ATIVIDADE 6º AO 9º ANO

MONTAGEM DE OBRA DE ARTE

O objetivo da atividade é que observem obras de arte de grandes mestres e também de outros artistas e, com base na obra escolhida, organizem uma “montagem congelada”.

As obras de arte para a realização da atividade podem ser sugeridas pelo professor e pesquisadas pelos alunos.

A obra O balanço, de Renoir, é uma boa sugestão para o trabalho com os alunos. Basta que eles observem com atenção os detalhes da pintura e os reproduzam com a maior fidelidade possível.

Materiais:

Acessórios e figurinos diversos, tais como chapéus, casacos, botas, vestidos, bijuterias, óculos, perucas;

Bonecas e brinquedos (cavalos, cachorros, vacas, leões, bebês); Uma área que servirá de palco para a montagem e um pano de fundo (opcional);

Procedimentos:

A obra de arte escolhida deve ser divertida e simples de ser encenada; Os "jovens artistas" devem selecionar alguns figurinos e acessórios que combinem com a

obra de arte escolhida por eles; Após vestirem-se apropriadamente, devem permanecer parados, como se fossem parte da

pintura. Lembre-se: ficar imóvel faz parte do desafio; Cada participante da montagem deve permanecer na mesma posição em que encontra-se o

personagem que está sendo representado; Além de permanecer imóvel, não é permitido rir ou sorrir, a não ser que o personagem

representado esteja fazendo isso; Para tornar a brincadeira ainda mais divertida, os demais colegas devem tentar adivinhar o

nome da obra de arte que está sendo dramatizada e também o nome do artista que a criou; Sugere-se tirar fotos de cada montagem e compará-las com as obras de arte representadas.

PINTANDO A MÚSICAEssa atividade está baseada em Wassily Kandinsky, que achava que os quadros simples eram como as melodias e as pinturas complexas, como as sinfonias grandiosas.

Wassily Kandinsky teve aulas de música e artes plásticas na Rússia quando era pequeno, mas não se tornou um artista profissional até os 30 anos. Deixou seu emprego como professor de Direito e mudou-se para a Alemanha para estudar artes. Naquela época, as pessoas achavam que um desenho ou pintura deveria representar a realidade. Quanto mais realista, melhor.

Os pintores impressionista começaram a pintar quadros que não pareciam exatamente reais. Kandinsky foi o primeiro artista a distanciar-se definitivamente do realismo: pintou os primeiros quadros totalmente abstratos, quadros que eram simplesmente cores, formas, linhas texturas, porque, para ele, esses elementos tinham significado próprio.

Kandinsky era músico, além de pintor e pensava nas cores como se fossem música. Os quadros simples eram como as sinfonias. Ele chamava muitos de seus quadros de improvisações, o que significa uma música feita na hora, sem planejamento anterior. Os jovens artistas podem desfrutar da música das cores ao deixar a imaginação voar enquanto pintam ao som de música.

Pintando a música

Materiais utilizados:

Aquarelas; Guache ou tintas acrílicas; Pincéis variados; Papel cartolina ou canson; Recursos musicais, em fitas cassete ou CDS.

Processo:

Selecione uma música especial. As peças a seguir, bastante conhecidas, são excelentes para pintar. Um bibliotecário irá ajudá-lo a retirar fitas cassete ou CDS de uma biblioteca pública. Qualquer tipo de música serve para pintar, do rock contemporâneo ao jazz ou à música tradicional do mundo todo: as canções infantis;

Sugestões: Bach, Concertos de Brandenburgo; Wagner, A cavalgada das Valquírias; Ravel, Bolero; Copland, Appalachian Spring; Saint Saens, Dança Macabra; Grofe, Suíte do Grande Cânion. As músicas de Villa Lobos e Tom Jobim também são excelentes;

Escute a música selecionada por 5 a 10 minutos sem nada fazer, com os olhos fechados. Deite-se no chão se quiser. Tente imaginar quais cores, linhas e formas que podem ser usadas para expressar os sentimentos gerados pela música;

Depois escute mais uma vez a música enquanto pinta um quadro de sons. Use linhas, formas e cores sem tentar desenhar qualquer objeto especial. Crie uma pintura abstrata que seja feita na hora – uma improvisação criada sem planejamento ou esboço anterior;

Troque de música e pinte de novo. Perceba como os resultados são diferentes dependendo do tipo de música que se ouve.

ESCULTURA DE PAPELMateriais:

Caixas grandes de papelão ou grandes folhas de papelão Estilete grande Fita adesiva Materiais e acessórios para decorar; Caixas de papelão de diversos tamanhos Pistola de cola quente Grampeador Tesoura Canetas hidrográficas Cola Giz de cera

Procedimentos:

Cortar e desdobrar uma caixa grande de papelão para formar o canto de uma peça, cozinha, quarto, sala etc. Utilizar fita adesiva larga para prender o papelão no lugar. Se estiver usando folhas de papelão, colar com fita para formar o canto;

Acrescentar outro pedaço de papelão para fazer o chão e colar com fita adesiva nas outras duas paredes.

Preparar as paredes. Colar papel de parede, papel de embrulho, tecido ou pintar. A seguir, trabalhar detalhes, como uma janela ou porta, quadros na parede. Prateleiras de papelão

podem ser feitas com outras caixas e coladas na parede. Também podem ser colocadas algumas cortinas;

Fazer a mobília com outras caixas de papelão; Com pincéis atômicos, desenhar um assoalho no papelão, imitando um piso de madeira.

Colocar um tapetinho ou pedaços de carpete; Construir a peça até que esteja completa. A pequena casa pode ser vista como uma escultura

ou, se for resistente o suficiente, as crianças podem brincar dentro dela.

ALUNO ATOR

Análise da estrutura do texto; Organização da narrativa em seqüências; Identificação do tema principal; Percepção do subtexto; Análise dos personagens; Identificação da época retratada; Identificação de aspectos temporais e espaciais.

Quando a leitura for concluída, devem improvisar, espontaneamente, cenas a partir das situações descritas no texto. Os diálogos podem ser gravados ou anotados. De posse desses dados, ler em grupo um texto dramático, estudando sua estrutura: ato, cena, rubricas, diálogos, monólogos. O trabalho deve ser realizado em equipes, cabendo a cada uma a tarefa de representar os textos lidos.

PINTANDO COM TÊMPERAMateriais:

Giz colorido de lousa ou giz pastel seco; Latinhas; Caixa plástica de ovos ou palheta de tinta para misturar; Ovos; Um pouco de água; Uma colher e um garfo; Uma tigela velha; Uma pedra redonda; Pincel; Papel cartolina ou canson.

