eBook Desenho Roupas

Como desenhar roupasO guia do desenhoestilizado

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Para você não perder o seu tempo, vamos dar um resumo do que o guia traz. Por exemplo, não tem como falar de desenho estilizado sem antes falar de criatividade. E nem falar de criatividade sem falar de inspiração. A ideia é reunir o máximo de informação, deixar tudo bem redondinho, suave de ler, pra que o guia sirva de verdade. Abordaremos o universo das ilustrações de moda – historicamente, inclusive –, técnicas para fazer desenho estilizado, os tipos de pintura mais conhecidos, dicas para desenhar a cabeça humana, a construção da figura de moda e muito mais. É isso que você busca? Então vem com a gente! Se não for isso, guarde este material com você, ele poderá te ajudar em outro momento. Afinal, é um assunto nunca sai de moda.

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“Criatividade é a inteligência se divertindo”. Você já deve ter lido isso em algum lugar. Ou então:

“criatividade é tornar algo complicado em algo simples”. Citações a parte, quem trabalha com criação, ou já se aventurou nessa praia, sabe que criar é um processo de estímulo. Pesquisa, referência, estudo. Um profissional criativo vive investigando e aprendendo.

E muitas vezes, dentro de um olhar vago: plim! Bate um lampejo e surgem ideias. A criatividade é capaz de criar conexões incomuns e associações inesperadas. Por tanto, é melhor estar preparado – andar munido de lápis e papel, entre outros, é uma boa dica.

“O adulto criativo é a criança que sobreviveu”. Esta é outra daquelas citações que vemos por aí. E isso é comprovado, sabia? Além do repertório de informações, a inspiração para estabelecer as conexões criativas vem, muitas vezes, do universo infantil. Crianças, por estarem ainda elaborando os seus mundos, são mestres em fazer essas conexões. Muitos treinamentos de criatividade têm como objetivo resgatar a criança interior por meio do universo lúdico.

Criatividade e inspiração:uma dupla imbatível






A intenção de fazer algo melhor e diferente, faz a gente encontrar uma tempestade de possibilidades. Isso garante que a criatividade seja a base para uma empresa de moda bem sucedida. Um verdadeiro dom. Que opõe o sucesso ao fracasso, o ganho ao prejuízo.

Mas quem surgiu primeiro: a criatividade ou a inspiração?

Bom, se a gente analisar pelo nome, criatividade vem de criação, criar, dar vida. Mas a inspiração é uma parceira inseparável, a centelha que ilumina o caminho do criativo. Estilistas e designers necessitam disso. Mesmo as mentes mais brilhantes buscam fontes de inspiração sempre. E aí está o segredo: criatividade somada à inspiração traz resultados incríveis e inéditos. Quem não quer ser incrível e inédito no mundo fashion?






Odesenho de moda, em seu processo de criação e concepção, funciona como parte do projeto de uma roupa,

tornando-se referência para a tomada de decisões. A primeira apresentação é chamada de croqui. Daí se faz o levantamento de materiais, cores e formas a serem desenvolvidos.

Pois bem. Decisão feita, o desenho passa a assumir um papel técnico, que se fará presente em todas as fases do processo de produção para sanar dúvidas e evitar erros na confecção do produto.

Dito isso, o desenho de moda se divide então em três modalidades: o croqui; o desenho técnico; e a ilustração de moda. Que tal conhecer um por um?

O desenho de modamuito além do que se vê






Croqui

Na classe dos desenhos de moda, os croquis estão entre uma coisa e outra, sendo menos precisos que os desenhos técnicos e nem tão trabalhados quanto às ilustrações. Ao desenhar croquis, não há necessidade de se preocupar com a coleção inteira (cores, materiais, caimento etc.). Ele tem como objetivo materializar a ideia, exteriorizar a peça e mostrar como ela vai se comportar sobre o corpo, evidenciando formas, curvas ou até escondendo-as.

Claro que a intenção do croqui é mostrar a roupa, mas outra caraterística que aparece forte nessa técnica é um corpo com silhueta esguia, mais figurativa (às vezes até inacabada). No croqui feminino, pescoços e pernas são mais alongados, já no masculino, é o tórax que aparece mais comprido. Sem falar nos gestos e expressões dramáticas que dão vida e valor à proposta.






Então, no croqui, você deve representar a textura do tecido, o caimento, aplicações e transparências através de técnicas de colorização. Em suma, desenhar o mais próximo do real possível, através de um esboço dinâmico que transmita a ideia, com base em tendências e considerando o gosto do público-alvo.






Desenho Técnico

O desenho técnico é também conhecido como desenho planificado. Utilizado em escala industrial, ele deve ser plano e preciso. Apesar de ser um desenho 2D, representa a forma tridimensional, como se a roupa estivesse estendida e vista de cima. Geralmente, utilizam-se traços lineares e tracejados não coloridos, feitos à mão livre ou através de programas de computador.

