TALLER DE CINE DOCUMENTAL

ROLES CINEMATOGRÁFICOS (FOTOGRAFIAS REALIZADAS EN LOS TALLERES)

(La documentación entregada por los ponentes en talleres de estudio ha sido

adaptada con nuestras propias fotografías)

ROLES EN EL MUNDO DEL CINE

GUIONISTA.- Persona que se dedica profesionalmente a escribir guiones de cine, teatro, radio o

televisión. El papel del guionista es muy importante pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el

guion es bueno el director puede hacer una película excelente pero si éste es deficiente aunque el

director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.

DIRECTOR.- El responsable de la calidad desde el punto de vista artístico y narrativo. También de decidir

el tono de la película, con todo lo que ello conlleva: El tipo de interpretación, el ritmo, los colores, la

fotografía, la puesta en escena etc. Tiene mucha fuerza en la elección final de los actores y en posibles

correcciones de guion.

Colabora en la realización del plan de rodaje y postproducción y en la elección de localizaciones.

Colabora también en el montaje.

Diseña la planificación de la película. Dirige la interpretación de los actores.

DIRECTOR DE CASTING.- Es quién está en contacto directo con actores de todas las categorías, tiene la

función de negociar con el actor o su representante.

PRIMER AYUDANTE DE DIRECCIÓN.- Su trabajo es organizar el set de rodaje. Tiene que controlarlo todo

y ser consciente de todas las necesidades en cada momento. Distribuye el tiempo y los recursos. No

tiene capacidad artística y es muy poco común que un ayudante de dirección pase a ser director.

Tiene que conocer el guion, la planificación y al propio director perfectamente. Generalmente es el

ayudante el que elige en que orden se van a rodar los planos con toda la información de todos los jefes

de equipo (sabiendo por ejemplo en tiempo que se tratará en maquillar, en iluminar, etc)

AUXILIAR DE DIRECCIÓN.- Están a las órdenes del primer y segundo ayudante de dirección siendo sus

brazos y oídos. Donde no haya auxiliares no llega la organización del set.

Se encargan de tareas como cortar el tráfico de coches y propagar la voz de silencio cuando escuchan

por el walky que se va a rodar.

SCRIPT.- Encargado de llevar las partes de rodaje y de mantener la continuidad o record de movimiento,

posición, mirada y también el record escenográfico en cuando al atrezzo, maquillaje, vestuario e

iluminación, en colaboración estrecha con los jefes de cada equipo.

Nombra y numera los planos y

cronometra el tiempo útil de cada

uno de ellos. Si la película se rueda

sin sonido directo debe anotar los

diálogos para repetirlos en el

doblaje. Lleva el parte de script

con información de tiempos de

rodaje para producción, de

montajes y de cámara.

Vigila los detalles que pueden

convertirse en saltos narrativos

para salvarlos y arreglarlos a

tiempo en los momentos del

rodaje. (Suelen ser mujeres)

PRODUCTOR.- Es el propietario de la película. El empresario, el

que asume el riesgo económico. Pone el dinero o busca

financiación y responde de devolverlo. Fuentes del dinero

subvenciones, coproducciones con otros países, adelantos de

distribución y exhibición de TV.

El beneficio de la película es para el productor.

PRODUCTOR EJECUTIVO.- Responsable de los factores

financieros y administrativos. Distribución y mantenimiento del

dinero. Suele ser otro miembro de la productora.

DIRECTOR DE PRODUCCIÓN.- El organizador de la producción

técnica. Diseña un plan de producción para hacer la película lo

mejor y lo más barata posible.

Tiene que conocer todos los entresijos del negocio y

personalmente a todos los profesionales del medio para elegir a

los que van a participar en la película. Su trabajo más importante

es la postproducción. No suele visitar los redajes. En

postproducción solo revisa que todo vaya según el plan.

JEFE DE PRODUCCIÓN.- Responsable de producción en la fase de

rodaje. Debe solventar todos los problemas en rodaje y conseguir que el rodaje nunca se pare.