Instruções:

Quebre o giz colorido em pequenos pedaços e moa–os, com uma pedra redonda, até formar um pó, em uma tigela velha;

Ponha os pós coloridos em latinhas ou nos compartimentos de uma caixa de ovos ou em uma palheta de tinta;

Quebre os ovos e separe a gema da clara; Coloque a gema em uma tigela limpa e misture–a com duas colheres de chá de água. Bata–a

com um garfo até que a mistura esteja espumosa e amarela; Adicione algumas colheres da mistura ao pó de giz e mexa com um pincel até que se forme

uma tinta regular, que escorra; Agora, use a tinta têmpera de ovos para fazer uma pintura.

INSTRUMENTOS DA ORQUESTRA SINFONICA

Após ensinar os diversos grupos instrumentais da Orquestra Sinfônica, sugerimos aplicar o crucigrama com as palavras em vertical Instrumentos da orquestra sinfônica, para fixação do

conteúdo, pode ser aplicado individualmente ou em duplas. Esse tipo de aplicação geralmente é atrativa e revisa de forma diferente e diversificada o conteúdo aplicado. Também pode se fazer o contrário: mostrar a figura do instrumento musical e pedir que o aluno escreva no crucigrama o instrumento que está vendo.

Crucigrama - Instrumentos Musicais

1 – Instrumento mais agudo da família das cordas .2 – Instrumento da família das cordas que se toca sentado.3 – Família de instrumentos que senta na frente da orquestra.4 – Instrumento da família das cordas que se toca em pé.5 – Instrumento da família das cordas que mais possui cordas. 6 – Menor instrumento de sopro.7 – Instrumento mais agudo da família dos metais.8 – Instrumento de sopro que se toca com palheta e tem som penetrante.9 - Irmão mais grave do oboé .10 – Instrumento de sopro todo de metal que se toca de lado.11 – Instrumento de corda que vem depois do violino.12 – A 2ª família da orquestra são os...13 – Instrumento de percussão utilizado para fazer samba. 14 – A 3ª família de instrumentos são os...15 – Instrumento de sopro usado para tocar jazz e em bares.16 – Instrumento parecido com o saxofone.17 – Quando os instrumentos tocam juntos formam uma...18 – Instrumento de metal mais grave.19 – Instrumento de sopro parecido com a flautadoce e utiliza palheta20 – Instrumento de percussão que se utiliza de dois pedaços de madeira para tocar.21 – Instrumento de sopro mais grave do naipe.22 – Irmão do instrumento de sopro mais grave .23 – Instrumento de metal mais retorcido e usado para entradas triunfais de reis e rainhas.24 – Quando os instrumentos tocam juntos na orquestra geralmente tocam uma...25 – Instrumento de percussão triangular.26 - Instrumento de percussão grande e usado por orientais.27 – Instrumento de percussão da família dos xilofones que utiliza a rede elétrica.28 – Instrumento de metal que faz movimento com uma vara para tocar.29 - Instrumento de percussão da família dos xilofonesmas que usa metal.30 - Instrumento de percussão grande que possui afinação, feito de pele de animais.31 – Nome da 4ª família de instrumentos da orquestra.32 - Instrumento de percussão que não possui afinação, e é feito de pele de animais e usado na bateria e no carnaval.

GRANDE LINHA DO TEMPOOs alunos compreendem facilmente o desenvolvimento da arte ao longo de tempo quando fazem um varal de arte ou uma linha do tempo na parede. Coloque a linha do tempo em um local permanente e vá acrescentando os artistas e os períodos que forem sendo estudados.

Materiais:

Um pedaço de linha ou barbante forte, de 2 a 3 m de comprimento; Pregos ou ganchos para prender o barbante como se fosse um varal; Crachás de loja de material de escritório, furados; Fita crepe, durex, clipes de papel, pincel atômico preto; Pequenas reproduções de obras de arte famosas, recortadas de publicações, revistas ou

digitalizdas.

Instruções:

Dobre o barbante na metade, três ou quatro vezes, e marque dobras. Quando desdobrado, haverá partes com espaços iguais entre elas. Pode-se medir com régua os espaços a serem marcados;

Faça etiquetas de data para a época artística de sua escolha. Faça um marcador para cada 500 anos, começando com o presente e recuando. Coloque uma etiqueta de data na corda, a cada marca. Se estiver estudando um período mais recente da história, ajuste os marcadores. Crie uma linha de tempo que se adapte à escolha dos artistas;

À medida que se exploram novos artistas e obras de arte, recorte um pequeno exemplo de uma revista ou catálogo de museu e escreva a data da obra no verso. A seguir, usando clipe de papel, pendure a imagem no varal, no lugar apropriado.

COMPOSITORES MPBA sugestão para o projeto é “Compositores brasileiros da história da música popular brasileira”. Compositores de diversas épocas, diversos estilos, enriquecem a nossa música. Entretanto, atualmente são poucos os alunos que conhecem a verdadeira história da MPB.

Os maiores objetivos deste projeto consistem em fazê-los: compreender o que são biografias, ensiná-los a tomar notas, mostrar-lhes compositores de outras épocas, e proporcionar condições para que eles aprendam a valorizar e resgatar a música popular. De forma simples mas objetiva, solicitar aos alunos que escolham um compositor, apresentem a sua biografia, tragam algum CD para que possam exemplificar a sua música e depois discutam as diferentes composições e compositores e sua relação com a música brasileira. Não esquecer de discutir sobre quais são e qual é a boa música brasileira.

Os sites sugeridos para consulta são:

Guia de MPB: site de diversos artistas e compositores da música popular brasileira.

Música Popular Brasileira - História de Sua Gente: história e fatos pitorescos da Música Popular Brasileira, seus grandes compositores, sua influência na política, suas musas, e de seu ...

MPBNet: a lista mais quente sobre música na internet.

ATIVIDADES ARTE GÓTICAAs pinturas de Giotto eram feitas de gemas de ovos misturados com argila, minerais, frutas silvestres e até mesmo insetos moídos, para fazer pigmentos coloridos. Para saber mais sobre Giotto, clique em algum dos sites abaixo:

Vidas Lusófonas - Giotto Artes.com - Giotto Ocaiw - Giotto

ATIVIDADES 1º AO 5º ANO

PRIMEIRA CANÇÕES

Para que todos aprendam as notas musicais, que são sete, a ideia é colocar o nome delas em um cartaz de forma que todos possam visualizar na sala de aula. Por exemplo: representá-las em papel tamanho A4 e impresso no computador:

DÓ, RÉ, MI, FÁ, SOL, LÁ, SI, DÓ

E ensinar as crianças a solfejar. Elas geralmente gostam muito principalmente de falar as notas de trás para frente.

Tocar as notas musicais no xilofone, metalofone, piano, teclado e se houver algum aluno que toque flauta, cada vez que for cantado o nome da nota, esse aluno a toca acompanhando a canção.

