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ABSTRACIONISMO: UMA EXPERIÊNCIA EM ARTE PARA O ENSINO

MÉDIO

Autor: Danila Calderon 1

Orientador: Claudia Cirineu F. Monteiro2

Resumo

O presente artigo relata a experiência realizada na disciplina de Arte, no segundo ano do Ensino Médio, no Colégio Estadual Almirante Tamandaré, município de Cruzeiro do Oeste, núcleo regional de ensino de Umuarama - Paraná. A atividade desenvolvida faz parte do Programa de Desenvolvimento Educacional (PDE) e foi possibilitada pela aplicação da Unidade Didática denominada: “Abstracionismo: ruptura com o real e novas possibilidades de expressões humanas”. Com o intuito de possibilitar a compreensão da Arte como uma das formas da expressão humana, realizaram-se aulas com base no material didático, com o objetivo de possibilitar aos (as) estudantes referências que contribuíssem para a compreensão da Arte como consequência do trabalho humano, e para o reconhecimento do Abstracionismo como um movimento de contraposição e ruptura com as ideias impostas para a apreciação da Arte até aquele momento histórico. Acreditando na ideia de que o processo de ensino deve proporcionar aos indivíduos a apreensão de conceitos, ao invés da memorização, procurou-se permitir aos alunos momentos de discussão e apreciação da Arte Abstrata como aquela que desvincula da realidade e da obra imprimindo em suas linhas, cores, planos e significados algo mais além da realidade visível. Seguindo os pressupostos da Teoria Histórico-Cultural as atividades contidas na Unidade Temática e aplicada aos (as) estudantes buscaram possibilitar conhecimentos que lhes permitiram interagir com o mundo, expressar sentimentos e ideias, além de perceber-se como agente de transformação, por meio da percepção de que a Arte carrega em si esse poder de mudança.

PALAVRAS-CHAVE: Arte; Abstracionismo; Expressão Humana.

1 Professora da Rede Pública Estadual do Paraná. Atua como professora de Arte no Ensino

Fundamental, séries finais, e Ensino Médio do Colégio Estadual Almirante Tamandaré de Cruzeiro do Oeste- PR. Participante do Programa de Desenvolvimento Educacional – PDE/PR (2010-2011), da área de Arte, do Núcleo Regional de Umuarama. 2 Profª. Ms. Cláudia C. F. Monteiro, Coordenadora do Curso de Design. Universidade Estadual

de Maringá (UEM)

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1- INTRODUÇÃO

Toda obra de arte é filha de seu tempo e, muitas vezes, mãe dos nossos sentimentos. (Wassily Kandinsky)

O Estado do Paraná iniciou em 2007 um programa inovador de

formação continuada, para professores da educação básica, denominado

Programa de Desenvolvimento Educacional (PDE).

Este programa permite ao profissional afastar-se das suas atividades

docentes, durante dois anos, para que possa dedicar-se aos estudos que são

organizados por uma Instituição de Ensino Superior (IES), em parceria com a

Secretaria de Estado da Educação.

Durante o programa o professor deve desenvolver uma série de

atividades, tendo como objetivo contribuir para a melhoria da educação pública

e básica paranaense. As atividades desenvolvidas são orientadas por um

professor da IES e entre elas estão: uma Proposta de Intervenção Pedagógica,

no caso escolheu-se uma Unidade Temática sobre o Abstracionismo. A

proposta é discutida em rede por meio do GTR (Grupo de Trabalho em Rede),

com quinze professores, através da plataforma de Educação a Distância

Moodle.

A unidade Temática produzida é aplicada na escola da qual o professor

foi afastado para realizar o programa. Após a implementação e a socialização

das atividades propostas, o professor deve elaborar um artigo científico

abordando o trabalho realizado.

Ao ingressar no PDE é sugerido que o professor analise os principais

aspectos que possam contribuir para a melhoria da educação. Ao pensar-se

no objetivo do programa escolheu-se o tema Abstracionismo por acreditar que

a Arte tem uma grande contribuição na formação integral dos estudantes.

A arte é um instrumento de importância para o desvelar das origens e

da história da humanidade. A partir de suas produções é possível interpretar a

evolução humana, seus costumes, tradições, conflitos, crenças, etc.

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Por meio das distintas formas de expressão a Arte possibilita, não

somente, ao ser humano conhecer sua história, mas os processos criativos que

envolvem cada uma das linguagens artísticas, bem como as formas de realizá-

la.

Ao analisar-se uma obra pode-se reconhecer os vários conhecimentos

que se encerram nela, por exemplo, os materiais utilizados, a tecnologia em

sua execução, para que foi criada, entre outros conhecimentos. Em outras

palavras, é possível perceber que conhecimentos o produtor da obra tinha em

suas mãos no momento histórico de sua execução.

A arte é um instrumento de representação a serviço do homem desde

os primórdios, quando este sentiu necessidade de representar seu cotidiano e

imprimiu, ainda nas cavernas, cenas que demonstravam seu dia a dia, com a

finalidade mítica de reduzir a essência das coisas à sua origem. Ou seja, a arte

como modo de compreender a natureza, seus segredos e mistérios. Essa

representação passou a constituir a cultura desse homem ‘primitivo’. O material

utilizado para essas representações? Justamente o que se dispunha naquele

momento histórico: dejetos, argila, sangue, pigmentos vegetais. A partir dessa

representação outras formas de expressão foram se desenvolvendo como a

escultura em diversos materiais.

Nas aulas de Arte, ao estudar-se uma obra abstrata os alunos podem

deduzir que a mesma se define por formas e cores que não possuem relação

direta com a realidade visual. Em outras palavras, a arte abstrata é aquela que

desvincula realidade e obra, imprimindo em suas linhas, cores, planos e

significados algo mais além da realidade visível: o próprio estado de espírito

(raiva, saudade, amor, ódio, entre outros).

