OFICINA DE VÍDEO

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Galera, está é a apostila que eu fiz para os alunos da oficina de Video de Maringá. Como os alunos eram de ensino médio a linguagem está bem leve, nada acadêmico.boa leitura.

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1 – RoteiroO tema que abordaremos é o coração e o princípio do trabalho audiovisual.

Trata-se do roteiro. É por meio dele que o diretor usa seu talento, ou suposto

talento, para contar, da melhor maneira, uma história.

Podemos fazer uma analogia e imaginar que o roteiro é como uma piada. Às

vezes, sem graça, mas quando uma pessoa que sabe a linguagem certa conta a

piada, ela fica maravilhosa. E quando uma pessoa que não tem o “tom” faz a

narração o resultado é desastroso.

Podemos então perceber que a piada depende de quem conta, ou seja, como é

usada a linguagem do meio. E o roteiro é a mesma coisa, depende às vezes do

como é feito. Lembramos que o roteiro não é literatura, não tem que emocionar

ao ler, não tem que ser maravilhoso ao ler, mas sim ter indícios de que aquela

obra ao ser narrada no meio audiovisual terá sim um crescimento e irá

emocionar, fazer pensar, rir, chorar; ou seja, provocar alguma emoção no leitor.

Apresentaremos algumas técnicas que utilizamos na produção de roteiros e que

têm sido bem recebidas no mercado. Confesso que nada dá mais medo do que

ver o cursor piscando e não saber o que digitar, o que escrever, ou a folha em

branco precisando ser riscada e a idéia não vem. O roteirista, conhecendo

primeiramente o que deseja transmitir, usa a linguagem audiovisual para

transmitir esta mensagem da melhor maneira. Codificador e decodificador são

elementos importantes para que a comunicação se efetive. Imaginem se eu

estivesse escrevendo em Árabe, vocês conseguiriam ler? Pois eu estaria usando

um código lingüístico que vocês não têm informação e a comunicação entre o

que estaria escrevendo, o conteúdo e o que vocês iriam entender não se

realizaria. Mas, como estou escrevendo em português e vocês possuem a

codificação, entendem o que querem dizer as palavras em tais ordenamentos,

então a comunicação se efetiva e vocês me entendem.

Para que o roteirista possa transmitir a informação que deseja ao receptor, deve

entender qual o código que o receptor entende. Por exemplo, para escrever um

roteiro sobre HIV para adolescentes utilizamos uma estrutura, uma linguagem.

Porém se o roteiro, sobre o mesmo tema, se destina à 3ª idade, a linguagem a

ser utilizada será diferente. Mas, espera um pouco: não é tudo mensagem? Sim,

é. Porém o código que o receptor, no caso adolescente ou 3ª idade irão entender

são completamente diferentes, por isso que na minha analogia coloquei que a

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decodificação passa pela experiência de vida, pela classe social do receptor,

etc...

Quanto mais se conhece o receptor, melhor será o desempenho final. Por isso, a

primeira coisa, antes de fazer um roteiro, é conhecer o universo do seu receptor,

como ele vai decodificar a informação e, então, usar a linguagem audiovisual da

melhor maneira para que ele, o receptor, possa entender a idéia, a mensagem

que vocês estão passando.

CRIANDO HISTORIASPara criar a história primeiramente vocês têm de ter em mente o que

desejam escrever, o que desejam mostrar com aquela história. Esse é o principal

passo. Tendo isto claro na mente fica mais fácil escrever. Tecnicamente em um

roteiro deve existir:

• Apresentação do problema;

• Desenvolvimento/Complicação;

• Solução do problema/Desenlace;

Parece simples, e é simples de verdade.

Primeiro vocês irão apresentar para o seu público. Qual é o problema da

personagem? Lembrem-se: história sem problema não existe. Pensem comigo:

qual o filme, o curta, a novela que vocês viram que o personagem não tinha

problema?

O que leva a segunda parte, como vocês desenvolverão é fazer o público ir

entendendo o que está sendo narrado. E, finalmente, a solução que vocês

roteiristas estão apresentando, o que o seu personagem sofreu, passou e como

ele ficou depois deste “trabalho”.

Meus amigos, na vida de vocês, eu creio que tenham acontecido varias coisas.

Coisas boas e coisas não tão boas que vocês desejam esquecer. Há momentos

na vida que tudo estava tranquilo, porém, de repente, tudo muda. E assim é um

roteiro, o recorte, ou o que vocês irão apresentar é justamente este momento em

que alguma coisa aconteceu ou acontece na vida de uma pessoa, no caso do

personagem.

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Na prática um roteiro é divido em duas partes: o literário e o técnico. E em cada

momento vocês utilizarão um deles. Vamos comentar o roteiro literário, que será

a base para o trabalho de toda a equipe.

