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ARTE DEL SIGLO XIX Introducción al arte del siglo XIX 1 Pintura y escultura: Romanticismo y Realismo 2. Arquitectura: Historicismos Arquitectura de hierro y cristal Modernismo: Gaudí 3.- Impresionismo 4.-Postimpresionismo El arte del siglo XIX En el siglo XIX se dan una serie de movimientos pendulares de reacción contra los excesos de tendencias anteriores. Esta característica es manifiesta en la pintura. Así , frente al Neoclasicismo de primeros de siglo, sucede el Romanticismo. Como reacción al romanticismo , a mediados del siglo, sucede el Realismo, que a su vez será desplazado pronto por el Impresionismo Todos estos movimientos artísticos tienen su foco en Paris, que se convierte así en el corazón del Arte europeo PINTURA EL ROMANTICISMO Marco histórico y caracteres generales Principales representantes -Francia - Gericault, Delacroix -Inglaterra - Turner, Constable -Alemania - Friedrich Marco histórico y caracteres generales El romanticismo es el movimiento artístico que se desarrolla paralelo y contrapuesto al neoclásico, durante la primera mitad del siglo XIX. Este movimiento nace en Francia, se identifica plenamente con las revoluciones liberales y nacionalistas; y se difunde por toda Europa por la fuerza de la revolución. Caracteres generales - Representa una reacción frente al Neoclasicismo Si los neoclásicos se inspiran en el mundo grecolatino y en la razón, los románticos exaltan los sentimientos, las pasiones y las emociones. - Frente al academicismo neoclásico, el romanticismo representa la exaltación de la libertad individual del artista. Hay una búsqueda de las raíces de los pueblos (se inspira el Próximo Oriente, países mediterráneos en una búsqueda de lo exótico) y un canto a la naturaleza. 1
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ARTE DEL SIGLO XIX
Introducción al arte del siglo XIX
1 Pintura y escultura: Romanticismo y Realismo
2. Arquitectura: Historicismos
Arquitectura de hierro y cristal
Modernismo: Gaudí
3.- Impresionismo
4.-Postimpresionismo
El arte del siglo XIX
En el siglo XIX se dan una serie de movimientos pendulares de reacción contra los
excesos de tendencias anteriores. Esta característica es manifiesta en la pintura. Así ,
frente al Neoclasicismo de primeros de siglo, sucede el Romanticismo. Como reacción
al romanticismo , a mediados del siglo, sucede el Realismo, que a su vez será
desplazado pronto por el Impresionismo
Todos estos movimientos artísticos tienen su foco en Paris, que se convierte así en el
corazón del Arte europeo
PINTURA
EL ROMANTICISMO
Marco histórico y caracteres generales
Principales representantes
-Francia - Gericault, Delacroix
-Inglaterra - Turner, Constable
-Alemania - Friedrich
Marco histórico y caracteres generales
El romanticismo es el movimiento artístico que se desarrolla paralelo y contrapuesto al
neoclásico, durante la primera mitad del siglo XIX.
Este movimiento nace en Francia, se identifica plenamente con las revoluciones
liberales y nacionalistas; y se difunde por toda Europa por la fuerza de la revolución.
Caracteres generales
- Representa una reacción frente al Neoclasicismo Si los neoclásicos se inspiran en el
mundo grecolatino y en la razón, los románticos exaltan los sentimientos, las pasiones
y las emociones.
- Frente al academicismo neoclásico, el romanticismo representa la exaltación de la
libertad individual del artista.
Hay una búsqueda de las raíces de los pueblos (se inspira el Próximo Oriente, países
mediterráneos en una búsqueda de lo exótico) y un canto a la naturaleza.
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En cuanto a los temas, el romanticismo francés prefiere los temas históricos o de
actualidad dramáticos de composición barroca, predominio del color ,mientras que
el alemán y el inglés, prefieren captar la naturaleza en un auténtico culto al paisaje.