TINTAS FEITAS COM TERRAMateriais:

Terra

Jornal Panelas e tigelas Sacos plásticos Rolo de pastel ou martelo Peneira Superfície lisa e dura Colher de sopa Espátula ou faca de manteiga Vidros com tampa Água, papel e pinceis.

Processo:

Recolha terra em uma panela; Espalhe a terra no jornal e deixe secar totalmente; Coloque a terra seca em saco plástico duplo; Quebre com rolo de pastel ou martelo; Peneire a terra em uma tigela; Use a colher de sopa para pegar um pouco de terra da tigela e colocar na superfície dura; Acrescente água e misture com a espátula, até formar uma pasta lisa como tinta; Mergulhe o pincel na tinta feita de terra, para criar um desenho ou uma figura no papel; Acrescente água para diluir a tinta, quando necessário; Armazene as tintas feitas de terra seca em vidros rotulados e com tampa.

Variações:

Pinte em madeira, pedra ou pedaço de casca de árvore, na parte interna, lisa. Pinte em jornal, papelão, sacos ou sobras de papel.

ESCULTURA DE ARGILA

Materiais:

Argila úmida; Tábua de compensado com cerca de 1 m de lado; Pequenos recipientes com água; Esponjas; Ferramentas para modelar; Pinceis; Tinta guache Tinta de impressão ou guache preta; Esponja de aço; Folha de papel cartão colorido; Folha de papel gessado.

Procedimentos:

Cada um precisa de cerca de 250g de argila. Dividir a turma em grupo à volta da base de madeira compensada;

Trabalhando juntos, devem criar as mais diferentes formas, abstratas ou figurativas. Discutir sobre o que estão produzindo;

Usar as esponjas para alisar a argila e as ferramentas para dar diferentes texturas;

Deixar secar e pintar com guache. Como as peças são secas e não cerâmica, é preciso muito cuidado ao manuseá-las, pois são frágeis.

AQUECIMENTO PARA TEATRO Andar imaginando: estar com o pé engessado, ter um grande peso sobre a cabeça, estar sobre

patins, estar na relva e estar na lama; Andar mudando a própria imagem. Colocar um fundo sonoro e propor às crianças que

andem pela sala como se fossem: muito pequenas, muito grandes, muito pesadas, muito leves e arqueadas;

Caminhar transformando-se em outros elementos: uma gota de água pingando, formando ondas do mar, um pedaço de gelatina se agrupando.

Imitar animais: gato, cachorro, coelho, galinha, macaco; Construir objetos com o corpo: casa, caverna, muro, igreja, mesa, carro; Para finalizar, narre uma história que envolva todos os elementos citados anteriormente, o

que contribuirá para que os alunos participem coletivamente.

EXPERIMENTAÇÃO DE CORESMateriais:

Folha de sulfite 60 kg; Pincéis e tinta nas cores primárias.

Instruções:

Construir um disco como o que está representado no esquema abaixo a partir da experimentação das cores primárias com o auxílio do branco para clarear as tonalidades.

Inspirando-se na obra do Pintor Kandinsky (abaixo), produzir uma pintura abstrata utilizando somente cores quentes e outra só cores frias.

Saiba mais:

Criando a cor da pele a partir da mistura das cores básicas. Criando a cor preta a partir da mistura das cores básicas.

COMO TRABALHAR O RETRATOSempre que vemos uma pintura, um desenho, uma escultura percebemos que são criações espontâneas de um artista. Ele pinta, desenha, cria seu próprio mundo. Quando falamos em representar um retrato, sabemos que existem diferentes modelos, mas também alguns padrões como braços, pernas, mãos, cabeça... que são comuns a todas as figuras humanas.

Dentro da história da arte a cada novo período os retratos eram representados de formas diferentes. Observe os retratos ao lado: (clique nas letras correspondentes para ampliar as imagens) Se observarmos a Monalisa (figura a), que foi pintada em 1508, no período do Renascimento, ela expressa o domínio da perspectiva, do uso do claro escuro e da representação realista da figura. Modela minunciosamente as mangas com suas pregas, os contornos são bem definidos. Enquanto no quadro Mulher sentada (figura b) de Picasso feito em 1937, tudo isto é abandonado e o Cubismo que é o modo de pintar de Picasso, decompõe a figura, coloca ela em formas geométricas e não se preocupa com a forma real.

Para retratarmos a figura humana precisamos conhecer as diferentes partes do corpo, detalhadamente. E observar atentamente a detalhes como:

Observar o formato do rosto (se é longo, largo, quadrado, arredondado); Observar as características de uma pessoa no formato do nariz, orelha, olhos, boca; Pedir para olhar a pessoa de frente e de perfil;

Estudar o rosto em diversas situações como rindo. triste, bravo e observar detalhadamente os movimentos e nuances que o rosto tem em especial;

Fazer desenhos, testes, esboços de várias formas até que se encontre o retrato que reflita exatamente a forma que se deseja encontrar;

Para executar essas sugestões a classe pode se dividir em duplas para que um sirva de modelo para outro;

Recorte de revistas alguns tipos de rosto em diversas posições destaque olhos, boca e nariz e cole em uma cartolina. Isto servirá como estudo para que observem os diferentes tipos de retratos que existem e são possíveis de serem executados;

Desenhar o rosto de seu colega de frente e de perfil, em folha sulfite A4 e lápis; Crie um retrato utilizando formas do rosto de seu colega de frente e de perfil, e veja que

interessante pode ser o resultado; Exponha em sala de aula os diferentes desenhos e discuta sobre os resultados, se foi

interessante, se é fácil e se foram fiéis ao retratarem seus colegas.

GIZ DE CERA FEITO COM TERRAMateriais:

57g de cera de abelha; 57g de parafina; 6 colheres de chá de aguarrás vegetal; 57 a 145g de pigmento natural; Panela para derreter a cera; Colher para mexer; Papel alumínio; Forminhas de papel; Forminhas de metal, grandes, para empadas.

Processo:

Forre as forminhas de metal com papel alumínio e coloque as forminhas de papel dentro; Derreta a cera e a parafina na panela em fogo baixo; Retire do fogo; Lentamente, acrescente aguarrás e pigmento de terra seco á mistura quente, mexendo bem.

Coloque a mistura de cera quente nas forminhas e deixe esfriar; Retire os gizes quando esfriarem. Use como giz de cera.

FORMANDO UM ALBUM DE CANÇÕES

Quando as crianças frequentam a Educação Infantil, geralmente o canto é o momento mais prazeroso para ela. Com o passar do tempo, geralmente se não insistimos em sala de aula para que cantem e utilizem a voz, então elas acabam não entoando melhor, não sentindo mais aquela vontade de cantar. Com as sugestões dos conteúdos sobre a voz e suas inflexões, nada mais prático e coerente do que inserir alguma canções para que os alunos possam cantar em sala de aula. A ideia é formar um álbum de canções durante todo o ano. Essa sugestão pode ser empregada da Educação Infantil ao 5º ano.