Roteiro LiterárioEm um roteiro literário, não devemos nos preocupar com planos ou coisas do

tipo, só com a história, e com o que vocês querem transmitir. Não são colocadas

palavras de sentido duvidoso ou dúbio ou que não se pode ser criado,

representado em forma de imagem. Para não se frustrar com o roteiro, pensem

em coisas simples que vocês possam fazer. Busquem coisas e lugares que são

de fácil acesso. Depois quando estiverem escrevendo outros roteiros vocês

podem ir ampliando e colocando coisas e ações mais difíceis. Não se esqueçam

que roteiro não é literatura, não podemos descrever coisas do tipo “O dia

amanhecia tristemente”. Como o diretor irá gravar esta cena? Pessoas

caminhando, pela manhã, tristes e chorando? A escrita é “realista”, seca, direta.

Amanheceu. Pessoas caminhando na cidade. Pode ser feio em termo de

literatura, mas é o certo em termos de linguagem audiovisual.

Dica:Não se preocupe com o plano só com a história neste momento.

Por onde começar?Tudo começa com uma idéia do que se deseja fazer, em cima dela vamos

apresentar as etapas para a produção e, então, a segunda parte.

Historia em linhas1 História em Linhas, como o próprio nome diz, apresenta é literalmente a história

narrada, contada em poucas linhas. De modo geral em 5 linhas, ou seja, a idéia

central da história, o que vocês desejam contar. Neste momento vocês vão

apresentar o conflito, desenvolver e dar uma solução ao conflito apresentado.

Tudo em poucas linhas.

SinopseA sinopse também é conhecida como argumento. Nela vocês precisam dar mais

detalhes como o espaço da ação, o tempo e os personagens. O leitor da sinopse

1 também conhecido como Story-lineWWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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já tem noção do que irá encontrar no roteiro. Na prática, vocês desenvolvem um

pouco mais a história e começam a colocar mais detalhes de como e onde a

ação acontecerá, os personagens que irão contracenar e como o conflito será

desenvolvido. Neste momento surge o plot (problema) que é a estrutura

dramática do roteiro, ou qual o conflito, o problema principal que será resolvido

pelos personagens. Como este conflito irá mexer com a moral dos personagens?

É neste plot que o público irá analisar a moral das personagens.

Dica:

Quanto menor o número de diálogo melhor. O vídeo é obra audiovisual e

devemos fazer a imagem contar, vivenciar algo e o espectador irá vivenciar por

meio dele, sofrer, amar, sorrir e chorar e se vocês colocam o personagem falando

muito, perderão um dos elementos principais da obra audiovisual, que é a

contemplação da obra, o analisar, pensar, refletir sobre o assunto.

TratamentoNo tratamento iremos colocar o roteiro em estruturas dentro da linguagem

audiovisual propriamente dita, ou seja, é nele que o roteiro ganha as sequências

e as cenas passo a passo.

Outro ponto que não podemos esquecer é o clímax do roteiro. É o momento mais

importante da história. É quando o personagem deve decidir o que fazer em

determinado momento. O clímax que apresenta o desenlace final. É justamente o

encontro do conflito com a solução deste.

Outro ponto é que assim que terminamos de escrever um roteiro a idéia parece

ótima, por isso é necessário dar um tempo e então depois de uma semana reler.

Vocês vão ler várias coisas sem sentido e ter de reescrever, é o chamado

tratamento. Algumas pessoas fazem até três tratamentos antes de apresentar o

roteiro final.

PLOT Principal A única maneira de aprender a escrever um roteiro é escrevendo, reescrevendo e

reescrevendo. O plot principal é a coluna dorsal da história, a história principal, a

story line desenvolvida. O conflito resolvido, o problema apresentado. O plot em

vídeo é bem delineado, pois geralmente o tempo destes vídeos varia entre 10 e

20 minutos. Claro que temos longas sendo realizados em vídeos, porém ainda WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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não é algo comum. Cremos que em breve será uma realidade. O Plot é o que

moverá o espectador a ver a obra, do que ela irá tratar. Romeu e Julieta, por

exemplo, tem no amor proibido dos dois jovens o plot principal. Este plot tem de

ficar claro para o expectador. No plot já temos a idéia do conflito que a história irá

narrar e já imaginar possíveis ações e qual a moral (ethos) da história.

O sub plot é composto por histórias paralelas que ajudam o autor a narrar a

história principal. No caso de Romeu e Julieta os sub plots são os amigos de

Romeu, a ama de Julieta, entre outros. São os sub plots que ajudam o plot

principal a ganhar vida. Muitas das atitudes do personagem principal são

conhecidas por meio do sub plot.

Ao pensar no plot, imaginem se ele cria uma dúvida, se ele cria uma indagação.

Não se esqueçam que o que move uma história é o desejo de vê-la, é saber o

que o personagem fará em determinada situação.

Resumindo...Criar um plot, um porquê, um motivo que fará o personagem avançar na sua

trajetória de vida como ser humano. Depois, a partir do plot e da idéia, criar uma

história em linhas, então colocar as ações. Depois, colocar os diálogos em cada

sequência e pronto: vocês já têm um roteiro para ser filmado. Simples não é?

Bem, se este é o padrão? Não, mas é uma maneira que encontramos de

escrever e de lecionar roteiro e vem funcionando com os diversos grupos em que

faço palestras e cursos.

Experimentem!

