Pós-Impressionismo

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Retrato de Père Tanguy, 1887 – Vincent Van Gogh

"Pós-Impressionismo" é a expressão utilizada para definir um grupo de artistas

contemporâneos aos Impressionistas, mas que não correspondiam às características do movimento. Alguns desses artistas são considerados os pais da Arte Moderna, pois suas obras já indicavam um descompromisso total com a arte clássica e a obrigação de registrar a realidade tal como a vemos. Também não deve ser confundido com o Neo-Impressionismo promovido por Georges Seurat, pois esse grupo pretendia aprofundar as pesquisas impressionistas.

O Pós-Impressionismo não é um movimento, mas sim um grupo de artistas que desenvolveu uma arte bastante ousada para a época fazendo o elo entre os artistas Impressionistas e as correntes modernas do século 20. São então os artistas que fazem a transição entre a estética visual do século 19 para o século 20.

Os artistas Pós-Impressionistas procuravam uma arte mais sensível, uma vez que o Impressionismo fixou-se em apreender a realidade através das formas e das cores. São pintores autodidatas com uma arte muito pessoal e expressiva. Infelizmente, esses artistas não obtiveram reconhecimento em vida e sofreram vários tipos de preconceitos mesmo entre os seus pares.

Paul Cézanne

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Autorretrato com fundo Rosa – 1875

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O Monte de Sainte-Victoire −1904

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Retrato da Madame Cézanne – 1883/87

Nascido em Aix-en-Provence, França, em 1839, onde também falecera em 1906. Cézanne provinha de uma família abastada, o que o possibilitou produzir com mais tranquilidade do que seus colegas uma arte que não encontrava mercado na época. Cézanne foi vítima de sua própria arte. Um dia trabalhando a céu aberto foi surpreendido por uma tempestade, mas continuou trabalhando por duas horas. Teve que ser socorrido por um caminhoneiro, porém ficou acamado e logo em seguida acabou por falecer. Podemos considerar o renomado pintor Camille Pissaro como mestre de Cézanne. Foi casado com Hortense Fiquet com quem teve o filho Paul.

Incialmente, a obra de Paul Cézanne possuía uma grande influência da escola romântica. Mas, aos poucos e sobretudo depois do contato com os artistas impressionistas, o artista cria um estilo próprio. Em suas obras, o que observamos é um poder de síntese incrível que nos permite observar as estruturas, seja das pessoas, das paisagens ou naturezas-mortas. Segundo suas próprias palavras, o seu estilo consiste em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais: a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne preocupa-se mais em captar as formas do que a representação do ambiente atmosférico. Suas obras serão fundamentais para a criação por Picasso e seu grupo do estilo moderno chamado Cubismo. Curiosamente, os artistas não tinham o costume de datar as suas obras, o que gera certa confusão com relação à cronologia de seus trabalhos.

Paul Gauguin

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Autorretrato com Halo - 1889

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O Filho de Deus nascido, 1896

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Duas taitianas com flores de manga, 1899

Nascido em Paris, na França, em 1848, Gauguin passou seus primeiros anos em Lima, no Peru. Trabalhou como corretor da bolsa de valores até os 35 anos para depois poder dedicar-se totalmente à pintura. Foi casado com a dinamarquesa Mette Sophie Gad, com quem teve cinco filhos. Incompreendido pela crítica, o artista teve muitos revezes em sua carreira artística e em sua vida pessoal. Seu desejo mais caro era se encontrar com um mundo primitivo nas sociedades esquecidas nos trópicos. No Taiti, depois de uma mal sucedida parceria com Van Gogh, descobre a cor e produz suas obras mais importantes. Entre idas e vindas aos trópicos, falece em 1901, nas Ilhas Marquesas, vítima de sífilis.