Para que o álbum fique mais interessante e rico, sugere-se que os próprios alunos o confeccionem.

Materiais:

Cartolina tamanho pequeno da cor de preferência; Cola branca; Tinta guache;

Cola colorida; Lápis de cor; Canetinhas; Glitter ou cola glitter.

Após dobrar a cartolina ao meio, o aluno pode usar a criatividade e desenhar e colorir uma capa com motivos relacionados à música, colocar seu nome, série e turma. Para unir as folhas com os textos das músicas, utilizar o furador e, com uma fita fixar as folhas na pasta. É interessante que o aluno traga para as aulas de arte essa pasta durante o ano, assim, o professor vai acrescentando as canções e o aluno pode cantá-las em casa. Para facilitar a leitura, quando o aluno estiver aprendendo a canção, o mais interessante é colocar o texto em transparência e usar o retroprojetor. Assim todos olham para o mesmo lugar e o professor pode ensinar com mais eficácia.

ATIVIDADE DE ARTE GÓTICAOs Irmãos Limbourg - Paul, Herman e Jean - criaram pinturas incrivelmente detalhadas para um calendário, usando pincéis minúsculos e lentes de aumento.

Para conhecer mais sobre a obra dos Irmãos Limbourg, acesse: Art-Bonobo - Grandes pintoresUniversidade de Coimbra - Artes

Materiais:

Papel sulfite ou cartolina; Lápis grafite; Borracha; Régua; Canetas hidrográficas coloridas; Lápis coloridos ou giz de cera; Lente de aumento; Duas folhas de papel cartão para a capa; Grampeador ou furador de barbante.

Instruções

Crie um layout para as páginas do Livro dos Dias. Os Irmãos Limbourg usaram um quadrado com um meio círculo acima. Desenhe essas formas em uma folha de papel com um lápis e uma régua ou invente outras formas para servir de moldura para os desenhos que serão feitos. Quando o layout estiver pronto, desenhe sobre linhas de lápis com um pincel atômico preto.

Faça quatro fotocópias do layout da página, uma para cada estação do ano, ou 12, uma para cada mês. Guarde o papel com o layout original para fazer cópias mais tarde, se quiser.

Faça um desenho em cada uma das fotocópias. Escolha alguma coisa que lhe agrade em cada estação ou mês. Você pode desenhar um feriado ou esporte, ou como seu bairro fica em cada época do ano. Coloque muitos detalhes pequenos em cada desenho, como fizeram os Irmãos Limbourg centenas de anos atrás. Use uma lente de aumento para ver os detalhes de perto. Escreva o nome da estação ou mês na borda de cada desenho.

Faça uma encadernação dos desenhos com duas folhas de papel cartão como capas. Grampeie–as ou utilize um furador e prenda com um barbante para encadernar o Livro dos Dias.

O Livro dos Dias dos Limbourg ( VER FIGURAS)

Janeiro Fevereiro Março Abril Maio Junho Julho Agosto Setembro Outubro Novembro Dezembro

DISCOGRAFIA

Alunos do ensino fundamental, 1º a 5º ano, gostam muito de cantar. Sugerimos uma discografia para ser cantada durante a passagem dessas séries. Na bibliografia musical brasileira, as canções de Toquinho não podem faltar. Ao acessar o site desse artista você encontrará todas as letras dos CDs sugeridos:

Gente miúda I e II Arca de Noé I e II Canções dos direitos da criança.

Outra sugestão são as canções didáticas de Celina Santana, da Editora Paulinas. Conhecida com o título de A canção na Pré-Escola Amarelinha, com livro e CD didático e o mais recente trabalho entitulado Palavras Mágicas, também com livro e CD. As canções sugeridas são extremamente enriquecedoras, falam sobre biodiversidade, sobre ser criança, aprender e estudar, amizade entre outros.

Nem todas as canções que são ensinadas nas aulas de música são necessariamente compostas de um trabalho de sensibilização, o prazer de cantar deve superar todas as expectativas. Portanto a escolha de um bom repertório é o caminho certo para que a criança sinta também prazer em cantar, e cantar música de qualidade.

Renascimento

O Renascimento foi um movimento artístico muito importante. Uma de suas principais características foi o rompimento gradativo com a influência da Igreja no mundo da arte. As artes, a literatura e a filosofia praticamente renasceram após anos de opressão imposta pela Igreja católica e pela ideologia teocêntrica, a qual pregava que tudo gira em torno de Deus. No Renascimento, o homem voltou a ser o centro das atenções, o que ficou conhecido como antropocentrismo.

O Renascimento teve início na Itália, país que abrigava grande parte das ruínas da Antiguidade clássica. Foi um novo olhar sobre o mundo, o que gerou muita curiosidade. Os artistas passaram a dissecar cadáveres para melhor entender a anatomia humana, radicalizaram na arquitetura e foi descoberta a perspectiva, por meio de pontos de fuga.

(obra) SIMONI, Michelangelo di Ludovico Buonarrotti.Teto da Capela Sistina.Afresco. Vaticano.

Na época de ouro do Renascimento, grandes nomes surgiram: Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael Sanzio. Michelangelo Buonarroti, além de excelente escultor, foi o responsável pela pintura da Capela Sistina, a pedido do Papa Júlio II. Para pintar o teto da Capela, Michelangelo levou cerca de quatro anos. Pintando deitado, ele quase ficou cego.

A técnica utilizada por Michelangelo chama-se afresco e consiste em pintar sobre uma base úmida que permanecia fresca por um determinado tempo. Para realizar essa pintura, que era feita diretamente na parede ou no teto, o pintor deveria utilizar uma espécie de tinta especial, produzida a partir de minerais extraídos da terra e triturados.

(obra)VINCI, Leonardo Da. A Última Ceia. 1495-1497.Óleo sobre duas camadas de gesso 460 x 880 cm.Refeitório de Santa Marie Delle Grazie. Milão

Misturada em água pura destilada, a tinta era então aplicada na superfície (teto ou parede) ainda úmida. Para preparar a superfície, primeiro borrifava-se água na parede, que então recebia uma camada de areia grossa e depois uma camada de reboco mais fino, feito de cal, areia e mármore moído. O desenho era feito em uma espécie de cartolina, então perfuravam-se os contornos para confeccionar um molde, que era riscado na superfície com auxílio de carvão. Uma reação química fazia com que a cal da superfície aderisse à água, e a tinta tornava-se parte da parede, como uma tatuagem. A única forma de removê-la seria com um martelo. Foi a mesma técnica utilizada por Leonardo da Vinci na última ceia.

Barroco e Rococó

RUBENS, Peter Paul. A Descida da Cruz.1611-1614. Óleo sobre tela 420 x 310 cm.Catedral de Antuérpia. Bélgica.