Criação da personagemLembramos ou informamos aos roteiristas iniciantes que tentem escrever coisas

diferentes de suas vidas. No início as pessoas têm mania de escrever a sua vida

ou a de amigos, o que nem sempre gera importância para quem irá assistir, pois

problemas todos têm e resolvem de alguma maneira. Por isso é importante este

desligamento do que você é e criar algo realmente diferente do que você vive ou

vivencia. Uma dica é escrever pelo menos um ou dois roteiros antes de escrever

o que irá realmente gravar, pois estes dois já deram a distância que você precisa

entre o que você é como pessoa e o que você deseja escrever como roteirista.

Se vocês escreverem apenas as suas coisas somente vocês e um grupo de WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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amigos irão entender as ações e as piadinhas que estão fechadas em certo

grupo social e bem localizadas. O importante é fazer uma obra aberta, em que as

pessoas que nunca viram vocês possam conhecer e entender, isso é arte e não

apenas um vídeo para os amigos verem, rirem e em seguida esquecerem.

Geralmente, quando estou no processo de criação do personagem, escrevo

como ele é fisicamente e sobre sua vida, pois assim posso criar falas diferentes

para personagens diferentes. Um grande erro é colocar sempre a mesma

maneira de falar em todos os personagens. Temos de ter em mente que cada um

tem um jeito, uma maneira de agir e de falar. A fala é o pensamento em ação e,

se eu tenho uma rápida cognição, rápida maneira de pensar, terei respostas

rápidas, se, por outro lado, eu tenho uma cognição lenta consequentemente terei

dificuldade em entender algumas palavras, não só na velocidade do pensar como

também no significado das palavras usadas. Um personagem mais culto usará

palavras diferenciadas em seu repertorio. Pelo modo como o personagem se

expressa já dará pistas ao espectador de quem é o falante.

Estes pontos são importantes até para que o personagem siga uma linha de

raciocínio e não mude no meio do discurso. Alguns roteiristas se perdem e o

personagem vai mudando sem uma explicação lógica.

A título de exemplo podemos citar o longa “O Rei do Rio”.

Ary – Moreno, formação segundo grau incompleto, idade de 33 anos, idealista,

sofreu na infância, pais severos e temerosos a Deus. Não se apega aos detalhes,

inteligente e meticuloso, usa a lógica para resolver os problemas e sempre

mantém o controle.

Patrícia - Ruiva, 25 anos, culpa o pai pela morte da mãe, porque este tinha uma

amante. O pai é o general de polícia do Rio e se candidatará à prefeitura. Ela

nunca se formou, já fez quatro faculdades e sempre pára no meio; desiludida, se

sente perdida no mundo. Bonita e sensual não sabe o motivo pelo qual desanima

de tudo na vida.

Com essa base eu escrevo os diálogos e as ações e tento manter os

personagens dentro da lógica de cada um. A maneira de agir, a maneira de falar

e de pensar.

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Os Arquétipos Apresentamos um caminho usado por vários autores para criação de roteiros,

usando a ideia de que o herói / personagem principal, sempre realizará um

trabalho, uma ação dramática. Ressaltamos que há várias teorias e métodos para

criação de roteiros, os arquétipos universais é um deles.

Geralmente usado por roteiristas para criar sua história ou a base desta, usando

a idéia do inconsciente coletivo de Jung2 (2002) e de ações que todos temos idéia

de o que é, mas, não sabemos como funciona. Segundo Campbell (2002), a

tarefa do herói consiste em retirar-se da cena mundana dos efeitos secundários e

iniciar uma jornada pelas regiões causais da psique onde residem efetivamente

as dificuldades para torná-las claras. Assim abordaremos a trajetória do herói,

pois este encarna o lado do cidadão perfeito e, pensando no lado histórico

cultural, este herói espelha os ideais da classe média, é íntegro, bom e honesto,

um cidadão quase perfeito.

1. O Mundo Comum: Geralmente o personagem principal irá vivenciar algo fora

de sua vida cotidiana, algo novo, que requer nova cognição, novos esquemas

mentais. Um universo que ele não se adapta. Ou irá concertar o seu universo que

por algum motivo ficou desarrumado.

2. Chamado à Aventura: O chamado acontece quando o personagem principal é

desafiado. Este chamado faz o personagem sair do seu mundo comum, algo

inesperado acontece. Assim é apresentado ao público quem é o protagonista o

antagonista.

3. Recusa do Chamado: Depois de desafiado, sair da tranquilidade de seu

mundo e ser chamado à aventura, o herói geralmente recusa por vários motivos o

chamado. Esta recusa faz algo acontecer que o obriga a aceitar o chamado.

4. Encontro com o Mentor: na psicologia o vínculo pai e filho é que ajuda o

herói a cumprir o chamado. Em alguns momentos o mentor tem a função de

explicar ao público a diferença entre bem e o mal. O mentor não ajuda o herói a

cumprir a tarefa, só mostra o caminho para o herói alcançá-lo sozinho. Em muitos

momentos o mentor morre ou sai da história para que o herói cumpra seu trajeto.

