Sandro Botticelli (1445-1510)

Nació en Florencia, Italia. Pintor líder del renacimiento florentino que desarrolló un estilo personal caracterizado por línea marcada y elegante. Botticelli pasó su vida pintando retratos y cuadros por encargo de las familias prominentes de Florencia. También realizó obras religiosas, de las cuales destacan sus mandorlas y pinturas al fresco realizadas en la Capilla Sixtina del Vaticano. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante.

Sus obras:

Nacimiento de Venus (172,5x278,5 cm.), aparecen en la obra el viento primaveral Céfiro, la ninfa Cloris y la unión de ambos en Flora. Venus nació de los testículos de Urano al contacto con el mar, cuando fue castrado por Cronos.

La Primavera, representa la doble naturaleza del amor: la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño.

Palas domando al Centauro (207x148 cm.) Palas representa la Sabiduría al haber nacido de la cabeza de Júpiter. La obra se convierte en una alegoría del conocimiento político de Lorenzo << el Magnífico>>.

Nació en Anchiano, Toscana, Italia. Arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del Verrocchio, maestro del cual recibió la influencia más importante. Allí trabajó junto a Botticelli, el Perugino y otros famosos.En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo hiciera antes.En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de 24 años de edad: Lisa di NoldoGherardini. Esta obra hoy la conocemos como "La Gioconda" o "Mona Lisa" y es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

Sus obras:

La Virgen de las Rocas (198x123 cm.), en esta pintura predomina la composición piramidal y su célebre sfumato.

La Sagrada Cena (460x880 cm.), el recurso utilizado hace converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a la espalda de Cristo, que dan profundidad y luz natural a la estancia. Los apóstoles están agrupados en tríos.

Santa Ana, la Virgen y el Niño

(168x130 cm.), utiliza la técnica del sfumato. Colores cálidos en los ropajes y el paisaje en colores fríos.

Monna Lisa << La Gioconda>> (77x53 cm.), usa el sfumato y la veladura, que es una especie de velo transparente. Vestida de cortesana, pelo al aire y frente despejada.

Nació en Urbino, junto a la frontera sur de la república de San Marino, en territorio italiano. Uno de los tres grandes maestros de la pintura del alto renacimiento, famoso por sus mandorlas y obras religiosas en el Vaticano. Su primer paso fue el contacto con los trabajos de Signorelli y Uccello entre otros.A los 17 años se transforma en pupilo de El Perugino, del cual hereda la simpleza que evita retratar los detalles en exceso. Rafael, sorprende con la claridad de sus formas, es sencillo y directo.Poco a poco, alejándose de la influencia del maestro, se inclina hacia la manera de pintar de sus compañeros Leonardo y Miguel Ángel, con quienes se une en Florencia alrededor en 1504. Los tres son llamados a decorar la capilla Sixtina en Roma, hoy en el Vaticano. Los frescos de Rafael gozan de estilo personal, distante del detallismo florentino desarrollado en ese mismo lugar por Botticelli, Ghirlandaio y della Francesca. Sin embargo, en sus obras de pintor ya maduro, si se trata de influencias, asoma la mano del más talentoso de todos los tiempos: Miguel Ángel.

Sus obras:

La Virgen del jilguero (107x77 cm.), se caracteriza por la composición piramidal y el sfumato leonardesco.

La Escuela de Atenas, ilustra el Templo de la Ciencia, donde Platón indica el cielo, mientras Aristóteles señala la tierra. Colores fríos para la lejanía y colores cálidos para la cercanía.

El Triunfo de Galatea (295x225 cm.), En el centro de la composición, Galatea, de pie sobre una gran concha sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de delfines que arrastran el original vehículo sobre la rizada superficie del mar.

La pesca milagrosa (360x400 cm.), son un grupo de siete grandes modelos para tapices, para la Capilla Sixtina del Vaticano.

Nació en Caprese, Florencia, Italia. Insigne pintor, escultor, arquitecto y poeta del renacimiento italiano. Maestro destacado por su colaboración en el desarrollo del arte occidental. Sin duda es este el artista al cual todos sus contemporáneos y siguientes quieren emular.

Sus primeros pasos serios en la pintura, fueron en el estudio de Ghirlandaio, otro de los maestros superdotados italianos, quien quedaba estupefacto al ver las creaciones de Miguel Ángel, las cuales no imitaban las suyas como otros discípulos de su academia.