Tudo isso exige que o designer conheça bem a estrutura da peça traçada, o entendimento das proporções da roupa e da silhueta, caimento, forma etc. No desenho técnico a aparência não é o mais importante. É preciso passar o recado, tim-tim por tim-tim, para que o produto seja materializado corretamente.






Não é novidade que na indústria da moda, rapidez e alta produtividade são essenciais. É papel do desenho técnico otimizar esse tempo, esclarecendo todos os detalhes do modelo em uma única ficha técnica para confeccionar a peça (a ficha técnica contém informações referentes a forro, acabamentos, ajustes, pences, posições etc). Existem dois jeitos de montar uma ficha: manualmente ou usando um programa de computador, como ilustrado abaixo.

Alguns chamam esse processo de detalhamento de “desenho de especificação”. Outros classificam como

“desenho planificado”. Então não se preocupe quando você ouvir termos diferentes.

Outra coisa importante é usar as fichas para delinear os custos de todos os materiais utilizados para confeccionar a roupa. Leve em consideração que, quando é preciso ser ágil e altamente produtivo, o desenho técnico necessita ser desenvolvido em sistemas computadorizados, como o Audaces Idea que é específico para o design de moda. O Idea oferece velocidade e precisão, aprimorando toda a cadeia produtiva. #FácilFácil de usar e aprender.






Arturo Elena para Chanel

Laura Laine para Dior

Ilustração de Moda

A ilustração de moda é pensada, principalmente, para a publicidade e lançamentos baseando-se em comportamentos e atitudes do público, criando o desejo pela peça e fazendo com que o consumidor reconheça o produto e o compre. A ilustração é também utilizada para dar às magazines uma prévia de coleções que estão por vir, além de ilustrar desfiles e tendências.

É inegável que a moda precisa se apropriar da arte para falar com seu público, seja através de esboços, desenhos e ilustrações. Construir os modelos é como fazer uma escultura. Formas, equilíbrio, harmonia, estabilidade, estrutura. Tudo deve ser considerado. Por isso, é bem comum respeitar o tempo de criação artística e exagerar em detalhes, mantendo a liberdade para usar quaisquer materiais e técnicas.

Mas anote aí: a ilustração precisa ir além do fazer artístico, seus fins são comerciais. É isso que a diferencia do croqui. Nele, o objetivo é detalhar as características para produzir a ideia, já na ilustração o foco difundir o produto, daí a inserção de comportamentos, estilos, culturas e símbolos no desenho.






Construção da figura de modaPara a construção da figura humana, que é a base

da figura de moda, deve-se levar em conta o ritmo para captar o movimento, a linha de equilíbrio e os volumes, não se esquecendo da proporção. No desenho, a cabeça é uma unidade de medida: a figura humana tem o tamanho ou proporção de sete a oito cabeças, já a figura de moda pode ser mais alongada (até 12 cabeças).

A linha de equilíbrio é a linha de segurança para o centro de gravidade. Sai da cova do pescoço e passa entre os dois pés – ou atravessa o pé que estiver suportando o peso do corpo.

Desenho também tem ritmo. Está nas formas, nas cores, na luz e na sombra. O ritmo é o que faz o olho seguir a sugestão de movimento que você quer dar à figura. Para iniciar o desenho é necessário ter em mente estes conceitos (captar e imaginar o gesto). A figura deve ser representada primeiramente pela cabeça, tronco e quadril através de formas básicas e de bases sólidas que sugerem o movimento de acordo com articulações e flexibilidade do corpo humano, lembrando que a espinha dorsal une suas três principais partes. O movimento dos membros pode ser representado por cilindros. Feito o primeiro sketch, inicia-se o estudo da musculatura, rosto e luz e sombra.






“O crânio parece mais uma bola do que qualquer outra coisa”

De acordo com o ilustrador Andrew Loomis, o crânio se parece mais com uma bola do que

qualquer outra coisa. Para desenhá-lo, inicia-se por uma esfera com a marcação da linha central do rosto, onde está o nariz e o centro da boca. A primeira etapa é dividir a cabeça na largura, pois apesar de parecer uma bola, o rosto não é tão redondo, é mais oval. É necessário tirar uma fatia de cada lado da esfera para deixá-lo com o formato correto. Depois, marque os pontos principais na altura, no o meio e outras duas linhas onde o corte lateral foi feito – na parte superior e na inferior da esfera.

A linha central é onde se localiza as sobrancelhas. A linha superior, o início do cabelo. E a linha inferior, o final do nariz. Para completar o restante do rosto é necessário incluir a mesma medida da divisão da altura e acrescentá-la abaixo, onde será o final do queixo. Veja na imagem.

Como se desenha um rosto

Fonte: LOOMIS, Andrew. Drawing the Head and Hands. The Viking Press: New York, pag. 21.