Francia
El romanticismo se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX
:- Se exaltan sentimientos, emociones
- Acusados contrastes de luces y sombras
- Apuesta por el color en detrimento del dibujo
- La pincelada es rápida, suelta.
- Las composiciones están llenas de movimiento y dramatismo .Hay complejidad
compositiva, uso de diagonales, escorzos, gestos violentos
• Gericault
Es el iniciador de la pintura romántica. Rompe abiertamente con el Neoclacisismo Su
obra principal * "La balsa de la medusa" se considera como el estandarte del
romanticismo: obra llena de dramatismo. La obra de Gericault, tiene fuerte
influencia de artistas italianos del Renacimiento y el barroco como Caravaggio
(claroscuro), Rubens (dinamismo de la composición, gestos), o Miguel Ángel
(fuerza de los cuerpos, anatomía)
Representa un hecho real y de actualidad: el naufragio de una embarcación francesa, la
Medusa, frente a las costas de África. Fue un hecho muy polémico, se salvaron sólo los
oficiales mientras los pasajeros fueron abandonados a la deriva. Sólo sobrevivieron 15
de 150.
Composición: se organiza en dos pirámides:
La pirámide formada por la vela, movida por el viento y la ola amenazante.
La pirámide de la esperanza. Parte de las figuras muertas y continúa por los
moribundos hasta llegar al vértice de la pirámide: la figura que agita la camisa para
llamar la atención de una lejana embarcación, un punto en el horizonte.
Contrasta la muerte y el pesimismo de los agonizantes con la esperanza de los que
agitan las camisas.
Técnica colores oscuros con pincelada suelta, que predominan sobre el dibujo. Las
luces crean efectos del claroscuro. (Ver comentario libro)
• Delacroix
Es el representante más auténtico del romanticismo francés. Reúne en su obra la
tendencia hacia lo exótico y hacia los acontecimientos contemporáneos. Era un
hombre apasionado, influido por Gericault y los grandes maestros: Caravaggio,
Rubens, Miguel Ángel y los venecianos. Su pincelada es suelta y su colorido,
intenso. En sus obras destaca su compromiso con las revoluciones del momento.
La matanza de Quios
Llamada de atención a la lucha de los griegos contra los turcos. Influencia de Rubens,
Tiziano, Goya
*La libertad guiando al pueblo
Refleja la revolución de 1830 en París. Exalta la revolución parisina que llevó al
poder a la burguesía liberal.
La obra tiene bastante similitud con "la balsa de la medusa', la composición es
piramidal. Representa una pirámide que se levanta sobre una base de figuras
muertas y se eleva hasta el vértice, representado por una mujer, la alegoría de la
libertad, que sostiene en la mano derecha una bandera roja y en la otra un fusil y que
avanza implacable.
En torno a ella, aparecen una serie de personajes que simbolizan la participación en
esa revolución: burgués con su sombrero, chico que toca el tambor, campesinos...
La escena se desarrolla en un paisaje urbano que se adivina entre un ambiente de
penumbra en medio del combate.
Predominio de la pincelada sobre el dibujo, suelta. Aplica el color, predominando los
tonos ocres, pardos; que contrastan con el negro de la chaqueta y el sombrero del
burgués y el rojo de la bandera.
Luz vibrante, que ilumina desde la izquierda el cuerpo de la libertad; y también
destaca el cuerpo del hombre muerto en primer plano con una camisa blanca.
Todo el conjunto está dominado por el movimiento y dinamismo, gestos, líneas
curvas, posiciones de escorzo.
Símbolo de Francia y la libertad.
Delacroix se inspiró para sus pinturas en temas orientales.
Mujeres de Argel
*La muerte de Sardanápalo
Tema inspirado en un poema del romántico Lord Byron. Aparece Sardanápalo,
gobernante oriental del s. VII a C., tendido en su lecho, rodeado de sus mujeres (la
ciudad está sitiada por lo que el gobernante ordena matar a sus mujeres, su mejor
caballo, antes de suicidarse)
El romanticismo recurre a una situación límite y la trata de manera dramática
Tanto el dinamismo como el color recuerdan a Rubens.