A los 22 años Miguel Ángel esculpe para el Vaticano: La Pieta (La Piedad, mármol de 174 centímetros de alto y ancho de 195), en la Basílica de San Pedro, obra incomparable en la historia del arte europeo. A esto se suman los frescos que pinta en la Capilla Sixtina, admirados desde su creación.Los maestros insuperables de esa época y que establecen las reglas del arte pictórico son: El Giotto y Leonardo. Nadie esperaba la aparición de algo superior. Sin embargo las obras de Miguel Ángel van más allá de toda expectativa.

Sus obras:

Tondo Doni (120 cm. de diámetro), pintura con forma circular.

La batalla de Cáscina (77x133 cm.) episodio en el que los florentinos habían vencido a los pisanos.

Juicio Final (1370x1220 cm.), en el centro un Cristo joven en actitud de justo juez divide la composición en dos mitades. A la derecha, los elegidos suben al cielo sostenidos por los ángeles y a la izquierda se precipitan en el infierno, donde los aguarda Caronte con su barca.

Fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Su fama se debe a la arrogancia con que defendió sus pinturas en ambientes hostiles a la independencia liberal del arte y al inconfundible sello de su estilo, en el que el manierismo del alargamiento alcanza la plenitud.

Se especializa en iconos religiosos sobre fondos dorados. La máxima aspiración de su estilo será el color veneciano y le diseño romano.

En torno a 1576, debió de trasladarse a España con la intención de servir a Felipe II en la decoración del monasterio de El Escorial.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.

Sus obras:

El expolio de Cristo (285x173 cm.), la narración incluye a las tres Marías en el drama y Cristo esta esposado con una soga. El color de la túnica de Cristo es rojo para que resalte mas.

Martirio de San Mauricio y la legión tebana (448x431 cm.), el autor se había equivocado ya que concentra toda su atención en el instante previo al martirio.

El entierro del Señor Orgaz (460x360 cm.), cuando muere don Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, bajan del cielo San Agustín y San Esteban para sepultar su cadáver en la parroquia de San Tomé.

Nació en Caravaggio, Lombardía, Italia. Naturalista de estilo Barroco, introdujo en sus obras la pintura claroscuro, que establece mayor dramatismo en la escenas. Este estilo se popularizó por toda Europa y son muchos los artistas posteriores a él que lo imitan, (caravallistas). Agregó nueva vida al antiguo manierismo romano, y para ello acentuó la simplicidad y el realismo, cosas que observamos en sus obras religiosas. Sus cuadros denotan la influencia del maestro Miguel Ángel. El Caravaggio es el creador del naturalismo y del tenebrismo pictórico.

La breve carrera del Caravaggio ha sido fragmentada en tres etapas. La fase inicial corresponde a sus primero años romanos y se caracteriza por cuadros pequeños, de medias figuras y en los que da vida al mundo callejero de la picaresca.

El estilo maduro, funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco.

La etapa final, coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos mientras huía de la justicia.

Sus obras:Baco (95x85 cm.), figuras sólidas, recortadas sobre fondo neutro y de rico colorido, que proclaman la conquista de la realidad en su vertiente cotidiana.

La vocación de San Mateo (338x348 cm.), Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación de impuestos y un plano de luz oblicua que corta la oscuridad, simulando la voz de Jesús convocado al apóstol.

La muerte de la Virgen (369x245 cm.), los que están alrededor de la Virgen son los apóstoles. El fondo no se ve pero la figura resalta por un foco de luz.

La Virgen de Loreto (260x150 cm.), hay dos peregrinos, un hombre con los pies sucios y una mujer con un gorro desgarrada y sucia a los pies de la Virgen.

Nació en Siegen, hoy Alemania. Diplomático, pintor de retratos y obras religiosas en estilo barroco italiano. Primeramente estudió en la región de Flandes (Bélgica) y más tarde se trasladó a Italia, donde pasó alrededor de 8 años pintando para iglesias, nobles genoveses y familias acaudaladas. También estuvo en Inglaterra donde fue representante diplomático y ejecutó obras a pedido del rey Carlos I. Finalmente en España pintó algunas de sus obras más refinadas. Rubens es sin duda el artista gráfico más importante de Europa durante el siglo XVII. En sus comienzos emulaba a Tintoretto y a Veronese. Los trabajos, a fines de su carrera, comprueban el control magistral que tenía del pincel para reproducir el brillo en sus óleos, estilo que adoptó de su mayor referente Tiziano Vecellio.Entre los alumnos más destacados que tuvo Rubens está el artista flamenco Anthony van Dyck.

Sus obras:Autorretrato con su esposa Isabel Brant(179x136 cm.), representa al artista en el momento de contraer matrimonio con Isabel Brant.

El triunfo de la Eucaristía (86x91 cm.), ilustra la vida de la reina que fragmenta en cuatro períodos.