Responsable de mantener los plazos y el dinero asignado al rodaje. Suele ser contratado para cada

película. Él contrata al equipo de responsabilidades medias-bajas: ayudantes, asistentes, etc.En rodaje

es el supervisor del trabajo de todos .Tiene la capacidad de despedir a los que consideren que no

trabajan bien, aunque no sobre los jefes de equipo (que tratan directamente con los directores de

producción). Es el que “parece que no trabaja pero lo controla todo”.

AYUDANTES DE PRODUCCIÓN.- Se diferencian en que el ayudante tiene mas responsabilidad que el

auxiliar. Estan a las órdenes del equipo de producción. Unos a los del jefe de producción y otros a las

del jefe de localizaciones. Suelen ser trabajos de mantenimiento del set. Conducen los coches para el

director y actores y hacen todo el trabajo “sucio”.

COORDINADOR DE PRODUCCIÓN.- Tiene el objetivo de coordinar las etapas de reproducción,

realización y posproducción del material audiovisual.

CLAQUETA.- Sostiene la pizarra al inicio del rodaje de cada escena.

GERENTE DE LOCALIZACIONES.- Busca localizaciones y prepara los

permisos para rodar en lugares específicos.

JEFE DE LOCALIZACIONES.- Muy ligado al director de producción y

jefe de producción. Es el encargado de llevar a cabo la contratación

con los dueños de las localizaciones: llegar a un acuerdo con los

precios y realizar las gestiones necesarias.

Se encarga de organizar como y donde colocar los camiones del set y

prever la llegada de los actores y el equipo. Organiza también la

comida. Es el primero en llegar a las localizaciones y el último en

abandonarlas. Es también el encargado de organizar los

desplazamientos de equipo y material.

Recoge y controla todos los partes de producción: citaciones del

equipo, órdenes de trabajo, etc. y se los presenta al jefe de

producción para que los firme.

DIRECTOR DE FOTOGRAFIA.- Es el jefe del equipo y

junto con el director la persona con más peso y

responsabilidad de la película Es el responsable de

crear las imágenes: la plástica. Él personalmente elige

a su equipo. Trabaja íntimamente relacionado con los

equipos de maquillaje, vestuario y arte.

Tiene bajo sus órdenes directas a los eléctricos. Elige la

cámara con la que se va a rodar, los objetivos, los

filtros, los aparatos de iluminación, etc. Posiciona los

focos, mide la luz y puede elegir la hora que se va a

rodar cada plano si se rueda en exteriores.

OPERADOR DE CÁMARA.-La persona que maneja la

cámara y por tanto responsable de los encuadres. Es

común que sea la misma persona que realiza la

fotografía en producciones de bajo presupuesto.

Sugiere a director las posiciones y movimientos de

cámara y este decide. Coordina los travelling

(desplazamientos cámaras), gruas, etc.

PRIMER ASISTENTE DE CÁMARA.- Asiste al operador

de cámara y se especializa en cambiar los focos según

los requerimientos de la puesta.

AYUDANTE DE CÁMARA.-Es el responsable del

mantenimiento de la cámara (limpieza, orden) y el

desplazamiento de todo el material de cámara.

Chequea la cámara tras las tomas finales (las que el director decida como buenas) y también se encarga

de cortar la luz que entra en el objetivo con parasoles y banderas.

AUXILIAR DE CÁMARA.- Está a las órdenes del ayudante de cámara. Es el

responsable de asistir técnicamente en las grabaciones y trasportar el

material técnico. También se encarga de hacer la claqueta.

GAFFER.- No mueve directamente los aparatos de iluminación. Solo dirige

el trabajo de los eléctricos. Es el responsable del material de iluminación.

ELECTRICO.- son los que físicamente colocan y enchufan los aparatos de

iluminación.

FOTO FIJA.- Hace foto del set de rodaje para la promoción de la película.