Inglaterra y Alemania
INGLATERRA
El Románticismo inglés entendió por primera vez la importancia del contacto directo
con el paisaje, que hasta entonces se reprensentaba en los talleres de los artistas.
Turner y Constable son paisajistas que exaltan la naturaleza con una visión muy
romántica; con luces cambiantes que llenan el paisaje de efectos luminosos
especiales. El interés por la luz, el color y la atmósfera los convierte en precursores
del impresionismo.
• Turner
Paisajista innovador. Para él, la luz y el color crean visiones imaginarias que parecen
alejarnos de la realidad como si surgieran de un sueño.
*Lluvia, vapor y velocidad
Primera imagen del ferrocarril en el arte. Representa una máquina de vapor que
atraviesa un puente sobre el Támesis bajo la lluvia y la niebla. 2
Las líneas convergentes crean una sensación de profundidad, pero también de
movimiento.
El dibujo ha desaparecido, pinceladas rápidas en forma de manchas de colores
transparentes que todo lo envuelven y difuminan las formas. Una atmósfera
brumosa, producida por la lluvia y el vapor envuelve a la locomotora y apenas deja ver
a los que saludan el paso del tren como un acontecimiento. A la izquierda adivinamos
un río y una embarcación ..
La obra se realiza en un momento en que la velocidad, los nuevos transportes... atraen la
atención de todo el mundo.
El temerario
Embarcación remolcada en un último viaje para el desguace.
Pincelada rápida. Luz de tonos dorados, paso entre las nubes. Reflejo en el agua. Capta
un momento fugaz en que la luz nos transmite un instante: nada es permanente.
El gran canal de Venecia Reflejo de los barcos y la luz.
• Constable
En sus Paisajes se preocupa por captar la luz y sus efectos cambiantes. En eso se
adelanta al impresionismo.
Serie sobre la catedral de Salisbury, vista en distintos momentos de luz.
* Campo de trigo (libro)
A mediados del siglo XIX surge un movimiento de pintores que tuvieron como
referente el arte anterior a Rafael: Los prerafaelistas (Dante Gabriel Rosetti ver imagen
en libro)Realizan un arte más clásico.
Alemania En Alemania surgió un grupo de artistas que querían recuperar el espíritu y el estilo de
los pintores del Cuattrocento: So los llamado Nazarenos ( ver imagen en el libro pag
303).
Aparte de ellos hay que destacar a Caspar David Friedrich
• Friedrich
Se interesa por plasmar la naturaleza en su inmensidad y el silencio, que sobrecogen al
espectador.
Su obra es un auténtico canto a la creación. No aparece apenas el ser humano, es la
naturaleza en sí; pero cuando aparece es un mero espectador del paisaje, muy pequeño
Montañas gigantes
Viajero ante un mar de niebla.
Dos hombres de espaldas contemplando la luna
EL REALISMO
Surge a mediados de siglo XIX, cuando el enfrentamiento entre románticos y
neoclásicos llega al agotamiento. El realismo reacciona frente a unos y otros; y se
inspira en la realidad cotidiana. Pensaban que la historia (neoclásico)y lo exótico y
dramático (romántico) no debía inspirar el arte sino lo cercano y presente.
Coincide el realismo con la aparición de las teorías socialistas y la revolución de la
clase obrera en plena revolución industrial. En las masas proletarias abundaba al
miseria y se acusó a los románticos de rehuir las realidades de la vida diaria con sus
continuas evocaciones históricas Muchos artistas realistas estuvieron comprometidos
con las ideas republicanas y con la realidad social de la clase trabajadora en clara
actitud de denuncia social ante los terribles problemas e injusticias de la
revolución industrial
En cuanto á los temas, no son heroicos; sino que los temas preferidos son los que
reflejan el mundo de la gente corriente, de los campesinos, las lavanderas, los
picapedreros. El trabajo y la fatiga es la fuente de inspiración.