Las tres Gracias (221x181 cm.), recoge un estudio del cuerpo femenino, pinta a sus dos mujeres y a otra mujer de espalda, formando las tres figuras un círculo. La escena está decorada con una guirnalda de flores.

Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado. En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y a Tiziano por la forma libre de utilizar el pincel.Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una textura inédita hasta ese momento. En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia, aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro para terminar con máximo fulgor en la imagen.En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos de colorido y a la vez logró un equilibrio exuberante entre esos extremos.Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo sitúan entre los capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Ángel.

Sus obras:

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (169x216 cm.), antepone la acción a la importancia de los personajes. Ninguno fija la mirada en el cadáver.

Ronda de noche (259x438), por la aparente atmósfera nocturna que invade el cuadro, fruto de la suciedad acumulada.

Aristóteles contemplando el busto de Homero (143x136 cm.), utiliza el claroscuro, pero la pincelada se hace mas suelta y el color es vibrante. El cuadro es melancólico de sentida admiración por la época griega.

Conocido en Italia con el apodo del <<Spagnoletto>>, debido a su pequeña estatura, es un figura estelar de la pintura barroca europea.

Ribera decidió marchar a Italia y seguir las huellas de Caravaggio. Inició con unos 17 años su viaje, primero al norte, a Cremona, Milán y a Parma, para ir luego a Roma, donde el artista conoció tanto la pintura clasicista de Reni y Ludovico Carracci como el áspero tenebrismo que desarrollaban los caravagistas holandeses residentes en la ciudad.

Ribera decidió instalarse en Nápoles, acaso al intuir que allí captaría una mayor clientela. En el verano de 1616 desembarcó Ribera en la famosa metrópoli a la sombra del Vesubio.

El uso del dramatismo de Caravaggio fue su punto fuerte. Inició una intensa producción que lo mantuvo alejado de su España, a donde nunca regresó, pero se sintió unido a su país gracias a que Nápoles era un virreinato español y punto de encuentro entre dos culturas figurativas, la ibérica y la italiana.

Sus obras:La mujer barbuda (196x127 cm), se trata del retrato de Magdalena Ventura, a quien de improviso le creció la barba; está acompañada de un hijo, al que amamanta, y de su esposo.

Inmaculada (502x329 cm.), vestida de blanco y azul. Baja del cielo, rodeada de ángeles con la luna a los pies.

Apolo desollando a Marsias (182x232 cm.), la mitología relata que Marsias había desafiado a Apolo a participar en un certamen musical. El vencedor sacaría la piel a tiras a quien perdiera en la competición.

Es el prototipo de pintor español que transmite a sus lienzos el mismo amor por los objetos cercanos e idéntica confianza en los seres celestiales, que los imagineros plasmaban en relieves y pasos procesionales. Por técnica y espíritu fue un <<escultor de la pintura>>.

Se forma en Sevilla, desde 1626 a 1658, para la clientela hispalense y el mercado americano. Luego, se refugia en Madrid hasta su muerto. Con anterioridad, Zurbarán ya había estado el la Corte, invitado por Velázquez, para participar en la decoración del Salón de Reinos.

Su estilo se movió siempre dentro del naturalismo tenebrista del Caravaggio, con figuras muy plásticas de contorno dibujado y sombras robustas.

Tuvo un gran taller, con numerosos aprendices y oficiales, sirviéndose para componer los cuadros de grabados alemanes, flamencos e italianos.

Zurbarán va a pasar a la historia como el pintor de los frailes y realizó grandes ciclos para las ordenes religiosas.

Sus obras:Apoteosis de Santo Tomás de Aquino, divide el cuadro en dos registros, el primero donde están los frailes y el segundo, Santo Tomás rodeado de los padres de la iglesia.

Santa Casilda, lleva pan para los pobres y cuando la van a descubrir, el pan se convierte en rosas.

Premonición del Niño Jesús en la casa de Nazaret, el Niño Jesús labrando en la carpintería de Nazaret una cruz o confeccionando una corona de espinas que se clava en un dedo, brotándole un hilillo de sangre, previniéndolo sobre los frutos sucesos de la Pasión, mientras la Virgen lo contempla angustiada.

Nació en Sevilla, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Ángel. En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos, cosa que también hizo con otros miembros de la familia real.El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración a veces platinada, otras diamantinas, nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros.

Sus obras:

El aguador de Sevilla, representa el paso de la vida, el anciano que le ofrece al joven la sabiduría. El que esta detrás está bebiéndola, es decir, está en el transcurso del aprendizaje.