Séculos XVII e XVIIIDo fim do século XVI até o início do século XVIII, o calmo equilíbrio da arte clássica já não satisfazia, e os pintores sentiam necessidade de romper com os padrões do Renascimento. Os chamados estilos Barroco e Rococó foram os principais caminhos escolhidos para esse rompimento.

O Barroco tentava usar uma linguagem popular, de acordo com o lugar em que se expressava. Assim, o Barroco francês era diferente do italiano, este do espanhol e assim por diante.

Já o Rococó representava a beleza e a alegria sem maiores compromissos, caracterizados pelo colorido delicado e pelo aspecto decorativo que agradavam a aristocracia, a qual procurava nas obras de arte divertimento e repouso.

Romantismo e Impressionismo

Século XIX Muitos historiadores dizem que o romantismo representou a reação contra a ordem social e a religião vigentes, que os românticos desejavam viver com intensidade, advogando a volta à natureza e admirando a liberdade, a força, o amor e a violência. Na segunda metade do século XIX, a tradição clássica da pintura sofreu um duro golpe, desfechado principalmente pela tendência conhecida como Impressionismo. Seus representantes procuravam colocar em prática uma nova maneira de pintar, em que os objetos naturais já começavam a apresentar deformações que fariam depois, com maior deliberação, os artistas do século XX que traduziam na tela suas percepções óticas visuais.

Impressionismo - Monet

O pintor francês Claude Monet (1840 – 1926) foi líder do movimento impressionista, e ficou conhecido pelas pinceladas curtas e por captar a luz e o reflexo em sua obra.

Como impressionista, possuía o ardente desejo de registrar os efeitos mais fugazes da natureza,

pintava ao ar-livre, sob quaisquer condições climáticas. Morava em Paris e começou a vender telas após os 40 anos, enriqueceu, mas até a morte trabalhou incansavelmente. Uma de suas obras mais importantes é A Catedral de Rouen.

O artista pintou uma série de 50 telas entre 1892 e 1893, das quais são 18 vistas da fachada, representada segundo as transições de luz no decorrer do dia.Monet dizia que “Tudo se transforma, até mesmo a pedra.”

Se compararmos as telas à fotografia, percebemos que Monet misturava fartamente o branco às cores, diluía as formas, e a luminosidade do sol, muito intensa, produzia efeitos minunciosos e fugazes. Mas apesar da nebulosidade é possível ver a elaborada arquitetura gótica da Catedral de Rouen.

Para pintar a Catedral de Rouen, Monet instalou-se no segundo andar da loja Au Caprice, onde uma das janelas enquadrava perfeitamente a fachada da catedral. Montou um estúdio nesse prédio, que hoje não existe mais, pois foi destruído durante a Segunda Guerra Mundial. A localização era privilegiada, veja a figura ao lado. Do estúdio provisório, o pintor tinha uma visão oblíqua da fachada da catedral, situada a menos de 30 metros. nessa perspectiva, o céu ficava quase todo encoberto pela construção. Monet pintou várias vezes a mesma catedral e, em cada tela, nasce uma nova catedral, uma nova visão, nascem o eterno e o novo. As variações que a luminosidade do sol produz durante um dia estão representados na sequência em quatro variações:MONET, Claude. A catedral de Rouenem Pleno Sol. 1893. 107 x 73 cm.Museu de Orsay, Paris.MONET, Claude. A catedral de Rouenem Tempo Nublado. 1892. 107 x 73 cm.Museu de Orsay, Paris.

Quando alternamos a visão de uma tela para outra, percebemos que o ângulo teve pequenas alterações, mas a iluminação reflete sempre o clima de inverno durante o qual toda a série foi criada. Percebemos a habilidade de Monet em captar as mudanças sofridas pela pedra quando submetida a uma iluminação diferente.

A arte, como a de Monet, jamais enxerga uma imagem da mesma forma, da mesma cor, com a mesma luz ou mesmo com a mesma emoção. A arte se renova a cada olhar, a cada pincelada e a cada momento em que a contemplamos. Inovação é o que esperamos da arte e dos artistas, o ato de criar é o que distingue a arte, é que diferencia o eternoe o novo, é o que sustenta a eterna novidade do mundo.

PINTORESNome: Anita Catarina Malfatti

Estilo: Modernista

Nasceu em São Paulo, em 1896. Em 1912 foi para a Alemanha, para cursar a Academia de Belas-Artes de Berlim. Retornou ao Brasil em 1914. Nesse mesmo ano realizou sua primeira exposição individual.

Alguns de seus trabalhos tomaram-se clássicos da pintura moderna brasileira.

Anita chegou a participar da mostra de artes plásticas realizada no saguão do Teatro Municipal de São Paulo.

Em 1933, recebeu uma grande medalha de prata, no Salão Paulista de Belas-Artes. Em 1951, participou da I Bienal de São Paulo, tornando a expor nesse certame em 1963, quando lhe foi

consagrada sala especial. Faleceu em 1964.

Algumas das principais obras:

A estudante russa; O homem amarelo; Tropical; A boba; Uma estudante; O farol; Torso.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. v. 2. p. 660-665.

Nome: Emiliano Di Cavalcanti de Albuquerque

Estilo: Modernista

Nasceu em 1897 no Rio de Janeiro e morreu em 1976, também no Rio de Janeiro.

Em 1916, matriculou-se na faculdade de Direito do Rio de Janeiro, e em 1917 transfere-se para a faculdade de Direito do Largo São Francisco, em São Paulo. Trabalhou em O Estado de São Paulo como revisor.

Di Cavalcanti tem lugar de importância no panorama da pintura moderna brasileira. Na década de 1940 tornou-se um dos mais notáveis pintores modernistas brasileiros. Seus quadros foram expostos em Bruxelas, Londres, Amsterdam, Berlim, Lisboa e Paris.

Algumas das principais obras:

Mulheres com frutas; Família na praia; Vênus; Nu deitado; Abigail.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 2. v. p 678- 685.

DI Cavalcanti. Disponível em: <www.dicavalcanti.com.br>. Acesso em: 25 jan. 2012.

Nome: Marc Chagall

Estilo: Modernista

Nasceu em Vitebsk, na Rússia, em 7 de julho 1887.

Foi um dos maiores e mais populares pintores europeus do século XX. Saiu de sua cidade natal para estudar em São Petersburgo e depois em Paris, da qual nunca mais saiu. Mesmo a França sendo sua pátria adotiva, a arte de Chagall manteve forte identidade russa.

Chagall morreu de ataque cardíaco aos 97 anos, em Saint-Paul, na França.

Algumas das principais obras:

Minha noiva com luvas pretas; O violinista; Autorretrato com sete dedos; Sobre Vetebsk; O aniversário; A acrobata;

Equestriana; Solidão.

Referências:

EDITORA Nova Cultural. Os grandes artistas. São Paulo: Editora Nova Cultural, 1991. p. 29-52.