5. A travessia: O herói depois de aceitar o chamado, passará por alguns

2Estamos usando a definição de arquétipos de Jung do livro “Os arquétipos e o inconsciente coletivo”, Segundo o autor os arquétipos são o conteúdo psíquico do inconsciente coletivo. São formas de pensamento

universal com carga afetiva que é herdada.WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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momentos de dificuldade, ponto de virada, Plot Point, em que pensará em

desistir, porém algo acontecerá para o herói voltar ao chamado. Amigos surgirão

para ajudá-lo a cumprir seu chamado. Ás vezes um amor surge e o ajuda a

completar o caminho. O ideal burguês de que o amor pode tudo e contribui para

as mudanças da pessoa.

6. A Provação Suprema: É o desafio máximo no qual o herói e o anti-herói

brigam e o primeiro vence a luta, deixando o anti-herói “quase morto” ou com

medo do novo conflito que pode ser fatal. O herói não se acha mais digno do

chamado e tem medo de continuar.

7. Recompensa: Após a batalha final o herói tem a recompensa que é a volta

para o seu mundo ou viver bem no novo mundo.

Analisaremos um filme para ver como funciona esta idéia dos arquétipos, o

“inédito”, Karatê Kid. Escolhemos por ser um filme que todos já vimos em algum

momento. No filme, o personagem Daniel San vive no seu mundo, não gosta

muito da mudança que a mãe o fez realizar, ele é meio rebelde, mas vive no seu

mundo, então ele é chamado para aventura, no caso desafiado a lutar, porém ele

recusa este chamado. E encontra o mentor, senhor Miyagi, que o ajuda, lhe

ensina as técnicas e a sabedoria para enfrentar o seu destino e aceitar o

chamado. Com a ajuda do mentor ele faz a travessia, vence a luta e recebe a

recompensa. Acha que foi sorte minha? Então analisem outros filmes com a ideia

do arquétipo para vocês perceberem que é tudo igual! Se escolhermos outros

filmes será da mesma forma, pode mudar a estrutura, mas a forma é sempre

essa. Caso vocês estejam curiosos, podem realizar este raciocínio com as

novelas. Será ainda mais fácil. Vejam que filmes como: Mad Max (1979), Rambo,

(1982),Karate Kid (1986), Duro de Matar (1988), Missão Impossível (1996), Matrix

(1999), Minority Report (2002), Homem de Ferro (2008), dentre outros, mantém a

mesma estrutura narrativa.

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Capitulo IIProdução de Vídeo Costumamos falar que a produção é a mente de uma obra audiovisual, enquanto

o diretor viaja e sonha com os planos ideais, a interpretação memorável do ator

ou da atriz preferida, enquanto ele vive no mundo das idéias, o produtor não; tem

de viver no mundo real e analisa as coisas pela ótica do dia a dia e da viabilidade

econômica da cena.

Comentaremos sobre a produção de baixo custo e como diminuir mais ainda os

custos, mas sem perder a qualidade. É a produção que organiza tudo para a

realização do vídeo. Alguns brincam e falam que a produção arma o circo para

poder haver o espetáculo. Os maldosos falam que a produção arma o circo para

o palhaço (diretor) brincar. Que maldade!

Depois do roteiro finalizado, o produtor e o diretor começam a trabalhar. O diretor

será o responsável pela parte artística do filme.

A produção se divide em três fases:

• Pré-produção,

• Produção

• Pós-produção.

Algumas pessoas comentam que “a fase mais importante da produção é a pré-

produção”. Concordamos com esta frase. Se começamos de forma organizada, a

continuidade se tornará mais fácil.

A Fase de Pré-Produção Na fase de pré-produção o roteiro já está definido e o produtor escolherá a

equipe. É nesta fase de definições e planejamento que a produção toma um

rumo: qual o equipamento será utilizado, escolha dos atores, da equipe técnica, o

tipo de cenário, iluminação e sonorização etc.

Dica. Gastem tempo com a pré-produção, pois é quando vocês verão a

viabilidade do vídeo e escolherão as pessoas certas. Em uma equipe, como em

um namoro, tem de ter química, se não... Por isso a escolha das pessoas é

importante. Já realizei vídeos com equipes maravilhosas que sinto saudades e

com outras que eu contava a hora de acabar logo. Pensem com calma em quem

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vocês vão convidar, façam uma entrevista e não confundam amizade com

trabalho para não correr o risco de perder o amigo.

A produção e a direção trabalham ao mesmo tempo, enquanto a produção

organiza a filmagem, o diretor define a equipe que geralmente é o Diretor de

Fotografia e o Diretor de Arte que começam a conceber artisticamente o vídeo.

Claro que a concepção vai ter de estar dentro do orçamento proposto ou sem

orçamento. Na prática, é o diretor e o produtor que financiam o vídeo, pois apoio

é difícil. Há empresas que apóiam com alimentação, logística, empréstimo de

espaço para ensaiar ou para gravação, o que já ajuda muito.