La rendición de Breda o Las lanzas, representa un episodio histórico . El gobernador holandés de la plaza de Breda entregaba las llaves de la ciudad al general de los Tercios de Flandes.

La Familia de Felipe IV o Las Meninas, es un retrato múltiple. Los reyes Felipe IV y doña Mariana de Austria, posan como modelos para el lienzo, reflejándose en el espejo.

Las Hilanderas o La fábula de Aracne, al fondo unas damas contemplan el tapiz donde se cuenta la fabula de Aracne, ésta desafía a la diosa Atenea de ser la mejor tejedora de tapices, la diosa la convierte en araña por desafiarla.

Nació en Sevilla, España. Pintor Barroco, post renacentista de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador de su contemporáneo Diego Velázquez. Recibió influencias de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como también de pintores flamencos y venecianos. A la hora de retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció marcadamente el estilo. Entre otros, se puede mencionar a Constable y a Reynolds. Aunque los trabajos de Murillo, fueron los primeros de un pintor español, que lograron fama en toda Europa, el paso del tiempo dio a Velázquez una popularidad superior.

Sus obras:

Muchachos comiendo empanada, escena callejera y carente de amargura.

La Sagrada Familia del pajarito, representa a la Virgen con San José jugando con el Niño Jesús.

Inmaculada, los colores del ropaje son el azul y el blanco, lleva una luna a sus pies. Utiliza a sus hijas como modelo.

Es un pintor genial y difícil de encasillar. Cultivó el Neoclasicismo y el Romanticismo, a lo largo de su producción anticipa los cambios radicales que va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea: la ligereza de su pincelada, sus fantasías oníricas y abre paso a la temática expresionista. Dominó todas las técnicas: la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado; y abundó en todos los genero: el retrato, el bodegón, el cuadro religioso e histórico y la escena costumbrista.

Se presentó en busca de la ansiada beca de Roma, pero el jurado rechaza sus cuadros. Ante la adversidad, decide pagarse el viaje a Italia.

Goya es contratado por la Real Fabrica de Santa Bárbara para diseñar los cartones que sus artesanos convertirán en tapices. Con ellos se decoraran los comedores y dormitorios de las <<casitas>> que los Príncipes de Asturias poseen en El Escorial y en El Pardo. Goya da un recital de tipos costumbristas: toreros, tonadilleras, actrices y gente el pueblo de Madrid.

Sus obras:

La familia de Carlos IV, retratando con maestría a condes, marqueses y duques, consigue ser nombrado primer pintor de cámara de Carlos IV, de quien realizará esta obra.

Maja desnuda, primero la pintó vestida y luego se la imaginó desnuda. Utiliza una pincelada muy suelta.

Los fusilamientos de la Moncloa o Sucesos del 3 de mayo de 1808, ilustra la represión francesa a los patriotas, el horrible sacrificio de victimas inocentes ante el pelotón de ejecución

El aquelarre, los rostros expresan dolor y sufrimiento. Utiliza colores oscuros.

Nació en Charenton Saint-Maurice, Francia. Pintor y dibujante del romanticismo europeo, movimiento intelectual de mediados del siglo 18 y el 19, que integra en la pintura motivos literarios, nacionalistas e históricos. Considerado el último pintor renacentista. En sus comienzos Delacroix reproduce cuadros de famosos como Rubens, el Veronés y especialmente de Miguel Ángel. Allí hace revivir en sus obras, el estilo barroco lleno de colorido, que ya no era utilizado por los artistas neoclásicos del momento.Luego Delacroix evoluciona a un estilo que sienta las bases del movimiento impresionista, su influencia está presente en maestros como Cézanne y Matisse.

Sus obras:La matanza de Quíos, rinde un homenaje a los colonos griegos de esta isla que trataron de independizarse de los turcos.

La Libertad guiando al pueblo, exalta la revolución parisina que facilitó la llegada al poder de la burguesía liberal.

Nació en París, Francia. Pintor, gran maestro del arte impresionista y sin duda uno de los connotados en la pintura de este estilo. A sus 18 años conoció al pintor Boudin, quien gustaba de trabajar al aire libre, característica que también acompañó a Monet toda la vida. Más adelante conoció a Pissarro, Sisley, Renoir y Bazille con los cuales formó el grupo de disidentes de la época, que impulsaron las artes francesas a una posición de vanguardia imposible de alcanzar con los clásicos previos. En algunos de sus cuadros, Monet rompe la barrera entre realismo y expresionismo puesto que teniendo mucho de lo último no carecen de lo primero. A medida que ganamos distancia de observación, sus pinturas sumergen en un realismo mágico y cristalino, dificil de encontrar en otros pintores del mismo estilo. Ciertamente que el gran Manet era su ídolo. Al final de su carrera Monet incursionó en la pintura abstracta.