Conforme as orientações das DCEs – Paraná (2008), a disciplina de

Arte deve promover não só o conhecimento sobre as várias áreas da arte, mas

possibilitar ao aluno o trabalho de criação, que deve ser total e unitário,

permitindo a ele dominar não só o processo produtivo do objeto, desde a sua

criação, mas a escolha dos materiais e da metodologia a ser utilizada para a

consecução da produção que se propôs a executar. (PARANÁ, 2008, p. 62)

Com base nas diretrizes propostas pela SEED buscou-se oferecer

atividades nas quais os estudantes percebessem que o artista não é eterno,

porém sua obra pode perpetuar-se. Ao eternizar sua obra o artista possibilita

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ainda a apreensão do contexto histórico de sua época sendo possível traçar, a

partir dela, um paralelo entre as diferentes formas de expressão humana ao

longo do tempo.

Por meio das atividades tentou-se oferecer subsídios para a

compreensão de que o Abstracionismo é uma forma de representar a realidade

contrapondo-se a herança renascentista. Os subsídios teóricos apresentados

aos alunos foram escolhidos com o intuito de oferecer a eles a percepção das

causas históricas dessa contraposição. O abstracionismo traz em si a

possibilidade de representação subjetiva da realidade vivida, portanto as

atividades proporcionadas possibilitaram que que o aluno realizasse criações

em Arte refletindo esse movimento da Arte Moderna, ou seja, o

Abstracionismo.

Este artigo apresenta os resultados do projeto PDE que teve como

objetivo geral possibilitar aos estudantes da primeira série do Ensino Médio, o

reconhecimento do Abstracionismo como um movimento de contraposição e

ruptura com as ideias impostas para a apreciação da Arte até aquele momento

histórico e, como objetivos específicos, pretendeu-se pesquisar sobre o

abstracionismo para reconhece-lo como um movimento de ruptura e

contraposição de novas expressões humanas; Ler e discutir temas

relacionados a Arte, de modo específico ao Abstracionismo; Produzir trabalhos

artísticos com base nos movimentos artísticos estudados; Utilizar técnicas de

pintura para a realização dos trabalhos, a partir dos conhecimentos adquiridos,

porém com a utilização subjetiva; Discutir obras de arte e artistas a partir dos

filmes ‘O Sorriso de Monalisa’ e ‘Jackson Pollock’ e Realizar leituras e

releituras de obras de arte abstracionistas.

Entre as atividades propostas construiu-se uma Unidade Didática,

denominada: “Abstracionismo: ruptura com o real e novas possibilidades de

expressão humana, a ser aplicada nas aulas de Arte no segundo ano do

Ensino Médio no Colégio Estadual Almirante Tamandaré, município de

Cruzeiro do Oeste/PR.

As atividades realizadas em conjunto com a aplicação da Unidade

Didática foram feitas com trinta e dois alunos, numa sala mista de doze

meninos e vinte meninas, na qual os estudantes apresentavam idade entre

quinze e dezesseis anos. Esse grupo de estudantes é considerado, por grande

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parte dos professores que lecionavam na turma, um grupo cooperativo e

maduro, porém no início do trabalho houve certa resistência por parte de

alguns alunos.

Desse modo, os alunos sentiram-se coautores da própria história e

através de suas explicações ficou notória a expressão do sentimento de cada

um, passando a valorizar a disciplina e participar mais ativamente das

atividades desenvolvidas ao longo da implementação.

2. Desenvolvimento

2.1 A arte abstrata: movimento de contraposição e ruptura

O abstracionismo ou arte abstrata é uma tendência nas artes plásticas

desenvolvida na Alemanha a partir do século XX. Nela os objetos ou pessoas

são representados de forma irreconhecível, ou seja, o artista não tem o

compromisso com o real com o visível e, portanto pode representar suas ideias

a partir de cores, texturas, formas, volume, tridimensionalidade, etc, sem o

compromisso de retratar formas naturais.

Para Maurício (2004), a arte abstrata teve um sucesso tão grande no

contexto da Arte Moderna que não é raro encontrar confusões no conceito de

abstração. Deve-se compreender que a arte abstrata é a expressão artística

que utiliza cores, formas e texturas, porém com a liberdade de desvincular sua

produção com o mundo visível, apesar da conexão que deve haver com o que

se vê.

Na arte abstrata não se representa somente o visível aos olhos, mas,

aquilo que é visível ao artista, em sua subjetividade, emoções, estado de

espírito, etc. Nesse sentido Gombrich (2006), observa, inclusive, que a palavra

‘abstrata’, para designar esse movimento , não foi bem escolhida, sugerindo

sua substituição por “não-figurativa’ ou não-objetiva. (GOMBRICH, 2006, p.

570)

Desse modo, ao contrário daquilo que difunde o senso comum a arte

abstrata, ou o abstracionismo, não é um conjunto de rabiscos e pingos de

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tintas. Assim como sublinha Costa (2004), quando afirma o Abstracionismo se

configura como um movimento artístico do século XX, que deixou de lado a

representação figurativa e por meio de diversos movimentos de ruptura,

iniciados pelo impressionismo, criou um novo modo de conceber à arte

(COSTA, 2004, p. 109).

Como uma tendência das artes plásticas o Abstracionismo

desenvolveu-se no início do século XX na Alemanha, baseando-se nas

experiências das vanguardas europeias. Por recusarem-se a receber a herança

renascentista das academias de arte, as obras do abstracionismo se negavam

a representar a realidade aparente, bem como reproduzirem figuras e

retratarem temas.

O abstracionismo se divide em: a) o informal, também denominado

subjetivo; b) o formal ou objetivo. O primeiro privilegia as formas livres e recebe

influência do expressionismo e do cubismo e o segundo as formas

geométricas, sem a intenção de expressar ideias ou sentimentos.

Vassíli Kandínski, nascido em 1866, na Rússia foi o primeiro artista a

nominar suas obras de ‘abstratas’, portanto ele é considerado o fundador do

movimento Abstrato Informal, e teve o Expressionismo como referência. Outra

referência para o Abstrato Informal é o artista suíço Paul Klee, nascido em

1879.