Nome: Pedro Américo de Figueiredo e Melo

Estilo: neoclassicismo, romantismo.

Nasceu na cidade de Areia, na Paraíba, em 1843.

Em 1854, transferiu-se para o Rio de Janeiro e matriculou-se no Colégio Pedro II. Em uma de suas aulas, pintou o quadro do imperador Pedro II, o que lhe valeu o ingresso na Academia de Belas-Artes.

De 1859 a 1864, frequentou a escola de Belas-Artes de Paris. Faleceu em Florença, Itália, em 1905.

Algumas das principais obras:

Moisés e Jocabed; O voto de Heloísa; Juliete e Holofernes; Davi e Abisag; A carioca; O grito do Ipiranga.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 543-550

Nome: Tarsila do Amaral

Estilo: modernista

Nasceu em Capivari, no interior do Estado de São Paulo, em 1o de setembro de 1886.

Estudou em São Paulo e em Barcelona. Pintou seu primeiro quadro em1904, Sagrado coração de Jesus. Casou-se com André Teixeira Pinto, com quem teve sua única filha, Dulce. Separaram-se alguns anos depois.

Quando voltou ao Brasil, Anita Malfatti, sua amiga, introduziu-a no grupo modernista. Formaram o grupo dos cinco: Tarsila, Anita, Oswald de Andrade, Mario de Andrade e Menotti del Pecchia. Tarsila faleceu em janeiro de 1973.

Algumas das principais obras:

Academia; A negra; Urutu; São Paulo; A gare; Antropofagia; Abaporu; Cartão postal; Sol poente; Operários; 2a classe.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. p 694-703.

TARSILA do Amaral. Disponível em: <www.tarsiladoamaral.com.br>. Acesso em: 25 jan. 2012.

Nome: Tarsila do Amaral

Estilo: modernista

Nasceu em Capivari, no interior do Estado de São Paulo, em 1o de setembro de 1886.

Estudou em São Paulo e em Barcelona. Pintou seu primeiro quadro em1904, Sagrado coração de Jesus. Casou-se com André Teixeira Pinto, com quem teve sua única filha, Dulce. Separaram-se alguns anos depois.

Quando voltou ao Brasil, Anita Malfatti, sua amiga, introduziu-a no grupo modernista. Formaram o grupo dos cinco: Tarsila, Anita, Oswald de Andrade, Mario de Andrade e Menotti del Pecchia. Tarsila faleceu em janeiro de 1973.

Algumas das principais obras:

Academia; A negra; Urutu; São Paulo; A gare; Antropofagia; Abaporu; Cartão postal; Sol poente; Operários; 2a classe.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. p 694-703.

TARSILA do Amaral. Disponível em: <www.tarsiladoamaral.com.br>. Acesso em: 25 jan. 2012.

Nome: Vítor Meireles de Lima

Estilo: romantismo, neoclassicismo, barroco.

Nasceu em 18 de agosto de 1832 na cidade de Desterro, atual Florianópolis, Santa Catarina.

O pintor obteve o prêmio de viagem para a Europa com o quadro São João Batista no cárcere. Em 1853, desembarcou em Paris e seguiu para Roma. Decepcionado com os mestres que lá encontrou, rumou para Veneza. Retornou ao Brasil em 1862.

Vítor foi só pintor. Amou sua arte e devotou-se a ela, como autor e professor. Faleceu em 22 de fevereiro de 1903, no Rio de Janeiro.

Algumas das principais obras:

Batalha dos Guararapes; Primeira missa no Brasil; Moema; Degolação de São João Batista; A caridade.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 550-554.

Antonio Gomide

Nome: Antonio

Gonçalves Gomide

Estilo: cubismo, construtivismo.

Nasceu em 1895, em Itapetininga, São Paulo, e em 1913 foi para a Suíça com a família. Sua aprendizagem artística se deu toda na Europa.

Realizou os primeiros estudos em Genebra, na Escola de Belas-Artes. Retornou ao Brasil, em 1926.

Nos anos 1950 e 1960, já praticamente cego, voltou a fazer esculturas, de curiosa conotação africana e indígena. Faleceu em 1967.

Algumas das principais obras:

Árvores; Ponte St. Michel; Figuras; Composição cubista.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 708-709.

Milton Dacosta

Nome: Milton Dacosta

Estilo: naturalismo, cubismo, construtivismo, expressionismo.

Nasceu em 1915, em Niterói, no estado do Rio de Janeiro.

Artista precoce, sua primeira mostra individual foi em 1936, na Galeria Santo Antônio, no Rio de Janeiro.

Algumas das obras iniciais de Dacosta parecem bastante com as de Pancetti e Bustamante Sá. Os três artistas chegaram a fazer pinturas em pareceria, tal a afinidade que existia entre eles.

Milton Dacosta recebeu o prêmio de viagem ao estrangeiro no Salão Nacional de Belas-Artes de 1944. Expôs individualmente e também participou de mostras coletivas. Teve salas especiais na VI Bienal de São Paulo, em 1961. Faleceu em setembro de 1988.

Algumas das principais obras:

Roda; Namorados; Figura; Carrossel; Natureza morta.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 770-773

Osvaldo

Goeldi

Nome: Osvaldo Goeldi

Estilo: expressionismo, modernismo, xilogravura, cubismo e gravuras.

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1895.

Em 1917, frequentou por seis meses a Escola de Artes e Edifícios. Nesse mesmo ano realizou sua primeira exposição individual de desenhos na galeria Wyss, em Berna.

Sua consagração teve início em 1950. Nesse ano recebeu a medalha de ouro no II Salão Baiano e em Roma, em uma coletiva.

Faleceu em 1961, em seu ateliê no bairro do Leblon, na cidade do Rio de Janeiro.

Algumas das principais obras:

Dois homens; Pescadores; Homem fugindo de um peixe; Crepúsculo; Noturno.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 704-707.

Candido

Portinari

Nome: Candido Torquato Portinari

Estilo: Modernista.

Nasceu em 29 de dezembro de 1903, em Brodósqui, São Paulo.

Desde criança manifestou sua vocação artística. Aos 15 anos, foi para o Rio de Janeiro em busca de um aprendizado mais sistemático em pintura. Matriculou-se na Escola Nacional de Belas-Artes.

Conquistou no salão de Belas-Artes de 1928 o prêmio de viagem ao exterior e por dois anos viveu na Europa.

Companheiro de poetas, escritores, jornalistas, diplomatas, Portinari participou de uma notável mudança na atitude estética e na cultura do país. No fim da década de 1930 consolidou-se a projeção de Portinari nos Estados Unidos.

Vítima de intoxicação provocada pelas tintas que usava – perigo do qual já havia sido alertado por seu médico, em 1954–, Portinari faleceu no Rio de Janeiro em fevereiro de 1962, deixando obras em alguns dos principais museus da América e da Europa.