Sin flash y solamente durante los ensayos. A veces también es el

encargado de hacer las fotos que saldrán en la película y se rodaran

posteriormente.

JEFE DE SONIDO.- Responsable de la grabación del sonido directo. Tiene que conseguir que el sonido

más limpio posible. Si no hay limpieza en el sonido no hay continuidad en el montaje. También los

sonidos ambientes para la postproducción.

MUSICA ORIGINAL.- El autor de la banda sonora la cual enfatiza los momentos dramáticos de la misma.

SONIDO DIRECTO.- El encargado de manejar el equipo de

grabación para capturar el sonido ambiente, diálogos y demás

sonidos incidentales que aparecen.

MICROFONISTA.- Es el encargado de colocar y manejar toda la

microfonía necesaria en escena.

AUXILIAR DE SONIDO.- Es el responsable del mantenimiento del

equipo equipo de sonido (limpieza y orden) y su desplazamiento.

Pertiguistas de refuerzo para secuencias muy complicadas.

DIRECTOR DE ARTE.- Responsable de la estética física de la película

(toda la estética no fotográfica). Tiene que hablar mucho con el

director de fotografía para orientar sus trabajos en la misma

dirección.

CARACTERIZACIÓN.- Su trabajo está muy relacionado con el

equipo de ambientación. A parte de conseguir una apariencia en

los actores tiene que controlar tambien el record de maquillaje.

Suele tener bastantes ayudantes y auxiliares teniendo incluso

personas especificas dedicadas en exclusiva a los actores principales.

EFECTOS ESPECIALES.- Diseña los efectos necesarios para la realización de escenas

VESTUARIO.-Confecciona las ropas si es el caso o ropas compradas, se encarga de su limpieza y

mantenimiento. Se encarga de conseguir el record de vestuario en cuanto si la ropa tiene que salir

manchada, rota, etc. En determinados puntos de la película.

COORDINADOR GENERAL FX.- Hace uso de los efectos especiales para crear atmosferas.

MONTADOR.- Se dice que es el que crea el lenguaje de la película. Tradicionalmente el montador de

imagen era el mismo que el de sonido pero hoy en día debido a la mayor especialización de las dos

funciones son personas diferentes.

EDITOR.-Es el indicado para ensamblar los diferentes temas registrados en las películas fotográficas para

formar narración.

CONCEPTOS

Cliff Hanger: Final de un capitulo que deja al espectador con ganas de más. Suspense necesario para

hacer que la audiencia se interese por conocer el resultado del efecto en la siguiente entrega.

Escaleta: Lista de las acciones que componen la historia.

Zoom: conjunto de lentes que permite acercarse o alejarse al objetivo sin necesidad de mover la cámara.

Produce planimetría.

Distancia local: La distancia que existe desde la lente al objetivo hasta donde se forme la imagen.

Zoom in: Cuando se acerca la lente al objetivo.

Zoom out: Se retrocede la lente, se aleja del objetivo.

Producción: organización racional de los recursos técnicos físicos y humanos.

Story-board: conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de ser guía para seguir

la estructura de una película antes de realizarse. (Dibujo tipo comic.)

Making of: Es el “detrás de las cámaras”. Por lo general es un video que se edita para mostrar al

espectador cómo se ha hecho la película.

PLANO: Es la unidad mínima narrativa y todo aquello que capta la cámara.

TOMA: Es lo que graba en un momento determinado (mucho plano: 1 toma)

SECUENCIA: serie de planos con una unidad temática

ESCENA: Unidad espacio temporal determinada. Una acción.

ELIPSIS: Salto temporal que se utiliza para darle ritmo a la narración.(Se omite un trozo que se presupone

en la historia)

TIPOS DE PLANO

Como ya hemos comentado, el plano es la unidad mínima narrativa, es decir, todo aquello que vemos

en la imagen. Cada tipo de plano se utiliza por un motivo y objetivo diferente:

• Gran plano general: no se distinguen los figurantes (para mostrar donde sucede la acción).

• Plano general: alejado pero se distinguen los figurantes.