Com o advento da Segunda Guerra Mundial, que ocorreu entre 1939 a

1945, sob a influência do Abstracionismo informal, aparecem novas tendências

artísticas: o Expressionismo abstrato e o Abstracionismo gestual que chega às

Américas por meio das criações de Jacson Pollock.

Outra tendência do Abstracionismo é o ‘geométrico’ iniciada pelo russo,

Malevitch, nascido em 1878, e pelo holandês Piet Mondrian, nascido em 1872.

Malevitc criou quadros, nos quais as que figuras geométricas flutuam num

espaço sem perspectiva, inaugurando o suprematismo, que significa a

autonomia da forma.

Mondrian, que até o inicio de 1910 aproximava suas técnicas ao

Cubismo, começou a realizar obras, entre 1920 e 1940, com ângulos retos,

linhas verticais e horizontais que utilizavam apenas as cores primárias, com

toques de branco preto. Essas formas e cores retratavam, para ele, a essência

dos objetos. Após a influência do Abstracionismo geométrico, outras

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tendências se derivaram: o Construtivismo, o Concretismo e o Minimalismo.

(PROENÇA, 2002, p. 162)

O abstracionismo também teve adeptos no Brasil, surgindo nos anos

de 1950, com a contribuição de Iberê Camargo, Manabu Mabe, Fayga

Ostrower e outros. Não se pode esquecer também a influência da Bienal

Internacional de São Paulo, em 1951, que apresentou nomes como Cícero

Dias, Tomie Ohtake e Antonio Bandeira, entre outros.

Diante do exposto percebe-se que o Abstracionismo altera os valores

formais da arte, passando do mundo concreto para o subjetivo. O artista cria

suas imagens, e expressa uma realidade interior, não percebida até momento

histórico no qual começou a ser forjado esse movimento da Arte. Ou seja, nas

obras realizadas durante toda a história humana, ainda não havia essa ligação

ao mundo subjetivo, mas somente ao mundo concreto.

O abstracionismo, como já se explicitou, apresentou várias fases,

desde a mais sensível até a intelectualidade máxima, representada nas

tendências já nominadas. Podemos concluir que o Abstracionismo é um

conteúdo de suma importância no ensino da Arte, pois permite reflexões que

geram a compreensão da arte como expressão de diferentes linguagens

existentes e na humanização dos sentidos.

Assim como todas as outras disciplinas do currículo escolar, a arte,

deve possibilitar o desvelar das origens e da história da humanidade, sua

evolução, costumes, tradições, conflitos, crenças, etc., como já se assinalou. É

papel da escola, também, contribuir para a elevação das funções complexas do

pensamento dos educandos por meio da intencionalidade de promover a

aprendizagem. Para tanto a qualidade do conteúdo ensinado é fator

preponderante, ou seja, o objetivo da escola e, portanto, da disciplina de Arte

deve ser o de formar o indivíduo e não somente informá-lo.

O conteúdo mediado nessas relações pode promover o

desenvolvimento das funções mentais superiores, uma vez que ele (o

conteúdo) não modifica somente aquilo que o sujeito pensa, mas a forma como

ele pensa, como esclarece Oliveira (2005). Para a autora que defende as ideias

de Vygotsky, os signos são, “instrumentos psicológicos” , ou seja, “são

ferramentas que auxiliam a construção de processos psicológicos” , desse

modo, ao trabalhar com atividades práticas foi proporcionado aos estudantes

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ações mediadas capazes de elevar suas funções mentais. (OLIVEIRA, 2005, p.

30).

Destarte, ao proporcionar aos alunos o conhecimento dos conteúdos

presentes no tema “Abstracionismo”. Quer dizer, ao recordar os pressupostos

teóricos apontados por Vygotsky (2001), percebe-se que seu interesse pela

arte baseava-se na sua preocupação pela gênese da cultura. Assim sendo,

como enfatiza o autor, a arte é um dos sistemas de símbolos mais complexos

e, portanto contribui para a transformação dos sentimentos originais do ser

humano.

2.2 A organização das atividades de ensino com base na teoria Histórico-

Cultural

Para organizar as atividades de ensino propostas aos alunos durante o

processo de implementação da Unidade Didática sobre o Abstracionismo

buscou-se questionar o conhecimento a ser transmitido. A escola tem como

sua principal função a transmissão do saber historicamente acumulado.

Todavia é preciso estabelecer que conhecimentos são mais valiosos visando a

formação cognitiva dos indivíduos.

Segundo Vygotsky (2001), quando as atividades de aprendizagem são

organizadas de forma adequada é possível conduzir-se ao desenvolvimento.

Assim sendo deve-se enfatizar a qualidade da aprendizagem destinada aos

estudantes para que a escola cumpra seu papel de proporcionar instrumentos

para o desenvolvimento cognitivo dos mesmos.

Com base na Teoria Histórico-Cultural, cujo principal expoente é

Vygotsky, e na ideia de que a escola deve promover o desenvolvimento

cognitivo de seus alunos como pessoas ativas no processo de aprendizagem,

as atividades proporcionadas foram mediadas o tempo todo pelo professor.

A importância da escola no desenvolvimento cognitivo dos alunos é

defendida, com base nos estudos deste autor:

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Se as funções mentais são socializadas e reconstruídas por meio da comunicação, do inter-relacionamento, então, na escola, é preciso estar atento à qualidade das informações, do saber mediado na relação professor/aluno, uma vez que esse saber carrega em si potencialidades em termos de formação. O conteúdo escolar transforma-se em funções mentais, afetivas, psíquicas em geral, as quais compõem os fundamentos do pensamento. (PALANGANA, GALUCH e SFORNI, 2002, p, 115).

Dessa maneira ao pensar-se na qualidade das informações e

conteúdos prestados aos alunos visando o seu desenvolvimento cognitivo,

além do compromisso do professor como mediador das atividades de

aprendizagem proporcionou-se aos estudantes:

Leituras e discussões de textos teóricos, retirados da Unidade Didática,

elaborada pela professora PDE.

Pesquisas, por meio de outras referências teóricas e pelo uso do

Laboratório de Informática, no qual os alunos tiveram a oportunidade de

visitar museus e conhecer algumas obras e seus respectivos artistas.