Algumas das principais obras:

Palácio dos arcos; Paisagem de Brodósqui; Mãe chorando; Palácio da cultura; Favela com músicos; Laçando o boi; Menino com pássaro vermelho.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 1. v. p. 715-723.

PROJETO Portinari. Disponível em: <www.portinari.org.br>. Acesso em: 25 jan. 2012.

Salvador Dali

Nome: Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech

Estilo: Surrealismo, renascentismo, classicismo, modernismo.

Nasceu em 11 de maio de 1904, na provinciana aldeia catalã de Figueiras, na Espanha.

Em 1921 seu pai permitiu que ingressasse na Escola de Belas-Artes de Madri. Nessa época já pintava vários quadros, ganhara dois prêmios e estava autoconfiante.

Sua reputação de rebelde e irreverente o levou diante de um comitê disciplinar que o expulsou da academia. Para sempre.

Algumas das principais obras:

A persistência da memória; Metamorfose de Narciso; A tentação de Santo Antão; Cristo de São João da Cruz; A apoteose de Homero; Natureza-morta animada; A moça sentada vista por trás.

Referências:

EDITORA Nova Cultural. Os grandes artistas. São Paulo: Editora Nova Cultural, 1991.

Zina Aita

Nome: Zina Aita

Estilo: impressionismo

Nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, em 1900, e faleceu em Nápoles, na Itália, em 1968.

Participou da Semana de Arte Moderna de 1922 com um conjunto de quadros que incluía A sombra, Figura, Aquarium, Painel decorativo e Impressões. Em 1924, partiu para a Europa onde trocou a pintura e o desenho pela cerâmica.

Algumas das principais obras:

Sorrento; Mulato; Composição; A sombra; Figura; Aquarium; Painel decorativo; Impressões.

Referências:

ABRIL Cultural. Arte no Brasil. São Paulo: Abril Cultural, 1979. 2. v. p. 693.

Nome: Michelangelo Merisi da Caravaggio

Estilo: barroco

Nasceu em 29 de setembro de 1571, em Milão.

Aos 5 anos de idade, o artista foi morar com sua família na comuna italiana de Caravaggio, de onde vem seu apelido.

Em 1584, foi trabalhar como aprendiz do pintor Simone Peterzano. Em 1592, sem condições financeiras, retornou a Roma, onde trabalhou no ateliê de Giuseppe Cesari.

Depois dessa fase, em 1594, começou a investir em sua própria carreira, buscando influências nos altos escalões artísticos e culturais de Roma. No mesmo ano produziu sua primeira grande obra, Os jogadores de cartas.

Em 1599, foi contratado pelo cardeal Del Monte para decorar a Capela Contarelli. No começo do século XVII, Caravaggio já era um pintor famoso em Roma e realizou a decoração de diversas capelas, igrejas e catedrais em Roma, Nápoles e Malta.

Em 1602, pintou uma de suas poucas obras de tema não religioso, O triunfo do amor.

Em 1606, envolveu-se em uma briga e matou um jovem, provavelmente por acidente. Teve de fugir de Roma e foi morar em Malta, porém se envolveu em outras brigas e confusões. Expulso de Malta, foi morar na Sicília e, em 1607, retornou à cidade de Nápoles, após conseguir o perdão do novo papa, Paulo V. Caravaggio morreu de febre, em 1610, em Porto Ercole, região da Toscana.

Algumas das principais obras:

Sete obras de misericórdia; A prisão de Cristo; Canastra de frutas; Inovação de São Mateus; Os jogadores de cartas.

Adaptado de: Sua Pesquisa.

Referências:

CARAVAGGIO. Sua Pesquisa. Disponível em: <http://www.suapesquisa.com/biografias/caravaggio.htm>. Acesso em: 16 mar. 2012.

Nome: Leonardo da Vinci

Estilo: renascentista

Nasceu em 15 de abril de 1452, muito provavelmente em uma cidade próxima a Vinci, Anchiano, na Itália, embora alguns pesquisadores acreditem que sua terra natal está situada entre Florença e Pisa, à direita do Rio Arno.

Em 1469, em Florença, o artista iniciou sua trajetória nas artes, cursando pintura no atelier do famoso pintor de Florença, Andrea del Verrocchio.

Suas pesquisas no campo da anatomia começaram a se desenvolver em 1472. Nessa época, Da Vinci criou vários desenhos e esquemas do organismo humano.

Em 1482, o artista seguiu para Milão, onde trabalhou para Ludovico Sforza, atuando como engenheiro, escultor e pintor, até 1486. Nesse período, empreendeu uma de suas realizações mais conhecidas, A virgem dos rochedos. Até 1488, dedicou-se à arquitetura, permanecendo no atelier da Catedral de Milão.

Antes de voltar para Florença, Da Vinci realizou sua última obra para Sforza, a clássica A última ceia. Em 1500, ingressou em seu estágio mais produtivo na pintura, compondo nesse período sua criação mais célebre e misteriosa, o retrato de Lisa del Giocondo – cônjuge de Francesco del Giocondo –, a famosa Mona Lisa.

O artista faleceu na cidade de Cloux, na França, em 1519. Seu corpo foi enterrado na Igreja de São Florentino, em Ambroise, a qual foi destruída durante as insurreições ocorridas na Revolução Francesa.

Algumas das principais obras:

A última ceia; A Virgem e o menino Jesus; Homem vitruviano; La bela princesa; Mona Lisa.

Adaptado de: InfoEscola.

Referências:

LEONARDO da Vinci. InfoEscola. Disponível em: <http://www.infoescola.com/biografias/leonardo-da-vinci/>. Acesso em: 16 mar. 2012.

Nome: Edvard Munch

Estilo: pós-impressionismo, expressionismo

Nasceu em Löten, na Noruega, em 12 de dezembro de 1863.

Edvard Munch começou a pintar em 1880. Iniciou com pinturas de retratos e depois fez uma série de quadros naturalistas, os quais testemunham sua rejeição ao impressionismo da época. É característico dessa fase o quadro Criança doente (1886).

Morou na França, na Alemanha e na Itália. Em Paris, fez contato com os pós-impressionistas, especialmente Toulouse-Lautrec e Gauguin, de quem recebeu reconhecida influência.

Em 1910, definitivamente de volta à Noruega, Munch renovou sua pintura com um estilo vigoroso, mas de cores claras, abrandando o espírito trágico das obras anteriores.

Evard Munch morreu em Ekely, próximo a Oslo, em 23 de janeiro de 1944.

Algumas das principais obras:

Criança doente; Melancolia; O grito; Vampira; A madona.

Adaptado de: Edvard Munch.