•

• Plano entero: se le ve al personaje de arriba abajo.

• Plano americano: a tres cuartos (por encima de la rodilla,

para que se vieran las pistolas películas del oeste)

• Plano medio: de la cintura a la cabeza. (conversaciones)

• Plano medio corto: del pecho a la cabeza. (conversación)

• Primer plano (P.P): en el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo

de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una

distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al sujeto.

• Primerísimo plano: primer plano de la cara.

• ,

• • Plano subjetivo: También llamado “plano PDV”. La cámara

nos muestra lo que ve el sujeto, como si la cámara estuviese

en sus ojos. Se intenta meter al espectador, en la piel del

sujeto.

. El espectador se pone en el lugar protagonista para sentir

su curiosidad y al mismo tiempo la tardanza. Además se crea

una cierta tensión.

TIPO DE ANGULACIONES

• Plano frontal: Es el plano más habitual. También llamado “plano normal” o “plano neutro”. El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y delante del sujeto que se está grabando, a la altura de los ojos. Nos muestra al sujeto y su aspecto físico. En caso de ser un objeto, se graba a su altura media

• Plano Zenital También llamado “plano cenital”. Es un plano realizado desde arriba, justo encima de los sujetos u objetos, con un ángulo de 90 grados perpendicular al suelo, como si se hubiese captado desde un satélite o un

helicóptero. Generalmente tiene un efecto estético de la imagen.

• Plano picado: La cámara graba a una altura ligeramente superior a los ojos (en caso de sujetos) o de la altura media (en caso de objetos), con la cámara ligeramente orientada hacia el suelo. Se utiliza para transmitir al observador que alguien es inferior, inocente, débil, frágil, inofensivo o incluso para ridiculizar.

• Plano contrapicado: La cámara se sitúa enfrente y a una altura

ligeramente inferior a los ojos del sujeto, o inferior de la altura media de un objeto. Con la cámara ligeramente orientada hacia el techo. Es el plano opuesto al plano picado. Sirve para ensalzar y magnificar al sujeto u objeto. En los últimos tiempos también se utiliza este plano cuando los políticos graban sus mítines con circuitos cerrados propios y luego pasan las imágenes a los informativos, para “magnificar” a sus líderes.

• Plano Nadir: La cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al

suelo. Se usa a nivel estético para dar dramatismo, interés a la escena o dinamismo. Este plano da dinamismo a la acción.

• Plano dorsal También llamado “plano semisubjetivo”. Nos explica que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, no de posibles protagonistas. También nos da un poder sobre los sujetos: nosotros los vemos pero ellos a nosotros no. Es típico de las

películas de miedo, cuando están a punto de atacar a una persona por detrás.

• Escorzo Incluye al sujeto protagonista de cara y al sujeto que escucha de espalda. Enfatiza al sujeto que tiene la acción en ese momento (por ejemplo, hablar). La cámara se sitúa detrás del sujeto filmado, en 45

grados. (El personaje de espalda parezco yo)

• Perfil También llamado “plano lateral”. La cámara está a un lado del sujeto. En este plano vemos la expresión de ensimismamiento del personaje. Intuye que algo terrible está a punto de suceder y se dirige a su destino.

• Flip over Este juego de cámara sirve para subvertir nuestras expectativas con un inesperado movimiento de cámara de 180 grados que nos indica que lo que estábamos viendo estaba en realidad al revés.

• Plano holandés: Llamado también “plano aberrante”. La cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena.

CAMPO O FUERA DE CAMPO

La cámara limita el espacio y deja fuera de él parte de la realidad. Lo que se ve en pantalla se dice que

es el campo, porque queda dentro de la visión de la cámara mientras lo que queda fuera es el “fuera de

campo”. El fuera de campo es aquello que el espectador cree que existe fuera del encuadre basándose

en lo que ve dentro.