Material de apoio para o processo de ensino-aprendizagem como slides

e filmes que ajudaram na compreensão da história da arte.

Recortes de produções cinematográficas: ‘O Sorriso de Monalisa’ e

‘Jackson Pollock’, aprofundando assim os conhecimentos sobre o

abstracionismo.

Apoio teórico e metodológico para a produção de obras de arte para que

os estudantes pudessem expressar a compreensão sobre os temas

abordados, fazendo releituras das obras de pintores renomados,

apresentados na Unidade Didática.

Organização das produções dos alunos em portfólios para que os

mesmos avaliassem sua evolução e apreciassem as atividades

realizadas.

Exposição das atividades em vários espaços da escola para apreciação

dos demais alunos. A exposição das obras foi acompanhada pelos seus

‘produtores’ que socializaram os conhecimentos adquiridos.

Com a finalidade de possibilitar qualidade ao processo de ensino

proporcionou-se durante todo o processo de intervenção momentos para que

os alunos pudessem questionar e responder questões sobre o tema para a

avaliação dos conhecimentos apreendidos.

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A avaliação é parte integrante dos processos de ensino e

aprendizagem, desse modo é o momento de observar se os conteúdos

ensinados foram apropriados. Como foi dito os conteúdos de aprendizagem

transformam-se em funções mentais e psíquicas. Ou seja, estes conteúdos se

constituem em elementos que modificam a forma como os estudantes pensam

e agem.

Assim sendo a Teoria Histórico-Cultural subsidiou, além da

compreensão que é necessária qualidade da aprendizagem, ideias acerca da

compreensão da Arte no desvelar da história humana. A arte é um instrumento

de grande importância para conhecer as origens e a história da humanidade

sendo que a partir de sua produção é possível interpretar a evolução humana,

seus costumes, tradições, conflitos, crenças, etc.

Por meio das distintas formas de expressão a Arte possibilita, não

somente, ao ser humano conhecer sua história, mas os processos criativos que

envolvem cada uma das linguagens artísticas, bem como as formas de realizá-

la.

Ao analisar-se uma obra pode-se reconhecer os vários conhecimentos

que se encerram nela, por exemplo: os materiais utilizados, a tecnologia em

sua execução, para que foi criada, entre outros conhecimentos. Em outras

palavras, é possível perceber que conhecimentos o produtor da obra tinha em

suas mãos no momento histórico de sua execução.

“Psicologia da Arte” foi a Tese de Doutorado que Vygotsky apresentou

em 1925 na Universidade de Moscou, porém só foi editada em 1970, na

mesma cidade, apresentada por Leontiev, um de seus discípulos. Em sua

Tese, defende que a arte é um conjunto de signos estéticos que tem por

objetivo provocar emoções nas pessoas. Portanto tentou estabelecer

explicações da influência da arte na vida do homem, a ação desta no

funcionamento mental do indivíduo, sempre levando em conta o contexto sócio

histórico.

[...] a arte é uma técnica social do sentimento, um instrumento da sociedade através do qual incorpora ao ciclo da vida social os aspectos mais íntimos e pessoais do nosso ser. Seria mais correto dizer que o sentimento não se torna social, mas, ao contrário, torna-se pessoal, quando cada um de nós vivencia uma obra de arte,

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converte-se em pessoal sem com isto deixar de continuar social. (VIGOTSKI, 2001, p. 315)

Ao defender esses pressupostos Vygotsky reconhece que além do

autor e do espectador a própria arte deve ser tomada como base de reflexão

haja vista que ela representa a possibilidade de reconhecer a cultura presente

na formação do indivíduo, ao longo de sua vivência.

2.3 Abstracionismo : a percepção dos alunos no desenvolvimento do

trabalho

Ao estudar-se uma obra abstrata, nas aulas de Arte, é comum os (as)

alunos (as) deduzirem que a mesma se define por formas e cores que não

possuem relação direta com a realidade visual. Em outras palavras, a arte

abstrata é aquela que desvincula realidade e obra, imprimindo em suas linhas,

cores, planos e significados algo mais além da realidade visível: o próprio

estado de espírito (raiva, saudade, amor, ódio, entre outros). Ou seja, não é

difícil que consigam “reconhecer” uma obra abstrata.

Entretanto, o ensino da Arte deve possibilitar outros acessos como, por

exemplo, às imagens e conteúdos que possibilitem aos estudantes a

compreensão de quem somos e de onde viemos. A Arte assim como outras

disciplinas do currículo deve possibilitar conhecimentos que lhes permitam

interagir com o mundo, expressar sentimentos e ideias, além de perceber-se

como agente de transformação, por meio da percepção de que a Arte carrega

em si esse poder de mudança.

Assim sendo durante o trabalho desenvolvido com os estudantes do

Ensino Médio, relatado neste artigo, procurou-se possibilitar aos (as)

estudantes referências que contribuíssem para a apreensão da Arte como

consequência do trabalho humano, e para o conhecimento do Abstracionismo

como um movimento de contraposição e ruptura com as ideias impostas para a

apreciação da Arte até naquele momento histórico.

Para desenvolver o trabalho foram utilizadas em média vinte aulas de

cinquenta minutos cada, nas quais utilizou-se a Unidade Didática intitulada:

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“Abstracionismo: ruptura com o real e novas possibilidades de expressão

humana”, além de leituras, releituras de obras de Arte e discussões sobre

conteúdos relacionados ao Abstracionismo.

Com o intuito de promover conhecimento sobre as várias áreas da

Arte, e instrumentalizar os estudantes para o trabalho de criação, buscou-se

permitir que dominassem não só o processo produtivo do objeto assim como a

escolha dos materiais e da metodologia a ser utilizada para a consecução da

produção que se propusessem a executar, assim como está estabelecido nas

Diretrizes Curriculares Paranaenses para o ensino da Arte.