Como será o quarto de Patrícia?Para o público, todos os elementos apresentados são codificados e interpretados

dando vida à personagem e à sua base psicológica e social. O espectador ao

assistir ao vídeo, procurará estas marcas, onde o diretor e a equipe deixaram

dicas para que o público entenda aquela cena ou personagem em questão. Por

isso, é importante analisar a base de cada personagem e ver como o quarto, a

roupa e o modo de falar irão contribuir para esta decodificação que o público faz

sem querer. É o mesmo que fazemos quando conhecemos uma pessoa, olhamos

como ela está vestida e a roupa já mostra qual o grupo social ou qual “tribo” ela

pertence. No exemplo do roteiro dado, “O Rei do Rio” como deve ser o quarto de

Patrícia? Patrícia é uma garota independente, portanto seu quarto tem de ter

esse ar de independência e sua roupa também precisa mostrar isso. Até a luz do

quarto irá reforçar ou não este ar da personagem, por isso é importante a direção

de arte e a direção de fotografia trabalharem em conjunto para criar a concepção

artística.

É importante também a direção contar com pessoas de outras áreas para que

elas possam contribuir com um novo ou diferenciado olhar em uma obra. Elas

indicarão, mas a responsabilidade final é do diretor. É ele quem guia o filme e dá

a cara final. Por isso, ele tem que saber o que deseja mostrar e a equipe tem de

ver a melhor maneira de fazer a ideia do diretor ser mostrada por meio das

diversas áreas técnicas e artísticas.

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Para exemplificar e ficar mais fácil o entendimento, comentarei outro roteiro meu

chamado “MBA para camelô”, que é um curso em que os camelôs aprendem a

vender com táticas psicológicas e altas armações. Os alunos se reciclam para

poderem vender mais balas e coisas do tipo. Bem, um professor fala e 15 alunos

assistem à aula, Porém, apenas seis alunos falam com o professor. Então, o

diretor irá escolher os sete atores, o professor e os seis alunos. Os outros nove

alunos a produção ou o assistente de direção podem escolher, não é o diretor

quem escolhe. Será também a produção que providenciará a sala para ser feita

a gravação, ou uma escola que empreste uma sala para a gravação, o que é

mais fácil. Pela minha experiência, arrumar uma escola dará um ar mais real, de

verossimilhança, o que é importante para o público, pois no teatro o público

compra o sonho e a idéia de que um pente é uma arma, o mundo é do irreal, mas

no vídeo, tem de ter a arma, pois o vídeo trabalha com elementos da realidade.

Só se o diretor quiser brincar realmente. A produção, depois de escolher a

locação e ver os dias de gravação, decidirá se a gravação será feita em um ou

mais dias. Isso será levado em conta pelo diretor em função do número de planos

de cada sequência e a complexidade de cada cena. Há sequências complexas

que duram meio dia e sequências simples que são feitas em um dia. Se forem

duas locações, a produção verá qual o melhor dia para cada uma. Depois deste

mínimo planejamento montaremos a decupagem de produção.

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EquipeOutro ponto importante e que deve ser analisado é a equipe técnica. Na prática

uma equipe mínima em vídeo como já falamos é composta por:

1 - Câmera man

2 – Operador de áudio

3 - Diretor de fotografia

4 – Diretor de arte

5 - Produção

6 – Diretor

Claro que pode ser feita uma equipe mais completa, mas essa seria uma mínima

para que o trabalho possa fluir com mais tranquilidade.

PrazosCumprir prazos é outro ponto importante para a produção e direção. A data

contribui para que toda a equipe possa ficar livre nos dias e é feita pelo diretor e

pela produção depois de conversar com a equipe técnica e com os atores. Há

momentos que tem que escolher entre uma boa locação gratuita, um ator ou

outro, alguém da equipe técnica ou algo do tipo. Estamos analisando uma

produção gratuita ou sem recursos, mas quando há verba é feito um contrato e

que tem que ser cumprido. Esta mecânica entre dias que atores podem gravar e

a locação conseguida ou o dia que alguém da equipe técnica pode estar presente

é delicada e deve ser feito com calma e com antecedência para não mudar em

cima da hora a gravação. Conversar com a equipe e apresentar a realidade é a

melhor maneira de se ter credibilidade com a equipe, sempre jogar “limpo”, ter

parceiros.

Quando a direção não apresenta à equipe segurança e datas pré-estabelecidas

para ensaio, a gravação começa a perder a credibilidade e a minar a confiança

no trabalho, antes de começar. O ideal é na primeira reunião com a equipe de

atores e técnica, já indicar onde e quando serão as gravações.

Locações No roteiro são definidas quais as locações que serão necessárias para a

realização do vídeo. Geralmente é o produtor e o diretor que escolhem as

locações. O uso de locações reais confere ao vídeo uma “alma do espaço”. A WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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utilização de estúdio se não for bem feita fica com cara de artificial, fake.

Cuidado com estúdio, às vezes conseguir uma casa, um escritório, uma locação

real é mais fácil e melhor. Pensem nisso.