Gauguin com suas telas de cores fortes influenciou uma geração de artistas responsáveis por criar no século 20 o movimento denominado Fauvismo ou Fovismo. O artista buscava uma arte instintiva e direta, de valor simbólico e decorativo. Acreditava que conviver com culturas não sofisticadas, tradicionais, na época consideradas primitivas, capacita o artista para produzir obras puras. Sendo assim, especialmente nas pinturas realizadas no Taiti, Gauguin privilegia as cores primárias – amarelo, azul e vermelho – e seus derivados imediatos – violeta, laranja e verde, em áreas planas de cor. As formas são reduzidas ao seu essencial. Gauguin foi um dos primeiros artistas a compreender que poderia aproximar a pintura da poesia ao libertar a cor e a forma de suas funções descritivas. Não a pintura de símbolos, pois suas pinturas viram símbolos em si mesmas. Gauguin estava atrelado à teoria da síntese cromática do intelectual Charles Baudelaire, que traçava correspondências entre as cores e os sentimentos. As gravuras japonesas estavam na moda na França e também influenciaram sua pintura, com suas cores chapadas e figuras bidimensionais.

Vincent Van Gogh

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Autorretrato – 1887

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A Noite Estrelada – 1889

O mais polêmico e arredio desse grupo de artistas, Van Gogh é também o mais genial. Com uma vida turbulenta, solitária e com problemas de saúde que o levaram a internação psiquiátrica várias vezes, em poucos anos produziu centenas de obras com uma obsessão impressionante. Vincent nasceu em Groot-Zundert, na Holanda, em 1853, e faleceu em Auvers-sur-Oise, na França, em 1890, suicidando-se num chocante desespero. Antes de tornar-se pintor, tentou várias profissões: marchand, instrutor colegial, pregador religioso como o pai, e outros. Van Gogh decide se tornar pintor aos 32 anos e nos poucos anos que exerceu a função produziu 879 pinturas, 1756 desenhos e 10 gravuras. Número impressionante mesmo para um pintor com uma carreira bastante longa. Não se casou, não teve filhos e nunca conseguiu comercializar seus trabalhos, mesmo tendo um irmão marchand de relativo sucesso, e isso lhe causava extremo desgosto.

Van Gogh nunca estudou pintura e promoveu umas das maiores mudanças na arte. Seu nome pode ser posto ao lado dos maiores gênios da pintura. Com suas obras, Van Gogh liberta a pintura definitivamente da obrigação de pintar a realidade. Em seus quadros, o mestre quer apresentar ao mundo sua visão pessoal sobre o mundo que o cerca. A arte a serviço da emoção tem início com Van Gogh que irá influenciar principalmente os artistas de um dos primeiros movimentos modernos, os Expressionistas. Van Gogh, além de deixar suas obras, deixou também um registro importantíssimo. Suas cartas direcionadas ao seu irmão Théo foram reunidas em um livro, chamado “Cartas a Théo”. Até então nunca se conheceu tão intimamente um artista quanto Van Gogh, pois nessas cartas o artista registrava tudo o que ele estava passando, o que pensava sobre a arte, a sua e de outros, e como eram desenvolvidos seus projetos artísticos.

Toulouse-Lautrec

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Fotomontagem Maurice Guibert - 1891

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Troupe de Mlle Elegantine - cartaz de 1896).

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Retrato de Vincent van Gogh - 1887

Henri de Toulouse-Lautrec foi o artista mais novo desse grupo. Francês de origem aristocrática, nasceu com uma doença que comprometeu seu crescimento, possuía o corpo do tamanho normal mas as pernas pequenas como de uma criança, e isso tornava sua figura um pouco excêntrica. O artista promoveu uma verdadeira revolução no campo do design gráfico, com seus cartazes publicitários que viriam a influenciar todos os artistas do estilo Art Nouveau. Morreu precocemente, aos 36 anos, sem esposa nem filhos, vítima de seu estilo de vida boêmio. Alcoolista, em uma época que a forte bebida absinto era uma moda; morreu em função da sífilis.

Seu estilo é marcado pelo movimento e pela síntese das formas. Seu tema preferido era a vida boemia de Paris e seus cabarés, cafés e bares. Com cores quentes, suas composições dinâmicas são influenciadas pelo desenvolvimento da fotografia. Apesar da popularidade de seus cartazes publicitários e das litografias sobre a vida nos bordéis, o reconhecimento da importância estética de sua obra demorou a chegar, assim como a de todos os artistas pós-impressionistas.