O trabalho iniciou-se a partir da conceituação da Arte. Com essa

atividade os estudantes puderam refletir e responder questões como: A arte

pode ser conceituada através de uma única definição? É ela um instrumento de

reprodução a serviço do homem, uma técnica social do sentimento ou é uma

forma de expressão? A partir das produções artísticas é possível interpretar a

evolução humana, costumes, tradições, crenças, etc.? Arte é para todos ou é

só para os gênios? Afinal o que é Arte?

A partir desses questionamentos percebeu-se que os estudantes

passaram a refletir mais sobre o significado da Arte e se dispuseram a

aprofundar seus conhecimentos e, inclusive, formularam suas próprias

definições.

Outra atividade proporcionada foi a análise das pinturas rupestres a

partir das quais os alunos inferiram que a produção humana em Arte não tem

apenas um aspecto utilitário, mas o desejo de expressar sentimentos, de

imprimir determinada visão do momento histórico e que a arte, em suas

distintas formas de expressão possibilita ao ser humano descrever sua história,

e reconhecer os processos criativos que envolvem cada uma das linguagens

artísticas, bem como as formas de realizá-la.

Nesse momento do trabalho foi interessante perceber as observações

dos alunos sobre a Arte nesse período: “professora, então quer dizer que o

homem da pré-história, apesar de não escrever já tentava se comunicar pela

Arte?”. A ideia do aluno foi completada por outra colega: “acho que eles

tentavam expressar o seu dia-a-dia, pois parece que eles estão descrevendo

as caçadas”.

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Partindo da observação dos alunos foi possível complementar que

além dos aspectos do cotidiano o homem da pré-história utilizava-se de

recursos materiais presentes na natureza: extrato de plantas como árvores e

frutos, sangue e gordura de animais, carvão, e outras rochas etc.

Para que os estudantes pudessem conhecer, analisar e apreciar a arte,

superando uma visão restrita ao gosto pessoal possibilitou-se um paralelo entre

a Arte Figurativa e a Arte Moderna. Após análises de imagens desses

movimentos concluíram que a primeira se baseia no uso de imagens

semelhantes à aparência visível do mundo e que a segunda extrapola a

aparência real podendo exprimir o real sem compromisso com o

“imediatamente perceptível”, segundo as conclusões dos próprios alunos.

Os vários movimentos da Arte puderam ser explorados a partir de

recortes do filme: O Sorriso de Monalisa, que retrata uma professora de

História da Arte bastante moderna para seu tempo e que proporcionava aos

seus alunos uma reflexão sobre as obras de Arte e não somente a

memorização de obras e pintores.

Na atividade do Impressionismo os alunos puderam perceber que ao

invés de retratarem a realidade aparente os pintores buscavam novas formas

de expressão evocando a sensação da cor, da luz e do movimento em suas

composições, ausência do efeito linear, as figuras são transformadas em

massas coloridas rejeitando assim a tradição acadêmica de representação do

mundo.

No trabalho de pontilhismo consistia em justapor pontos de cores

brilhantes e contrastantes para que a forma fosse percebida sem que se

usasse a linha para contorná-la. Nessa atividade os alunos puderam perceber

que o pontilhismo é uma técnica na qual se utilizam cores não primárias,

geradas pelo efeito visual da proximidade dos pontos que são realizados na

tela com as cores primárias.

Partindo de várias obras apresentadas em slides os estudantes

observaram que quando são enxergadas a certa distância os pontos utilizados

nas telas podem ser distinguidos produzindo um efeito visual no qual é possível

distinguir-se outras cores. Ou seja, com um mesmo conjunto de cores primárias

é gerado uma gama de cores diferentes se comparados com obras nas quais

os artistas utilizam técnicas de mistura de cores ou cores tradicionais. Com

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base nessas conclusões os estudantes observaram que no pontilhismo a

percepção do observador é quem mistura as cores, como pode ser notado na

observação de um dos alunos: “ Eu notei que no caso dessa técnica é o olho

de quem vê a figura que faz a mistura das cores e não o pincel do artista.”

Conforme as atividades se realizavam os alunos percebiam os diversos

movimentos da Arte e sua relação com o momento histórico nos quais foram

produzidos. Assim notaram que no movimento expressionista a pintura é

dramática, subjetiva e expressa os sentimentos humanos. Por meio de cores

marcantes (fortes) os artistas dão forma plástica ao amor, ao ciúme, ao medo,

à solidão, à prostituição e a miséria humana, entre outras expressões,

apresentado uma figura deformada, acentuando as características dos

sentimentos retratados.

Como atividade prática para trabalhar o movimento expressionista os

estudantes escolheram um dos temas apresentados e realizaram pinturas no

estilo expressionista, que muito agradou os olhares da comunidade.

Em continuidade ao desenvolvimento do material pedagógico realizado

estudou-se o fauvismo, cujo significado era “feras”, pois assim eram chamados

os pintores, a pintura “fauve”. Baseava-se no uso de cores puras, violentas e

contrastantes, as tintas são aplicadas diretamente do tubo de tinta para a tela,

sem misturá-las ou matizá-las. Suas pinturas mostram o mundo simplificado

em formas vívidas, com ausência de grande parte de detalhes.

Foram mostrados através de obras de arte cubistas as diferenças entre

o cubismo analítico e o cubismo sintético. No cubismo Analítico, a cor era

moderada e as formas eram predominantemente geométricas e

desestruturadas pelo desmembramento de suas partes equivalentes,

ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas

também de decifrá-la, ou melhor, analisá-la para entender seu significado, já no

cubismo Sintético, as cores são mais fortes e as formas tentavam tornar as

figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e

também com pequenas partes de jornal.

Ao estudar-se o movimento futurista os estudantes puderam perceber

que o mesmo teve como característica principal a representação da velocidade.

Para refletir a velocidade na pintura, os artistas futuristas recorrem a repetição

de traços nas figuras, não se interessando apenas em pintar um automóvel, por

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exemplo, mas captar em forma plástica a velocidade descrita por ele no

espaço. Ou seja, a velocidade altera a percepção visual do homem.

