciones que pueden levantarse hasta el nivel del foro.
VI. La bocaescena sin cortinajes y sin arlequín, con iluminación periferica y con una caja acústica en la bóveda.
VII. El telón en forma de cortina con cristales opalescentes.
VIII. Movimiento hidráulico y eléctrico para la maquinaria escénica.
IX. Un gran ascensor para llevar los carruajes y coches desde el nivel de la calle hasta el escenario.
X. Luz solar directa en todo el teatro. Iluminación eléctrica completamente oculta, muros y plafones luminosos.
XI. Cabinas para dos proyectores: una frente a la sala de espectáculos y la otra en el fondo del escenario.
En esta etapa se construyeron la cimentación (1905) donde se utilizó el sistema constructivo de emparrillado de viguetas, con relleno de concreto, debido a la naturaleza del suelo (baja resistencia) en esa zona de la Ciudad de México; la estructura metálica (1906), Fachadas, Ornamentación, Altorrelieves, Herrería, cortina y maquinaria del escenario (1907-1910).
Segunda Etapa (1932-1934)
En esta etapa se terminaron las obras exteriores, los interiores como el vestíbulo, el hall, la sala de espectáculos, las salas del Museo de Artes Plásticas, los talleres (restauración, fotografía, vaciado y encuadernación), Museo del libro y biblioteca, Museo de Artes Populares, Restaurante y los murales del tercer piso.
Finalmente fue inaugurado el 29 de septiembre de 1934 por el entonces presidente de México Abelardo Rodríguez. Hoy a sus casi 76 años sigue siendo un edificio emblema de la Ciudad de México, y abrió las puertas al desarrollo cultural y artístico del país.
Escenario del teatro Escultura Fachada principal
Plafón de cristal en la sala de espectáculos
Luneto de la fachada principal.
Palcos de la Sala de Espectáculos del Palacio de Bellas Artes en 2011
Interior de la Sala de Espectáculos del Palacio de Bellas Artes en 2011
Palacio de correos
Casa Borges Silvio contry
Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas
El Palacio de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas es un edificio monumental de estilo ecléctico levantado a comienzos del siglo XX en los terrenos que ocupara el Antiguo Hospital de San Andrés de la Ciudad de México.UBICACIÓN: Se encuentra localizado en la Calle de Tacuba, en el actual Centro Histórico de la Ciudad de México. Ubicado en el espacio conformado por la Plaza Manuel Tolsá, delimita el espacio define el carácter monumental de ésta. La construcción fue ordenada por el entonces presidente, Porfirio Díaz, para mostrar durante su mandato el progreso y avance generado en el país.Anterior al edificio, en el mismo solar que hoy ocupa se encontraba el Hospital de San Andrés, levantado desde los tiempos de la colonia por la orden franciscana.
La realización de los detalles decorativos del edificio como la herrería y los ornamenos de la piedra, los muebles, pinturas, cristales, puertas y estucos fueron realizados y dirigidos por el artista Mariano Coppedé y su familia, quienes realizaron también la hermosa pintura al temple del plafón de la escalera principal. El exterior esta completamente realizado en cantera gris.El estilo general del inmueble es de estilo ecléctico, muy en uso durante comienzos del siglo XX. Este estilo combina de forma armónica muchos elementos arquitectónicos y decorativos de diversas épocas, aunque predominan varias reminiscencias de corte neoclásico y renacentista en el edificio. Destacan de entre todo el conjunto el salón de recepciones y el patio central.Este monumento fue destinado en 1973 a alojar al Archivo General de la Nación, hasta que en el año de 1982 fue designado como sede del Museo Nacional de Arte, quien en el año de 1997 realizó una restauración al inmueble.
Interiores
Mercado de Guanajuato
Principal mercado de la ciudad. Fue proyectado, se dice que inicialmente como estación del ferrocarril, por los arquitectos Ernesto Brunel y Antonio Rivas Mercado en el predio que ocupó la antigua plaza de toros de Gavira. La construcción se prolongó de 1905 al 16 de septiembre de 1910. Lo inauguró el Presidente Porfirio Díaz como parte de las fiestas del centenario de la independencia.
El edificio mide 70 metros de longitud por 35 de fondo y cuenta con tres accesos. La mayor parte del inmueble es de hierro y su planta tiene forma de letra T. Sobre la enorme bóveda está la torre de un reloj de cuatro carátulas fabricado por José López, y en su cúpula una veleta con un pararrayos. Dispone de treinta y cuatro amplias ventanas.
La puerta izquierda de este Mercado conduce al mercado de Gavira, en el cual se expende comida mexicana. La puerta contraria lleva a la plaza de Gavira, que funciona como mercado abierto. Destacan su portada principal, que es un gran arco de medio punto resuelto en cantería con bellas decoraciones labradas, y la esbelta torre de hierro con un reloj de cuatro carátulas que corona el recinto. Actualmente se compone de dos plantas: en la primera encontramos frutas, verduras, carnes, semillas y diversos alimentos preparados. En la planta alta hay todo tipo de artesanías, ropa y artículos de piel; éste es el lugar ideal para adquirir el infaltable recuerdo de tu visita a Guanajuato.
Palacio de gobierno de Guanajuato
Mercado 7 de Agosto en Campeche