Para acertar a altura da boca, divide-se esta última parte em 3 partes iguais. A primeira linha é o meio da boca. As orelhas estão entre as sobrancelhas e o final do nariz. Os olhos estão logo abaixo das sobrancelhas, e o seu tamanho é a divisão da largura da cabeça em 5 partes iguais.

O tamanho da narina é o espaço da largura entre os olhos. E a boca tem o tamanho do espaço entre as pupilas. Dá só uma olhada.

Para fazer diferentes posições baseia-se sempre na linha central do rosto, marcando-a de acordo com a inclinação que se deseja, lembrando sempre que as linhas da sobrancelha, do nariz e da boca são sempre paralelas. Seguindo-se estas proporções, é necessário um estudo da construção dos elementos da face como olhos, boca, nariz e cabelos. Mãos a obra!








Técnicas de pinturade desenho de modaA representação do desenho de Moda passa por várias etapas.

Observação ou imaginação | Esboços | Construção | Finalização

A pintura faz parte da última etapa do desenho e deve ser feita somente quando o esboço e a construção da figura estiverem bem resolvidos. No desenho de moda existem diversas técnicas de pintura, as mais difundidas e utilizadas são:

Aquarela | Canetas Marquer | Lápis de Cor | Giz Pastel Seco | Pintura Digital

Apesar disso, podem ser utilizados os mais diferentes materiais para finalizar o desenho, como tinta acrílica, canetas gel, canetas douradas ou prateadas, glitter, esmalte ou mesmo maquiagem.

Em geral, muitos dos materiais citados não são usados sozinhos e podem ser misturados de acordo com o aspecto que se deseja. Outro ponto importante nesta etapa é a escolha da base. Existem diversos tipos de papeis no mercado e, cada qual, possui uma gramatura específica, assim como um beneficiamento próprio – rugosidade, grau de absorção, textura – e isso influencia e altera o resultado final.






Alguns dos aspectos mais importantes ao finalizar a figura são

Direção da Luz: deve-se escolher a direção que a luz incide sobre a figura, desta forma é possível trabalhar com bastante contraste de luz e sombra.

Tom: é a gradação de valores entre o branco e preto. O valor mais claro ou mais escuro em relação a outros valores.

A escolha dos tons é muito importante e deve ser feita de acordo com a teoria das cores para obter os efeitos desejados.

Sombra: adicionar cores mais escuras, em relação umas as outras, indica sombra e faz sua figura e roupa tornarem-se mais tridimensionais.

Luz: áreas claras ou brancas mimetizam a incidência de luzes na figura e acentuam tecidos e detalhes.

Camadas de pintura: diferentes camadas de pinturas na mesma figura fazem uma figura mais complexa e com mais efeito tridimensional.

Texturas: a representação da textura de diferentes tecidos ou malhas deve ser trabalhada em detalhes.






Veja exemplos de pinturas com Caneta Marquer e Aquarela

As canetas marquers são bastante recomendadas na pintura de croquis de moda, pois são versáteis, rápidas e fáceis de carregar. Possuem muitas cores e opções bem vivas. O efeito pode ser parecido com a pintura à tinta – como aquarela –, mas o processo é mais rápido e mais limpo. Com uma boa quantidade de cores é possível trabalhar com transparências e diversas texturas. O cuidado que se deve ter é que não é possível apagar ou corrigir a pintura. Sempre teste a cor em um papel de rascunho. É possível misturar cores e dar efeito gradiente usando um refil plástico, enquanto o contorno pode ficar por conta do lápis de cor ou caneta.

Croqui com contorno e sombra na pele em grafite e aplicado caneta marquer

cinzana sobra. Inspiração coleção Prada Outono Inverno 2015. Croqui finalizado com caneta marquer e

alguns detalhes de lápis de cor e caneta gel branca.






A tinta aquarela é uma tinta chamada de transparente, pois este é seu o principal efeito, assim como a possibilidade de mistura de cores. Deve-se trabalhar sempre com água e as cores também devem ser testadas em papel rascunho. Para um bom resultado, são necessários bons materiais, como pinceis específicos e papeis absorventes com gramatura acima de 200 gr, para que não enrugue ou descasque. Na aquarela são possíveis leves correções, pois quando a tinta ainda esta molhada, pode-se passar o pincel limpo seco, ou com água, e apagar parcialmente ou totalmente o que havia sido pintado.

Croqui com contorno em caneta nanquim. Inspiração Balmain

outono inverno 2015

Croqui com pintura em aquarela. Detalhes com

caneta gel branca e dourada.






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ReferênciasHAGEN, Kathryn. Fashion Illustration for Designers. Pearson Education: New Jersey, 2004.

LOOMIS, Andrew. Creative Illustration. Titan Books: London, 1947.

DUARTE, Carla Stephania de Góis. A Ilustração de moda e o Desenho de moda. Modapalavra E-periódico: Penha, 2010.

Imagens: Gabriela Kuhnen.




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