No movimento dadaísta, cuja característica principal é a ruptura com as

formas de arte tradicionais, propunha-se uma arte que chocava a sociedade da

época. Trazia-se para os ateliês objetos do cotidiano e dava-se uma nova

função a eles, expondo-os como obras de arte.

Neste momento de aprendizagem os alunos tiveram a oportunidade,

por meio de diversas atividades de perceberem a diferença entre o Dadaísmo e

o Surrealismo, visto que ambos utilizam o automatismo psíquico, mas o

dadaísmo expressa as decepções dos intelectuais e artistas e não possui

doutrina ou princípios artísticos definidos (anarquistas); já o surrealismo

expressa a liberdade absoluta, que escapa as limitações da vida consciente.

Para uma compreensão mais profunda do Surrealismo foram feitos

vários questionamentos aos estudantes: O que significa a palavra surreal, é

mais do que real ou além do real? O que é preciso para se produzir uma

pintura surrealista? Bastam sonhos, delírios ou pode-se compor algumas ideias

irreais mesmo estando acordado? Após os questionamentos foram

desenvolvidas atividades de releitura de obras surrealistas de autores famosos.

Visto toda a evolução dos movimentos da arte moderna chegou-se ao

movimento principal da Unidade Didática que é Abstracionismo, objetivo

principal da construção da mesma e ponto central das atividades de

aprendizagem, haja vista tratar-se do tema principal para o aprofundamento

teórico.

Com a finalidade de preparar os alunos para a aprendizagem e

aprofundamento do tema, além do objetivo de reconhecer que saberes os

alunos já haviam apreendido do tema Abstracionismo, questionou-se o

seguinte: Qual a finalidade de tantos riscos e rabiscos? As obras abstratas têm

aparência de objetos presentes no mundo que nos cerca? Você consegue

definir qual significado da imagem vista em um quadro abstrato? Ao observar

os elementos que compõem uma obra abstrata, as formas, as cores, os claros

e escuros, a textura da tinta e as marcas das pinceladas você vê semelhanças

dessas formas com algo que possa ser nomeado, ou seja, real?

A pintura abstrata, embora livre do compromisso de reproduzir formas

reais, como é o caso da pintura figurativa, requer senso de organização como

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qualquer outro trabalho expressivo, ao contrário do que pensam alguns

apreciadores despreparados que exclamam: Isso é Arte? .

Estudou-se também a diferença entre o abstracionismo geométrico,

informal e o abstracionismo no Brasil, foram feitos pesquisas de autores

brasileiros e obras abstratas. O abstracionismo também teve adeptos no Brasil,

surgindo nos anos de 1950, com a contribuição de Iberê Camargo, Manabu

Mabe, Fayga Ostrower e outros. Não se pode esquecer também a influência da

Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, que apresentou nomes como

Cícero Dias, Tomie Ohtake e Antônio Bandeira, entre outros.

O Movimento abstracionista divide-se em cinco fases, portanto todas

foram apresentadas aos alunos no intuito de melhorar a compreensão do

Abstracionismo, tema principal do trabalho desenvolvido:

1º Movimento: “Der Blauer Reiter” (O Cavaleiro Azul) - o artista é livre

para expressar seus sentimentos interiores, usando a forma, a cor e a linha,

sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior.

Ao trabalhar esse movimento foi proposta uma pesquisa sobre Wassily

Kandinsky (1866-1944), um artista russo pioneiro do Abstracionismo nas artes

plásticas. Ao estudar esse movimento os alunos puderam analisar a obra: “O

Cavaleiro Azul”, uma obra que Kandinsky produziu em 1903, retratando uma

imagem bastante comum de sua infância. A obra apresentava um personagem

dos contos de fada da infância do artista e simbolizava o combate entre o bem

e o mal.

Ao apresentarem a pesquisa biográfica sobre o autor, os alunos

observaram que: “o artista utilizou sua obra para mostrar o que ele viveu na

sua vida de criança”. Essa ressalva apresentada por uma aluna veio confirmar

a ideia que se busca apresentar sobre os artistas. É necessário que os

estudantes reconheçam que por detrás de um artista existe um ser humano. No

caso de Kandinsky os estudantes observaram que ele era uma pessoa

comum, pois assim como muitos deles, o artista em questão era filho de pais

separados e foi criado por uma tia.

2º Movimento: Suprematismo (1913) neste movimento foram realizadas

pesquisas de autores renomados que utilizavam a técnica mista, sendo feito

trabalhos com colagens e pintura, utilizando diversos suportes e materiais para

17

a elaboração da obra composta com os principais elementos do suprematismo

(retângulo, círculo, triângulo e a cruz).

3º Movimento: Neoplasticismo – desenvolveu-se na Holanda uma nova

fase da arte abstrata. Utilizava-se como elemento de base uma superfície

plana, retangular e as três cores primárias: vermelho, amarelo e azul, com um

pouco de preto e branco. O Neoplasticismo se refere às linhas negras

horizontais e verticais em fundo branco acinzentado, no qual Mondrian

acrescentou blocos de cores primárias.

4º Movimento: Arte Abstrata Americana - O abstracionismo cresce e se

desenvolve nas Américas, chegando a criação de um estilo original. Pintura de

ação, gestual. Sua pintura é linear e a maior característica é que ela apresenta

um movimento, que é resultado de um gesto, derramando a tinta, ou usando

bisnagas, pinceis ou as próprias mãos, na execução da obra. Ela é

espontânea, livre e instintiva.

Com o intuito de possibilitar a compreensão desse movimento

apresentaram-se recortes do filme: Jackson Pollock, um pintor estadunidense

da década de cinquenta. Ele aderiu à técnica de pintura por gotejamento criada

por Marx Ernst. Nessa técnica o artista respinga tinta nos painéis de pintura de

modo que os pingos escorridos formam traços que se entrelaçam.

Pollock iniciava suas pinturas a partir de um ponto, de um único pingo

de tinta que deixava cair sobre a tela. Assim como o artista os estudantes

puderam experimentar a técnica trabalhando suas telas no chão e utilizando-

se, assim como Pollock, de pedaços de madeiras, dos recipientes com tinta e

até das próprias mãos.