O vídeo trabalha com o realismo/naturalismo e a locação contribui para passar a

mensagem que se deseja. Um exemplo é um escritório montado em um estúdio e

um escritório real. No estúdio haverá o controle de luz e de áudio, o que já é por

si só uma vantagem. Já no escritório nem sempre o áudio e a luz podem ser

controlados, porém o uso do escritório real fica mais natural para a gravação. Até

a bagunça e a desordem fazem parte, é a tal “alma da locação”.

PermissõesOutro ponto importante é a autorização. Para gravar na rua geralmente é bom

avisar a polícia que haverá uma gravação. É necessário enviar um ofício. Ainda

que a polícia não envie ninguém, o que geralmente acontece, pelo menos sabe o

que está acontecendo.

Lembramos que para fechar a rua ou o trânsito só com a permissão da polícia ou

de órgãos competentes. Geralmente sugiro ir a bairros afastados do centro para

cenas deste tipo. Na rua é bom ter cuidado e gravar em espaços que não há

problemas de segurança, ter pessoas, amigos que fiquem assistindo a gravação,

pois o volume neste momento ignora os que desejam fazer algo errado. É

importante que se conheça alguém do bairro em que vai gravar, no centro

geralmente não há problemas, mas nos bairros conversar com um morador,

conhecer o presidente da associação de moradores e com ele fazer a gravação é

importante. Já gravei em algumas favelas no Rio de Janeiro e, nessas ocasiões,

sempre conversava com moradores ou com o presidente da associação para

gravar sem problemas. Recomendo que, ainda que trabalhe com amigo ou atores

é importante a autorização de imagem. Ode uso da imagem por troca financeira

ou apenas a pessoa abrir mão de cobrar pela utilização da imagem em um vídeo

de baixo orçamento. Assim, este documento pode ser importante em um

momento futuro, tanto para os atores, para o diretor não vender a obra, quanto

para o diretor, para o ator não proibir a exibição da obra. No anexo 2

apresentamos alguns exemplos de autorização.

Em algumas cidades do Brasil as pessoas são sempre receptivas às gravações e

até ajudam. Realizei algumas oficinas de vídeo pelo Brasil e sempre

conseguimos casas, lojas cujos proprietários desejavam apenas ver e contribuir.

Não custa nada pedir o espaço emprestado.WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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DicaCasa de amigo, namorada, a escola que estuda ou estudou, a padaria da

esquina, a praça da cidade, sempre procurem ver com os amigos as locações

que vocês precisam e gravem nos dias que a pessoa dispõe, ou fim de semana.

O que não pode é atrapalhar o trabalho das pessoas. E o brasileiro é um povo

amistoso e gosta de ajudar. Nos lugares do Brasil que gravei sempre tivemos

apoio dos moradores. Tente, vocês vão se surpreender, até figurantes

conseguimos entre os moradores.

Capitulo III - DireçãoDireçãoChegamos à parte que todos gostam, onde pulsa a gênese do filme e da parte

artística. É aqui, na direção, que o filme nasce como obra ou se perde no campo

comum das idéias repetidas. A responsabilidade da direção é muito grande, pois

a escolha dos atores é de uma responsabilidade gigantesca e quando se erra na

escolha dos atores, há como consertar depois.

Alguns diretores fazem laboratório com o elenco principal, outros já arriscam e

alguns pedem ajuda. Acho que todas as alternativas são válidas, pois a escolha

do elenco realmente é o momento delicado do filme. Sempre arrisquei, em

algumas vezes fui feliz e em outras preferi ouvir a opinião das pessoas. Tive sorte

de trabalhar com atores de primeira linha e muitos se tornaram amigos, alguns

iniciantes, outros experientes, mas todos com vontade de fazer, experimentar.

Tive o privilégio de trabalhar com atores no início da carreira, como Cláudio

Garcia, Nando Cunha, Thais Pacholeck, Mel Lisboa, Helena Borchiver, Camila

Morgado, Paulo Hamilton, Cláudio Lins, dentre outros que tive o prazer de

conviver e aprender.

Como já dirigi alguns curtas e a média é de quatro atores por curta, já trabalhei,

em média, com mais de 500 atores, seja de início de carreira, já profissionais ou

amadores e um momento que eu gosto e prezo muito é a parte do ensaio dos

atores.

Além da escolha dos atores o diretor escolhe a equipe que fica mais próxima

dele, que são: o diretor de fotografia, o câmera e a direção de arte e o assistente

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de direção. Estes são elementos que vão contribuir para a concepção do vídeo. É

um momento também de briga, pois o diretor apresenta um ponto de vista, o ator

outro e ficam às vezes em um bom debate para ver qual o melhor ponto de vista

para o público poder entender a história, às vezes a briga fica quente, mas é

sempre animada. Quando ensaiava com Nando Cunha brigávamos muito,

debatíamos, e as pessoas até pensavam que eu não gostava dele ou vice-versa,

mas no outro trabalho lá estava ele. Admirava e admiro o ponto de vista dele de

defender o personagem, e nossa briga era por isso, aprendi muito com ele.

Fizemos vários trabalhos juntos, resultado de vários debates!

Na gravaçãoSempre ensaiar primeiro, para que o ator se acostume com o texto e relembre.