Referências:

Munch.Edvard. Disponível em: <http://translate.googleusercontent.com/translate_c?hl=pt-BR&prev=/search%3Fq%3Dedvard%2Bmunch%2Bsite%2Boficial%26hl%3Dpt-BR%26biw%3D1024%26bih%3D641%26prmd%3Dimvnso&rurl=translate.google.com.br&sl=en&u=http://www.edvard-munch.com/backg/bio/index.htm&usg=ALkJrhgwa0dtUXM2bRk5sGyuSbMNd0Yqog>. Acesso em: / jun. 2012.

Nome: José Pancetti

Estilo: modernismo

Nasceu em Campinas (SP), em 18 de junho de 1902.

Devido a problemas financeiros, Pancetti foi morar na Itália com os avós. Trabalhou como marceneiro e como aprendiz de marinheiro, o que o fez viajar por alguns meses pelo mediterrâneo.

Em 1920, voltou para o Brasil, indo morar em Santos, onde trabalhou em diversos ofícios. Mais tarde, na capital paulista, trabalhou como cartazista e pintor de paredes. Dois anos depois, alistou-se na marinha brasileira, ficando no posto de marinheiro até subir ao posto de segundo tenente. Durante o tempo na marinha, Pancetti pintou suas primeiras obras.

No final da década de 1920, estudou na Escola de Auxiliares e Especialistas. Na mesma época,

entrou para o Núcleo Bernardelli, onde fez aprimoramento técnico.

Os temas característicos de suas obras são retratos, paisagens, marinha e natureza-morta.

Morreu no rio de Janeiro, em 10 de fevereiro de 1958.

Algumas das principais obras:

Aquarela marinha; Campos do Jordão; Figos; Retrato de Hernani.

Adaptado de: Pintura brasileira

Nome: Paul Klee

Estilo: expressionismo

Nasceu em 18 de dezembro de 1879 em Münchenbuchsee, perto de Berna, na Suíça.

Em 1898, Paul Klee partiu para Munique para estudar arte. Apresentou-se na Academia, mas foi aconselhado a frequentar uma escola de arte particular. Juntou-se à escola Knirr e produziu nus e retratos. Conheceu a pianista Lily Stumpf no outono de 1899, com quem se casou alguns anos depois.

Os primeiros passos em direção ao movimento que mais tarde ficaria conhecido como expressionismo foram dados nessa época. É notável que as paisagens de Klee mudaram, perdendo sua objetividade e tornando-se mais monumentais e românticas.

Embora tenha produzido alguns trabalhos, começou a pintar seriamente após 1918, época em que já estava obtendo reconhecimento. Em 1919, assinou um contrato com Goltz, comerciante de arte que atuou como patrono de uma grande exposição dos trabalhos de Klee em 1920.

Em 25 de novembro de 1920, o arquiteto Walter Gropius convidou-o a juntar-se ao grupo Bauhaus. Então, em 1921, Klee mudou-se de Munique para Weimar. Na década seguinte, lecionou nos institutos de Weimar e Dessou Bauhaus.

Em 10 de maio de 1940, foi acolhido por um sanatório perto de Locarno e, menos de um mês depois, transferido para a clínica Sant'Agnese. Morreu em 28 de junho do mesmo ano.

Algumas das principais obras:

Hammamet with its mosque; Senecio; Temple gardens; The heart of st. Germain; With two camels and a donkey.

Adaptado de: Pintores Famosos.

Referências:

KLEE.Pintores Famosos. Disponível em: <http://www.pintoresfamosos.com.br/?pg=klee>. Acesso em: 16 mar. 2012.

Pablo Picasso

Nome: Pablo Ruiz y Picasso

Estilo: modernismo, cubismo

Nasceu em Málaga, no sul da Espanha, em 25 de outubro de 1881, e posteriormente naturalizou-se francês.

Após iniciar seus estudos de arte em Madri e passar por um período de boemia em Barcelona, Picasso fez sua primeira viagem a Paris em outubro de 1900. A cidade, na época capital artística da Europa, foi lar permanente do artista desde abril de 1904.

O trabalho de Picasso foi relativamente convencional, passando da Fase Azul (1901-1905), melancólica, para a Fase Rosa (1905), mais alegre e delicada.

Em 1907, inspirado pelas esculturas ibéricas e africanas, pintou Les Demoiselles d'Avignon, um dos grandes trabalhos fundadores da arte moderna. Divertindo-se com uma nova liberdade pictórica, Picasso, juntamente com o pintor francês Georges Braque, criou o cubismo, movimento no qual o mundo visível era desconstruído em seus componentes geométricos.

Em 1925, Picasso começou a pintar formas deformadas, violentamente expressivas, que eram, em parte, uma resposta a suas dificuldades pessoais. A partir dessa época, seus trabalhos se tornaram cada vez mais multiformes, empregando – e inventando – uma variedade de estilos como nenhum outro artista havia feito antes.

No fim da década de 1930, quando o impulso criativo de Picasso parecia estar enfraquecendo, os acontecimentos o levaram a criar seu quadro mais famoso, Guernica. Essa obra foi uma resposta aos horrores da Guerra Civil Espanhola.

Picasso faleceu aos 91 anos, em 8 de abril de 1973.

Algumas das principais obras:

A morte de Casagemas; A maternidade; Velho guitarrista cego; Mulher com leque; Guernica.

Romero

Britto

Nome: Romero Britto

Estilo: Pop-art, cubismo

Nasceu em Recife, em 1963.

Romero Britto é o artista pop mais jovem e bem-sucedido de sua geração. Cria obras-primas que invocam o espírito de esperança e transmitem sensação de aconchego. Sua arte contém cores vibrantes e composições ousadas, criando graciosos temas com elementos compostos do cubismo. Admirado pela comunidade internacional, o artista tem suas pinturas e esculturas presentes nos cinco continentes, em mais de 100 galerias. Suas obras são denominadas arte da cura por colecionadores e admiradores.

Em 2005, Britto foi nomeado embaixador das artes do estado da Flórida (USA) pelo ex-governador Jeb Bush. No mesmo ano, foi convidado a participar de uma pequena lista de artistas internacionais selecionados para a Bienal de Florença, em 2005 e 2006. Também expôs sua arte no famoso Museu do Louvre, em Paris. Além disso, foi convidado a fazer a abertura do XLI Super Bowl com o Circo de Soleil e a criar uma prestigiada coleção de selos postais para a ONU.

Britto acredita que “a arte é muito importante para não ser compartilhada”, e essa é uma das razões pelas quais criou, em 2007, a Fundação Romero Britto. Atualmente, possui duas galerias, uma localizada em Miami Beach e outra na badalada Rua Oscar Freire, em São Paulo.

Algumas das principais obras:

Gato;

Borboleta; Cachorro; Peixes.

Adaptado de: Wikipédia.

Referências:

Britto. Wikipédia. Disponível em: <http://en.wikipedia.org/wiki/Romero_Britto>. Acesso em: 26/ jun. 2012.