Como es sabido, el campo fotográfico se define como el espacio representado en la materialidad de la

imagen, y que constituye la expresión plena del espacio de la representación fotográfica. Pero la

comprensión e interpretación del campo visual presupone siempre la existencia de un fuera de campo,

que se le supone contiguo y que lo sustenta.

TRATAMIENTO DEL TIEMPO

Diégenesis narrativa y Tiempo real: El que tarda en ocurrir un acontecimiento en la realidad. Una muerte en tiempo real vista en un noticiario de televisión se desarrolla en fracciones de segundo.

Tiempo fílmico: El que se produce por manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una visión intencionada y distinta del acontecimiento. La muerte citada anteriormente, realizada a cámara lenta, puede hacer fijar en el espectador detalles que facilitan la comprensión del mensaje.

Tiempo de filmación. El tiempo que se tarda en filmar, «rodar», una escena.

Adecuación: cuando el tiempo real y el tiempo cinematográfico son los mismos.

Distensión: cuando el director alarga la escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o intenta que el espectador se fije más en los detalles.

Elipsis temporales, Condensación: se suprime una parte del relato que el espectador debe suplir con su imaginación. La finalidad es de dar la información pertinente y captar la atención del espectador.

Hacia atrás y hacia el futuro en el tiempo: Con el «flash-back» (tiempo pasado), se relata lo que ya ha sucedido. Con el «flash-forward» (tiempo futuro), lo que está por venir.

PRODUCCIÓN

Producir es organizar racionalmente los medios tanto humanos como técnicos y económicos a nuestra disposición para llevar a buen término un proyecto audiovisual.

Características de la producción de proyectos audiovisuales:

• El papel destacado del productor ejecutivo en las decisiones de empresa

• La actividad audiovisual en general, fabrica prototipos, no series de productos. Estos prototipos están sujetos a los gastos de la audiencia. Cada producto audiovisual tiene su propio planteamiento artístico técnico e industrial.

• Supone un gasto enorme y su amortización, lenta y difícil se lleva a cabo a través de diferentes canales: cine, TV, DVD,etc.

• Es una industria de alto riesgo. No existe una relación necesaria entre las inversiones efectuadas y la calidad del resultado.

• En general se hace necesaria una comercialización internacional para obtener beneficios.

• Está sometida a una constante evolución tecnológica con las consiguientes inversiones.

Estrategia de producción

1. Estudio de viabilidad y rentabilidad. 2. Conseguir financiación. 3. Inicio de gestiones y trámites oficiales. 4. Dispositivo de seguros e impuestos. 5. Contratación del equipo. 6. Preparación del rodaje. 7. Supervisión del proceso de postproducción 8. Diseño de la comercialización del producto. 9. Organización de la publicidad y lanzamiento al mercado. 10. Contabilización de los procesos de amortización.

PREPRODUCCIÓN

Fases de desarrollo

• Selección de ideas

• Compra de derechos

• Construcción profesional del guion.

• Análisis del guion.

• Presupuesto estimativo y plan financiero.

• Elaboración del “paquete” se expone toda la idea, equipo técnico, actores, todo.

• Búsqueda de financiación.

La preproducción abarca todo el contenido de la carpeta de producción, hasta que una vez finalizada la

organización se pueda continuar con la producción.

1.1. CARPETA DE PRODUCCIÓN

Cualquier producción audiovisual, idealmente debe manejar dos carpetas de producción, una que es

indispensable y la herramienta organizativa para el rodaje del corto/ largometraje y la otra que es la que

se presentará a los patrocinadores, en caso de que se requieran. Dado que, la carpeta de producción es

la carta de presentación del proyecto audiovisual, de ella depende el patrocinio de un producto

audiovisual que no se haya realizado todavía. La presentación es indispensable. El diseño de carpeta, la

limpieza, la claridad y la calidad son fundamentales cuando se buscan recursos económicos para la

realización de un producto audiovisual.