O Estilo de Toulouse transgredia as proporções anatômicas e não tinha nenhuma preocupação com as leis da perspectiva. O importante para ele era a expressividade, traduzida pelos traços rápidos e as suas cores fortes e intensas. Outro ponto interessante é que o pintor se interessava apenas por ambientes internos, o que o diferencia de seus colegas que herdaram dos impressionistas o gosto por pintar ao ar livre.

Quanta Maldição

Você já ouviu falar de algum artista maldito? Essa expressão é usada, em uma concepção bem ampla, para designar artistas que não são reconhecidos pelo grande público. No Brasil, ela foi muito utilizada para rotular alguns artistas da chamada MPB, Música Popular Brasileira, na época dos festivais, que caíram prematuramente no ostracismo. O caso mais triste nesse sentido é do cantor e compositor Sérgio Sampaio, parceiro de Raul Seixas, que emplacou uma música de muito sucesso na década de 70. A música “Eu quero Botar Meu Bloco Na Rua” teve muita aceitação do público, vencedora de festival, mas depois disso, apesar de gravar vários discos, com muita dificuldade financeira, o artista ficou sendo apreciado apenas por um público pequeno. As gravadoras e rádios viraram as costas para ele e o artista morreu pobre e sem nenhum reconhecimento. Com um talento enorme, Sérgio Sampaio levou a marca de “Maldito” e só recuperou seu status quando o compositor Zeca Baleiro regravou suas músicas, já depois de falecido. Algo bastante semelhante aconteceu com o grande Itamar Assumpção, também já falecido, que hoje tem sua obra resgatada por Zélia Duncan. Outros artistas conseguiram ainda em vida reverter esse quadro como Tom Zé, Luís Melodia e Jards Macalé.

O primeiro artista considerado maldito foi Van Gogh. Além dos quadros que presenteou, vendeu apenas um quadro em vida. Dono de um talento imenso, sendo responsável pela transição do século 19 para a arte moderna do século 20, Van Gogh passou a vida em um completo ostracismo. Mas por que isso acontece? O que faz com que um artista talentoso seja completamente esquecido e sua obra só recuperada depois que ele morre?

Você já ouviu a expressão “poeta bom poeta morto”? As pessoas têm o costume, especialmente entre os artistas plásticos, de afirmar que o artista só faz sucesso depois de morto. Essa ideia foi “vendida” justamente quando o nome de Van Gogh se popularizou. É certo que sempre haverá artistas que encontrarão o estrelato e outros não. Para cada músico famoso, por exemplo, existem milhares que não são. Isso porque arte é uma profissão como outra qualquer, e nem todas as pessoas alcançam o estrelato, o mercado das grandes corporações não suporta todos, pois está interessado em lucrar e não na arte propriamente dita. No entanto, quando pensamos em arte, não podemos pensar apenas em show business.

Ouça a canção de Zeca Baleiro chamada “Maldição”: http://www.youtube.com/watch?v=YZujeTyXuSY

Ela ironiza e de modo bem terno nos faz lembrar de artistas denominados “malditos”. Você

conhece todos os nomes que o compositor cita?

Baudelaire, Macalé, Luiz Melodia Quanta maldição!

O meu coração não quer dinheiro, quer poesia!

Baudelaire, Macalé, Luiz Melodia Rimbaud - A missão

Poeta e ladrão Escravo da paixão sem guia

Edgar Allan Poe tua mão na pia

Lava com sabão tua solidão Tão infinita quanto o dia

Vicentinho, Van Gogh, Luiza Erundina

Voltem pro sertão Pra plantar feijão

Tulipas, para a burguesia

Baudelaire, Macalé, Luiz Melodia Waly Salomão, Itamar Assumpção

O resto é perfumaria

Fonte: Disponível em: <http://letras.mus.br/zeca-baleiro/49384/>. Acesso em: 13 nov. 2013.