No dia da gravação não se dirige ator, só ver alguns detalhes, vocês não podem

parar a equipe para dirigir o ator. Para isso que existe o ensaio. A idéia é

relembrar, e sempre deixar o ator se sentindo bem e seguro do que ira fazer. O

ensaio é para o ator e também para a equipe técnica, pois o câmera já irá ver o

enquadramento e a equipe entender o que vai ser feito. Outra coisa é deixar a

equipe saber o que vai acontecer, todos devem saber para que se sintam no

vídeo, pois o filme é de “todos”, de toda a equipe, e o diretor é o maestro, o

regente. Então depois de tudo, depois do ok, só fazer a gravação e boa sorte!

CAPITULO IV – Direção Decupagem –Decupagem de Direção - Planos Na decupagem de direção encontraremos o conceito de planos e de

enquadramento, por isso antes de continuarmos devemos definir o que é

enquadramento, que nada mais é do que a imagem que o público verá, ou seja, a

moldura da imagem. É como um quadro em que se recorta o espaço para ver

apenas uma parte dele. Um dos erros dos “amadores’ é sempre deixar a câmera

registrando em plano geral, imitando o que Griffith fez há mais de 100 anos. A

câmera, que é a responsável pelo enquadramento, geralmente apresenta uma

lente que é cambiável, ou seja, ela pode ir da grande angular até a teleobjetiva.

Estas duas lentes é que vão fazer os enquadramentos. A lente grande angular,

como o nome diz, mostra a imagem aberta e a teleobjetiva mostra os detalhes da

imagem, imagens mais próximas.

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Ao mesmo tempo em que o diretor faz os ensaios com o ator, deve ir pensando

na decupagem de direção. Em que consiste a decupagem de direção? É já ir

imaginando como o público verá as cenas. Podemos fazer um paralelo com a

revista em quadrinhos, os quadros, as imagens são parecidas com o

enquadramento.

A primeira coisa que se deve saber é os principais planos.

Existe uma diferença entre os planos do cinema e os planos da TV. Vamos

apresentar os principais e qual lente faz qual tipo de enquadramento:

• Super Plano geral • Plano Geral• Plano Americano

Plano Conjunto

• Plano Médio• Primeiríssimo Plano

• Close• Detalhe

Geralmente, cada lente faz certo plano até em função de sua especificidade

ótica, o que não impede de fazer experiências ou gravar uma única lente todos os

planos apenas afastando ou aproximando a câmera do objeto.

Grande angular

Faz os planos mais abertos (Super Plano Geral, Plano Geral, Plano Americano)

Os planos médios podem ser feitos pela grande angular ou pela tele (Plano

Médio, Primeiríssimo Plano).

• Teleobjetiva

Faz os planos Close e Detalhe, mas também pode fazer o Primeiríssimo Plano.

Depende do que o diretor deseja passar na cena.

Os planosA decupagem clássica determina alguns enquadramentos padrão em relação à

figura humana, existe uma diferença entre cinema e TV. O vídeo se aproxima

mais do cinema neste momento do que da TV.

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• Super Plano Geral é mais usado no cinema, devido à tela de cinema ser

maior do que a tela da TV; este plano é usado para apresentar as imagens

e os espaços. O espectador vê onde está se passando a ação, vê todo o

cenário.

Plano Geral é o enquadramento onde é focalizado mais o cenário do que o

personagem, em que pode se ver o personagem inteiro na tela.

Plano de Conjunto é o enquadramento da pessoa por inteiro, o cenário já não

tem tanta importância. Existem algumas confusões entre o plano conjunto e o

plano geral, uns chamam o plano geral quando aparece a pessoa de corpo inteiro

e plano conjunto quanto tem mais de uma pessoa na cena. Outras pessoas

chamam de plano geral a pessoa de corpo inteiro. O importante é a equipe saber

o significado certo do plano que o diretor quer ao falar.

Plano Americano criado para poder apresentar o ator de western sacando a

arma. O corte do quadro é feito até a altura do joelho. Este plano é muito usado

em TV em função do tamanho da tela da TV ser de dimensão menor. Foi o plano

criado pelos americanos.

Plano Médio é o enquadramento da pessoa na altura da cintura.

Primeiro Plano é o corte da imagem na linha do peito. Alguns câmeras

apelidaram este enquadramento de ¾, é o plano mais usado em telejornalismo e

dramaturgia, já que evidencia a emoção do ator e do apresentador.

Close-up é o plano de aproximação do rosto no seu limite. O rosto do

personagem ocupa toda a tela

Lembramos que close é para pessoa, objeto é animais geralmente se fala

detalhe, hoje esta diferença já está em desuso, graças à ação dos adestrados

tecnológicos que confundem o uso padrão e criam uma nova linguagem que vai

se perpetuando.

Subjetiva é quando o púbico vê a imagem que o ator está vendo, ou seja, a cena

vira os olhos do personagem e o público sabe o que ele viu naquele momento.