1.1.1. GUIÓN

El guion es la representación literaria de un proyecto audiovisual. Surge a partir de una idea y por lo

general, se le da forma con una escaleta. El formato de guion cinematográfico funciona también para el

formato digital. De éste se desprende el breakdown, que es el guion desglosado por rubros. En la

producción digital, no se necesita de todo un formato para esto. El mismo guion literario se desglosa sin

utilizar otro formato.

• Se designa un color para cada rubro. • El guion literario se subraya de acuerdo a las especificaciones escritas en el guión. • Cada rubro identifica su color respectivo y automáticamente va generando su lista de

requerimientos. (*)

1.1.2. SCOUTING

El scouting es la búsqueda de locaciones de acuerdo a las necesidades del guion literario. Una vez

definida la locación, se prevén soluciones a los posibles problemas que puedan surgir en el rodaje de la

producción.

1.1.3. CASTING

El casting es la búsqueda de actores. El proceso del casting inicia desde el momento de hacer la

convocatoria hasta contratar al actor/actriz.

Una vez encontrado al talento, se debe redactar un contrato que especifique las condiciones del mismo,

las responsabilidades del actor hacia la producción y viceversa. Es recomendable siempre designar un

pago, aunque sea significativo, para cada uno de los actores, para obtener mejores resultados y

especificarlo en el contrato. En caso contrario, es decir, que no se le vaya a pagar al actor/actriz, se

deberá también especificar en el contrato, para evitar posibles problemas en el futuro y tener un

respaldo físico que avale tanto al productor como al talento. Es necesario hacer mínimo dos copias de

cada contrato, que contenga las firmas del actor y del productor, y entregar una a cada quien.

Una vez definido el casting, se firma el contrato y se le entrega una copia del guión a cada uno de los

actores y se les toma medidas para que inicie la búsqueda de vestuario de acuerdo a la talla de cada uno.

Se realiza una agenda con todos los datos posibles para la segura localización del actor/actriz. Se fechan

días para los ensayos con el director y los demás actores.

1.1.4. STORYBOARD

El storyboard es primordial en una producción audiovisual. Es la primera visualización física del guión.

Cada escena debe contener un gráfico, ya sea dibujo, fotografía o animatic, que describa visualmente la

escena. Para agilizar la producción, se recomienda hacer el storyboard dentro de la locación una vez

definida con fotografías, para prever dentro del espacio de cada escena, los problemas técnicos que

puedan surgir y saber las limitantes y características reales de cada espacio en donde se haya decidido

grabar. Dentro de la carpeta para patrocinadores, se recomienda hacer el storyboard en animatcs, que

son fotogramas de reconstrucción de espacios tipo animación, para dar una mejor presentación y más

fuerza al proyecto audiovisual.

1.1.5. BREAKDOWN

El breakdown es el desglose de guión en un formato aparte, que separa los requerimientos por rubro.

En el caso de la producción digital no es necesario. En cine de celuloide generalmente, se entrega una

copia del guión y breakdown a todo el crew, el representante de cada rubro hace una lista de

requerimientos y se encarga de ellos en su mayoría. En el cine digital, las producciones necesitan menos

gente, lo que facilita la comunicación dentro de cada departamento. En la copia de cada guión que se

otorga, aparecen automáticamente los requerimientos de cada rubro por color y el encargado de cada

departamento puede realizar su lista de requerimientos directamente del guión literario desglosado, sin

pasar por el formato de breakdown.

1.1.6. SHOOTING LIST, GUIÓN TÉCNICO, PLAN DE RODAJE

El shooting list es la lista de tomas, comprende tipo de plano y orden en que serán grabadas. El guión

técnico es la parte técnica de cada toma, contiene: secuencia, toma, tipo de plano, descripción del plano

y audio del plano. El plan de rodaje es el formato que nos organiza la grabación, para aprovechar tiempo

y hacer la grabación lo más fluida posible.