5º Movimento: “Cobra” - criado na Holanda, tem por característica a

pintura é gestual, livre e violenta na escolha de cores e texturas. Neste trabalho

foram confeccionados papel de presente com a técnica de pintura gestual.

Ao término das vinte aulas propostas e com o apoio do Material

Didático muitas conclusões foram possíveis, entre elas que a arte é um

instrumento de representação a serviço do homem desde os primórdios.

Quando este sentiu necessidade de representar seu cotidiano e imprimiu, ainda

nas cavernas, cenas que demonstravam seu dia a dia, com a finalidade mítica

de reduzir a essência das coisas à sua origem.

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A Arte possibilita ao individuo infinitas formas de produzir seus

trabalhos visando a atuação deste em sua realidade singular e social,

justificando assim o ensino de Arte e o resultado deste artigo.

Como conhecimento da realidade, a arte pode revelar aspectos do real, não em sua objetividade – o que constitui tarefa específica da ciência –, mas em sua relação com a individualidade humana. Assim, a existência humana é o objeto específico da arte, ainda que nem sempre o homem seja o objeto da representação artística. A arte, como forma sensível, apresenta não uma imitação da realidade, mas uma visão do mundo socialmente construída através da maneira específica com que a percepção do artista a apreende. (PARANÁ, 2008, p 57)

Baseando-se no exposto as atividades realizadas com os alunos do

ensino médio possibilitaram vivenciar na prática os elementos que estruturam e

organizam as Artes Visuais.

A partir dos conhecimentos presentes no Abstracionismo os estudantes

puderam compreender a Arte ao longo da História e sua relação com a

sociedade contemporânea, assim os alunos passaram a gostar mais desta

disciplina, e alguns disseram que “Estudar arte através de contextualizações,

vídeos, telas é bem mais interessante”, desta forma, é possível perceber que é

latente a necessidade de se desenvolver novas técnicas de ensino da Arte para

os alunos do ensino médio, e, cabe ao professor procurar novas formas de

ensinar. Assim a proposta deste projeto colabora com a proposta do PDE que é

formar e possibilitar aos docentes novas oportunidades de especialização da

sua formação.

2.4 Grupo de Trabalho em Rede (GTR): socialização do trabalho

desenvolvido

Este trabalho também passou pelo crivo de muitos professores da rede

pública por meio do GTR (Grupo de Trabalho em Rede). Todos ao participarem

do curso foram categóricos ao afirmar que o trabalho daria certo, pois o projeto

de intervenção apresentava uma maneira diferente de ensinar, colocando a

possibilidade de interdisciplinaridade com a língua Portuguesa e História.

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Assim a capacitação em rede é algo bem desafiador para o tutor e, do ponto de

vista dos professores participantes do GTR, esse tipo de capacitação traz

muitos benefícios, como fica evidenciado nos testemunhos que foram dados

durante o curso.

De acordo com o professor participante do GTR “Ao ler, refletir e

analisar o conteúdo da produção didático pedagógico, achei excelente, pela

diversidade e abordagem dos diferentes gêneros artísticos. Proporcionando ao

professor e aluno, um conhecimento contextualizado. Dos conteúdos destaco a

arte figurativa e abstrata quanto a sua significação.

A arte figurativa por fazer parte de nosso visual cotidiano, permite

estabelecer várias relações e sintetizar os elementos concretos da realidade. E

a arte abstrata é aquela que procura transmitir a qualidade ou propriedade de

um objeto sem representá-lo sob uma forma definida. Amplia, da asas a

imaginação. “Gosto de trabalhar com as diferentes fases do abstracionismo

para que o aluno possa conhecer e entender o processo de criação e

enriquecer, criar e apreciar as diferentes características da arte abstrata.”

Relacionado a discussão de textos, um dos participantes aponta que

“Assim como você acredito que com um trabalho de discussões de textos,

imagens vistas e analisadas, trabalhos práticos e teóricos os alunos passarão a

ter uma visão um pouco mais aguçada sobre a Arte e a sua presença no

cotidiano.” Outro participante aborda que “E é através dessas atividades que

nossos alunos vão aprendendo a valorizar a arte, pois muitas vezes quando

chega até nós arte para eles é só "desenho livre" e aos poucos vão

percebendo que ha muita história na arte e que livre é a criatividade de cada

um ao realizar a atividade proposta pelo professor com base nos movimentos e

períodos.”

Sobre a produção didática pedagógica um dos participantes afirma que

“A produção Didático Pedagógica está muito boa, gostei muito do conteúdo

material, pois esta pertinente com a realidade da escola pública, onde os

recursos e os materiais são escassos, bem como, o padrão socioeconômico

dos alunos não propicia a aquisição dos recursos materiais necessários para a

disciplina de arte. No entanto, com técnica, planejamento, conhecimento,

dedicação, boa vontade e criatividade, torna-se possível oferecer aos alunos

um ensino de qualidade, pois, as atividades propostas são viáveis, e os

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materiais didáticos possuem baixo custo, o que facilita ao colégio disponibilizar

os meios materiais, para os alunos menos favorecidos. Assegurando

democraticamente que todos possam participar das aulas práticas,

igualitariamente; conhecendo, aprimorando e desenvolvendo técnicas

diversificadas, o que torna as aulas mais prazerosas e motivadoras,

contribuindo em muito na capacitação pessoal e no desenvolvimento da

cidadania. O projeto de Intervenção Pedagógica, tem como prioridade

promover uma melhoria do processo ensino aprendizagem, primeiramente

diagnosticando, para então, partindo da realidade intervir de maneira a superar

os obstáculos e as dificuldades encontradas.”

Esses depoimentos auxiliaram a troca de experiência e permitiram que

o trabalho fosse sendo implementado ao longo das aulas com os alunos,

permitindo que as mesmas se tornassem cada vez mais dinâmicas e

participativas.