Exemplo: um personagem conversa com outro e de repente ele olha para o lado,

fica mudo e sorri. O público só vê a cara do personagem sorrindo, mas não sabe WWW.erdfilmes.com.br - e-mail: [email protected]

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quem ele viu, então é feito uma subjetiva e o público vê o que o ator está vendo e

então entende o sorriso, pois ele vê a menina da escola, que ele é apaixonado,

sozinha, sem as amigas (já reparou que meninas em época escolar só andam em

bando?).

Câmera, açãoVocês sabem por que quando o seu amigo ou amiga o convida para ver o

vídeo do casamento ou do aniversário, você dorme? Calma não é só você que

foge destas armadilhas sempre regadas a guaraná e pipoca, pois a pessoa que

gravou, o câmera / diretor, não tinha a linguagem cinematográfica e foi gravando

toda a ação em um único plano, ou seja, gravou como vemos, em plano geral.

Geralmente as pessoas quando iniciam o seu trabalho de câmera desejam

apenas gravar e ficam felizes de ver que conseguiram gravar, que a imagem

apareceu na fita. É o momento de deslumbramento com a tecnologia como uma

criança se descobrindo. Depois vem o momento que ele se acha o melhor

câmera do mundo e começa a querer inventar planos e linguagem. É como um

jogador que nunca jogou bola na vida e chuta a bola em um gol vazio, ele marca

o gol, a rede balança e já se acha o novo Pelé! É preciso ser humilde e aprender

com os outros e saber que uma coisa é a técnica, outra é a linguagem. O que se

aprende em pouco tempo é a técnica, não a linguagem. Isso que falta em grande

parte dos câmeras de evento social. Prefiro chamá-los operadores de câmera,

que apresentam a falta de uma linguagem e excesso de técnica, só operam a

máquina. É um estagio superior ao adestrado tecnológico, que só usa a

tecnologia para gravar o básico do básico.

É importante ter noção de que os planos são como a palavra e não podemos

escrever um texto só com as palavras, tem que colocar-se a vírgula, o ponto etc.

e etc. Criar linguagem é a maneira como se conta a história para o público.

Faremos uma analogia com uma piada já conhecida, se uma pessoa que sabe

narrar a piada você morre de rir, mesmo conhecendo a piada. E uma excelente

piada sendo contada por uma pessoa que não sabe contar, não tem a linguagem,

não tem o “jeitinho”, você não ri, ainda que a piada seja ótima, pois falta

justamente a linguagem.

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A ação deve ser recortada para os diversos planos existentes, contribuindo,

assim, na criação de uma linguagem variada. E o diretor deve criar a emoção, ou

acompanhar a emoção por meio dos planos, isso é criar a linguagem. Só colocar

a câmera no tripé e filmar é o início do fracasso e ter seus espectadores

bocejando.

ContinuidadeA continuidade pode ser analisada de duas maneiras, uma delas é a utilização da

continuidade da cena, isso é continuidade de ação e de roupa etc. Já a outra é a

continuidade de planos e nela encontramos a regra dos 30º. As duas são

importantes e cada qual dos problemas na tela e perda de confiança no que o

espectador está vendo.

Continuidade de ação

É a continuidade da cena, como o próprio nome diz. Apresenta uma

continuidade na ação que está sendo feita pelo ator, em função do ambiente que

ele está e dos assessórios que este apresenta. Exemplificando, imagine um ator

que entra na sala, senta, depois levanta e vai à cozinha, pega uma água e depois

volta para sala e senta, Tudo isso falando ao celular. Imagine que é gravada a

parte do sofá em uma casa (cenário) e a cozinha em outra casa (outro cenário) e

no dia da gravação da cozinha esquecem o celular e entregam ao ator outro

celular, algumas pessoas vão ver a diferença entre os celulares. Ou se a blusa

estava fechada e na cozinha a blusa aparece aberta e coisas do tipo. Essa é a

continuidade lógica, a lógica da cena anterior. Alguns continuistas tiram foto no

fim da cena e depois antes de iniciar veem como estava a pessoa, a roupa, o

cenário.

SISTEMAS DIGITAIS DV O formato DV (Digital Vídeo) foi um grande debate entre a Panasonic e a

Sony dentre outras empresas, mas principalmente destas que monopolizavam o

mercado de câmera consumer. De um consórcio onde entraram outras

empresas como a Hitachi, JVC, Mitsubishi, Sanyo, Sharp, Thompson, Toshiba,

Philips dentre outras surgiu o formato que invadiu o mercado amador, caseiro e

semi-profissional, o formato DV e MiniDV.

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Este formato teve na globalização o apoio para que os preços dos equipamentos

baixassem, assim aconteceu com as câmeras de vídeo e com os computadores.

A vantagem do sistema DV em comparação com o antológico VHS é muito

grande, dentre eles o sistema DV já apresenta uma qualidade de imagem em

torno de 500 linhas de resolução contra 300 linhas de resolução das câmeras

VHS, além do áudio digital, dentre outros. Mas um ponto foi crucial para este

desenvolvimento, a evolução dos computadores e o surgimento da placa firewire,

onde o que era gravado poderia ser “passado” para o computador. Essa

vantagem aliada ao preço baixo trouxe uma grande revolução social.

REFERÊNCIAS:

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