Estos tres formatos son muy útiles en una grabación. Los tres organizan la producción y relacionan la

toma, con los requerimientos técnicos y el acomodo específico para no desperdiciar tiempo. En una

producción en cine, se requiere mucha más gente con instrucciones mucho más específicas. Por lo que

podría justificar tres formatos muy parecidos en una misma producción. En digital, se pueden simplificar

estos formatos, creando sólo uno, que contenga lo mismo que dichos tres formatos juntos.

Orden de

grabación

No.de

toma

Tipo de

plano

Descripción Duración

de plano

Duración

de

grabación

Fecha de

grabación

Horario

de

grabación

1.1.7. PLANTAS DE CÁMARA Y LUZ

Es recomendado realizar las plantas de cámara y luz el mismo día que se haga el storyboard en la locación

y con medidas reales, para que con tiempo el director, el fotógrafo, el iluminador y el gaffer, cada uno

vea en su rubro la distribución de espacios para lograr una mejor coordinación.

1.1.8. PRESUPUESTO

El presupuesto se dividirá en dos: el interno y el externo.

El interno, son los costos reales de cada mínimo gasto que se hizo o que se va a hacer. Este presupuesto

se va a ir completando durante el transcurso de la producción. Cada gasto debe de estar comprobado

con una factura (en caso de necesitarla para deducir impuestos) o una nota, para justificar la salida de

capital. Este presupuesto representa el costo real de la producción, siempre se debe dejar un margen de

error, es decir, una caja chica, para los imprevistos que puedan surgir. En el presupuesto de una

producción, se deben incluir todo tipo de gastos, para que ningún participante en el proyecto, tenga que

invertir de su bolsa. Se deben incluir gastos desde las impresiones del guión, la gasolina para ir a hacer

el scouting hasta la compra de mini dv’s y dvd’s para la distribución.

El presupuesto externo, es el que va a ser presentado a patrocinadores. Que incluye, un aproximado del

presupuesto interno con un buen margen de error (dado que la producción todavía no se ha realizado),

los costos de distribución y difusión, la campaña de publicidad y las ruedas de prensa, así como el salario

del crew. El presupuesto real de la producción debe ser multiplicado por tres, para no errar con la

cantidad a solicitar, una de las ventajas más grandes del medio digital es el bajo costo, por lo que, si la

cantidad se multiplica por tres, el precio no se disparará tanto como sucedería si fuera en celuloide, que

es el medio con el que los patrocinadores están más familiarizados. Con un buen presupuesto, se puede

seducir al patrocinador presentando la inversión como una campaña de publicidad y como apoyo al arte,

sin tener necesariamente que representar un riesgo de capital. Cuando se va a pedir un patrocinio sin

tener el producto audiovisual terminado, se debe contar con el suficiente margen de error, para no tener

que volver a pedir dinero. En dado caso de que esto pase, de preferencia se busca patrocinio a otra

empresa, para no dejar una mala impresión a los patrocinadores ya existentes.

1.1.9. NECESIDADES TÉCNICAS

Las necesidades técnicas dependen del medio, es decir, en el caso de la producción digital, son los

requerimientos que se necesitan para lograr que el producto audiovisual se logre. La mayoría de las

producciones digitales tienen pocas necesidades técnicas (comparadas con las del celuloide), ya que la

tecnología digital resuelve muchos problemas desde la cámara. En cine, las necesidades técnicas son

mucho mayores, los problemas técnicos se resuelven desde afuera para que la cámara las registre

correctamente. En digital, también, pero se puede manipular mucho más una cámara digital para lograr

las características de la imagen y que en cine se tienen que controlar desde afuera.

1.1.10. NECESIDADES HUMANAS

Las necesidades humanas es un listado de todas las personas que van a participar en la producción (Crew

list), se recomienda hacer una agenda con todos los datos posibles de cada uno, para facilitar la

localización de cada uno de los colaboradores. Toda producción audiovisual debe estar separada por

rubros y cada rubro tiene que tener su representante que se responsabilice de todo lo que tenga que

ver con su rubro, para asegurar que la producción marche bien y en caso de que algo falle, el encargado

solucione el problema. La producción audiovisual se separa en los siguientes rubros:

PRODUCCIÓN

DIRECCIÓN

FOTOGRAFÍA

ILUMINACIÓN

DIRECCIÓN DE ARTE-Maquillaje y vestuario.