3 Considerações finais

A Arte é consequência do trabalho desenvolvido pelo homem no

esforço de interpretar a natureza e colocá-la a seu serviço. A partir da

necessidade de adaptar-se ao meio o homem transformou-se em um criador

que a princípio representava sua própria vida, mas com o desenrolar da história

da humanidade passa a representar inclusive sua forma de ver, pensar, sentir e

intervir em seu meio.

Como a Arte faz parte do cotidiano humano desde o início de sua

existência, hoje, mais do que nunca, é necessário que os alunos estejam

inseridos no processo artístico, uma vez que a mesma traz em si a

possibilidade de representação e reconhecimento do mundo no qual o aluno

está inserido.

A Arte é também fator de integração entre as pessoas, uma vez que a

mesma possibilita outras formas de expressão, podendo através dela

demonstrar aquilo que sente ou pensa, além de fazer com que o indivíduo

tenha uma análise crítica daquilo que vê, ouve, assiste ou faz.

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Em cada obra de arte há uma experiência de vida a ser transmitida. A

obra não existe somente para o seu produtor, mas para quem a contempla,

haja vista que cada ato de contemplação possibilita a recriação da obra por

meio da releitura que cada espectador faz dela. Essa recriação ocorre, pois a

cada novo olhar é possível perceber novos horizontes, detalhes antes não

captados.

Nem sempre os indivíduos se utilizaram da Arte para representarem a

realidade tal com ela estava posta, ou seja, a realidade aparente, mas para

exprimir emoções, demonstrar a essência dos objetos a partir da

decomposição da figura, do uso convencional de sombra e luz, buscando

outras possibilidades de representações e apreciações.

Por apresentar muitas possibilidades não é difícil ouvir-se

questionamentos sobre o que de fato é a arte. Algumas obras causam

estranheza e perturbação, outras elevação e plenitude. O fato é que ao

produzir sua existência o homem criou também a necessidade de expressão. A

arte representa essa possibilidade e cabe a escola permitir, por meio de seus

conteúdos e pela mediação do professor, que o educando a perceba.

Por isso, ao desenvolver o presente projeto nas aulas de Arte e ao

estudar-se obras abstratas os alunos puderam deduzir que a mesma se define

por formas e cores que não possuem relação direta com a realidade visual. Em

outras palavras apreenderam a arte abstrata como aquela que desvincula

realidade e obra, imprimindo em suas linhas, cores, planos e significados algo

mais além da realidade visível: o próprio estado de espírito (raiva, saudade,

amor, ódio, entre outros).

Sabendo-se que um artista não é eterno, mas sua obra pode

perpetuar-se, inclusive com a possibilidade de comunicar o contexto histórico

da sua época, como já foi dito, foi possível, através do trabalho realizado e

objeto deste artigo, traçar um paralelo entre as diferentes formas de expressão

humana ao longo do tempo.

Pode-se perceber, claramente, no decorrer da implementação, a

progressão dos alunos na interpretação e análise das obras, posto que

realizaram as atividades, de forma concreta e bem próxima do expressado

pelos artistas. Com essa proximidade com a teoria estudada e a prática

experimentada nas produções artísticas dos alunos foi possível colocá-los

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como sujeitos no processo de aprendizagem. Ao possibilitar a atividade

cognitiva dos mesmos acredita-se ter contribuído para o desenvolvimento de

suas funções psicológicas superiores. Ou seja, as atividades concretas

permitiram a apropriação de conhecimentos, ou bens culturais, por meio de

ações organizadas de ensino, conforme os pressupostos da Teoria Histórico-

Cultural.

A experiência obtida ao final da implementação deste projeto propiciou

uma reflexão sobre a necessidade de investimento na formação continuada

dos professores e o impacto que essa formação tem na vida do aluno na

instituição escolar, pois ninguém dá aquilo que não tem, e à medida que o

professor estuda ele ajuda os alunos a buscar também o conhecimento.

Durante o desenvolvimento do trabalho exposto no presente artigo

enfrentou-se muitos problemas, porém apesar das dificuldades, pode-se dizer

ouve êxito. A partir das atividades expostas acredita-se que o ensino de Arte

ganha novo aspecto, novas estruturas superando as expectativas

determinadas para o projeto.

Enfim, o trabalho desenvolvido esteve também em conformidade com

as orientações das DCEs (Diretrizes Curriculares) – Paraná, que estabelece

que a disciplina de Arte deve promover não só o conhecimento sobre as várias

áreas da arte, mas possibilitar ao aluno o trabalho de criação, que deve ser

total e unitário, permitindo a ele dominar não só o processo produtivo do objeto,

desde a sua criação, mas a escolha dos materiais e da metodologia a ser

utilizada para a consecução da produção que se propôs a executar. (PARANÁ,

2008, p. 62)

REFERÊNCIAS

COSTA, Cristina. Questões de Arte: o Belo, a Percepção Estética e o Fazer

Artístico. Ed. Moderna- SP, 2004.

GOMBRICH, E. H. A História da Arte. Trad. Álvaro Cabral. LTC: Rio de

Janeiro, 2006.

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MAURÍCIO, Jaime. Abstracionismo. In: Abstração como linguagem: perfil de

um acervo. KLINTOWITZ, Jacob (org.). Editora Pinakotheke: SP, 2004.

OLIVEIRA, Marta Kohl de. Escolarização e desenvolvimento do pensamento: a contribuição da Psicologia Histórico-Cultural. Revista Diálogo Educacional. Curitiba, v. 4, n.10, p.23-34, set./dez. 2003

PALANGANA, Isilda Campaner, GALUCH, Maria Terezinha Bellanda e SFORNI, Marta Sueli de Faria. Acerca da relação entre ensino, aprendizagem e desenvolvimento. Revista Portuguesa de Educação. Universidade do

Minho. Braga:Portugal, 2002. p. 111-128.

PARANÁ. Secretaria de Estado da Educação. Diretrizes Curriculares de Arte para a Educação Básica. Departamento de Educação Básica. Curitiba, 2008. PROENÇA, Graça. História da Arte. 4 º Ed. São Paulo: Ática, 1994.

VIGOTSKI, L. S Psicología da Arte. São Paulo: Martins Fontes. 2001.