Sus obras:Las amapolas, las amapolas flotando sobre la hierba atestiguan el dominio del color primario rojo a través de la vecindad de su complementario verde.

Fachada oeste de la Catedral de Ruán, esta obra fue pintada desde un balcón a distintos momentos del día.

Ninfeas, donde predominan los colores fríos, como el azul y el verde.

Es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él.

Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas.

En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco.

Sus obras:Moulin de la Galette (131x175 cm.), la luz filtra por las hojas de los arboles, el color aplicado con pinceladas vibrantes y la vida cotidiana se funden en esta imagen.

Madame Charpentier y sus hijos, esposa un influyente editor que le catapulto al éxito y le franqueo los cerrados ambientes de la sociedad burguesa.

Los paraguas (180x115 cm.), predominan los colores fríos como el azul. Es un obra que refleja la vida cotidiana burguesa.

Nació en París, Francia. Maestro en la pintura de la figura humana en movimiento. Entre sus trabajos realizó muchas pinturas con escenas de bailarinas. También plasmó su arte en retratos y cuadros históricos de expresión romantica. Fué compañero profesional de Edouard Manet y Giovanni Boldini. Aunque Degas es considerado un artista impresionista, sus trabajos muestran la singularidad necesaria que lo separan de ese estilo. Sin duda emplea el pincel de una forma no igualada por otros.

Sus obras:En las carreras (46x61 cm.) ,usa una pincelada clara y colores puros. Composición basada al aire libre y su concepción de la pintura se basaba en el dibujo.

La tina (70x70 cm.), Degas emplea el pastel y sus composiciones resultan instantáneas fotográficas. Fija su atención en la toilette: mujeres desnudas bañándose, peinándose o arreglándose ante el espejo.

La clase de danza (85x75), El contraste entre el espacio vacío de la parte inferior derecha del lienzo es un recurso muy utilizado por el autor, así como la composición diagonal, que conducen la mirada hacia el fondo.El número de tonos es muy reducido. El color predominante es el blanco de los vestidos, que contrasta con los vivos colores de los lazos.

Nació en Aix-an-Provence, Francia. Pintor post impresionista. Cézanne era camarada de Pissarro y lo ayudó a desarrollar el impresionismo, sin embargo su forma de pintar no funda ninguna escuela o movimiento artístico. El estilo que muestra, no se iguala al de ningún otro maestro de su época. Sus pinceladas de óleo, a veces inesperadas, como fuera de contexto, llevan al observador a un estado de meditación. Esto último da testimonio claro de su maestría singular.Heredero de la pintura barroca, evolucionada al neoclásico, sus trabajos no brillan por la complejidad ni el tamaño. En sus comienzos se observa la influencia del maestro Delacroix.La virtud que sobresale en Cézanne es su desapego por tener sólo una forma de pintar, como lo hacen algunos pintores famosos. Para los estudiantes de bellas artes, dejó un valioso ejemplo, que los aleja de la idea que para establecer un estilo se requiere ser repetitivo y por ende monocorde.Conoció a Pissarro y a los impresionistas clásicos como Bazille, Renoir, Monet y Sisley.

Sus obras:

Los jugadores de cartas (45x57 cm.), utiliza líneas perpendiculares y diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso.

La montaña de Santa Victoria (73x91 cm.), utiliza formas geométricas construidas con grandes pinceladas verdes como el mote bajo, rojas como la tierra provenzal y azules como el brillante cielo del mediodía.

Nació en Groot-Zundert, Holanda. Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de Daumiery Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y Pissarro. Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

Sus obras:Los comedores de patatas (82x114), una pobre estancia, iluminada por una lámpara de petróleo, en donde los campesinos se sientan a la mesa dispuestos a cenar su ración de patatas. Una de las mujeres vierte el contenido de la tetera en unas tazas blancas

La noche estrellada, La parte central del lienzo muestra el pueblo de Saint-Rémybajo un cielo arremolinado. Rompe con el estilo impresionista, desarrollando un estilo muy personal donde prevalece el amarillo, símbolo de la luz y del calor.

Los girasoles, uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.

Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo, (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Si bien Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta esbosos de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó mucho tiempo, para que junto a su amigo Georges Braque, lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.

Sus obras:

Les demoiselles d´Avignon (244x234), dos de los rostros que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, los dos centrales a las caras de los medievales el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.

Guernica (349x777), este cuadro recoge el dolor de la Guerra Civil española. Esta realizado con una técnica llamada collage, es decir, está formado por trozos de periódicos. Usa tonos azules y grises.