AUDIO

GAFFER-staff

POSTPRODUCCIÓN

1.1.11. LISTA DE REQUERIMIENTOS

Una vez que cada departamento haga su lista de requerimientos, se revisa entre el productor y el

representante de cada rubro, para asegurarse que nada contenido en el guión falte, y para detectar

aquellos requerimientos que necesiten de la intervención del productor, para que éste, los tenga en

cuenta y a tiempo antes de la producción.

Selección y análisis de ideas:

• Ideas propias

• Equipo propio de asesores en guiones.

• Adaptaciones literarias.

• Guionistas contratados.

• Noticias, sucesos etc.

• Remakes. “Remake” quiere decir literalmente rehacer. Se trata de una película que reproduce

en lo esencial una obra anterior, manteniendo personajes, tramas, e incluso la historia completa.

• Propuestas de agentes- representantes.

Criterios de la idea: originalidad, oportunismo, actualidad, denuncia, comicidad, espectacularidad,

tradición, etc.

Target es el público objetivo a quien va dirigido el proyecto. Esta elección determina el estilo y el

desarrollo de la idea.

Standard comercial: tenemos que elegir el formato más adecuado al proyecto. Las características

técnicas de su reproducción serán importantes a la hora de elegir el formato (cine, tv, multimedia,

etc.)

Duración: el producto ha de adaptarse a las reglas del mercado (duración, cortes publicitarios)

Aspectos formales: hay que hacer un planteamiento de estilo visual. Hay que adaptar el estilo visual

al tema.

Valores de la producción:

• La historia es la base sobre la que sustenta el proyecto.

• Los actores: son un factor fundamental para el éxito del proyecto.

• Espectáculo: la espectacularidad es un valor más de la producción. Grandes escenarios, etc.

• La música: aporta muchos colores de producción.

•

EL RACCORD

El Raccord se define como la relación de continuidad entre un plano y su precedente y/o siguiente,

continuidad en relación a la narrativa y a lo visual. Esa continuidad viene determinada por una serie de

factores que enlazan fluidamente la acción de un sujeto en sus sucesivos planos movimiento o dirección

de recorrido, dirección y nivel de su mirada, iluminación, colocación de objetos y atrezzo, sonido en

cuanto a su nivel, posición y relación con el sonido ambiente, etc.

SONIDO

Es fundamental establecer una base de trabajo primaria, el documental se basa fundamentalmente en

los diálogos, son los diálogos los que cuentan la historia y los que nos marcan el hilo conductor y

argumento de lo que estamos viendo, por lo tanto, siempre nuestro trabajo debe ir encaminado a hacer

inteligibles dichos diálogos (en música se embellece la voz y puede que no importe que quede

enmascarada toda o en parte). En el documental los diálogos deben de ser claros, inteligibles y estar en

un plano sonoro que sean entendibles por la audiencia.

EL COLOR

El papel que juega el color en la composición de una imagen es diverso:

• Predominio de azules y verdes sugieren frio, sombra, quietud, serenidad, etc…Estos colores

llamados frios se contraen, parecen ocupar menos espacio en la imagen.

• Predominio de rojos y amarillos sugiere luz, calor, dinamismos, optimismo, etc. Estos colores

llamados cálidos se expanden, es decir parecen acercarse al espectador.

• Tonalidades ligeras y suaves (colores pasteles) sugieren delicadeza, espacio, ternura, etc.

REGLA DEL AIRE

Hay que procurar dejar aire o espacio hacia dónde camina o mira el sujeto fotografiado para que el

espectador pueda continuar mentalmente el recorrido del sujeto o de la mirada. Además los planos

se deben de ajustar con un aire superior más bien justo, no debe sobrar mucho espacio por arriba.

(El sujeto no pilla todo el espacio)