No se idealizan las imágenes
El centro de la pintura realista sigue siendo Francia y sus representantes son: Courbet,
Millet y Daumier.
• Courbet
Fue el mayor exponente del realismo Fue un hombre muy comprometido
ideológicamente con los movimientos sociales de la época. Admirador de los grandes
maestros de la pintura como Caravaggio o Velázquez
- Un entierro en Ornans
- El estudio del pintor
- Los picapedreros
*Un entierro en Ornans
Recoge la despedida a un difunto por un grupo de familiares y amigos en Ornans.
Es un hecho cotidiano, intrascendente, el personaje es anónimo. Representa un hecho
tal como ocurrió.
Los personajes están distribuidos horizontalmente en friso, sin ningún tipo de jerarquía,
formando una especie de barrera horizontal, subrayada por el paisaje de fondo
solamente interrumpido por la verticalidad de la cruz.
Primer plano: la fosa, junto a ella un hombre que se arrodilla y ocupa el centro de la
composición.
A la izquierda: grupo de religiosos que oficia el acto.
Derecha: grupo de familiares y amigos que llora, destaca el perro: la fidelidad del
amigo. Predomina el color sobre el dibujo. La pincelada se aplica en forma de manchas.
Predominio de los tonos negros que contrastan con el blanco de los religiosos, del perro.
También alguna pincelada de rojo.
Composición estática, recuerda de lejos el entierro del conde de Orgaz, pero se aparta
de la pintura religiosa tradicional y de la sensibilidad romántica
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El estudio del pintor
El mismo definió este cuadro como una alegoría de su vida artística Aparece el propio
Courbet sentado ante un lienzo que está pintando. Junto a él una mujer semidesnuda,
que sujeta un manto largo, representa la musa: la inspiración.
A su alrededor se disponen amigos, artistas., personajes de ideas progresistas (derecha)
A la izquierda, el conjunto de la sociedad, gentes humildes, mendigos,(en homenaje a
sus fuentes de inspiración como Velázquez), de los que el arte debe ocuparse por igual.
Predominio del color sobre el dibujo, se aplica en forma de manchas, predominio de
tonos oscuros, negros.
Los Picapedreros
Dos hombres picando piedra a orillas de un camino. Llamada atención de la dureza del
trabajo de la clase obrera. Destruído en la 2ª Guerra Mundial.
• Millet
Es el pintor de los campesinos franceses Refleja en sus cuadros la sencillez y la
calma a través de unos personajes llenos de humildad y dignidad.
En sus obras las figuras se recortan sobre paisajes de horizontes lejanos y luces doradas.
*El Ángelus
Pareja de campesinos, que a las doce interrumpen su trabajo para rezar.
Las figuras se recortan en un paisaje de horizontes lejanos. Luz dorada: mediodía.
Predominio del color sobre el dibujo, pincelada rápida, manchas de color
Tonos terrosos, ocres; que contrastan con el azul del pantalón de él y el rojo de la
camisa de ella.
Las espigadoras
Representa a tres mujeres inclinadas, recogiendo las espigas . Paisaje de horizontes
lejanos y bajos.
Al fondo, tres mujeres dirigidas por la figura de un capataz. Pincelada rápida;
predominio de tonos terrosos (momento siega), que contrastan con el blanco de la
camisa de ella. Luz dorada por el momento y el calor.
• Daumier
Pintor muy comprometido con los temas sociales. Formas macizas
*El vagón de tercera
Recoge el ambiente de la gente humilde de la ciudad
Las mujeres del primer plano dominan la composición Vemos a una mujer mayor, con
una cesta en sus rodillas, junto a una mujer más joven que amamanta a un niño.
La luz entra por la izquierda e ilumina a los personajes. Rostros con trazos gruesos.
Expresiones de cansancio y abatimiento. Por detrás de ellas se disponen otros
personajes anónimos. Resto en penumbra. La reducida gama cromática y el contraste de
luces y sombras acentúan el carácter desolador de la obra.
.
La insurreccción
Primer plano: chico joven que levanta el puño de la mano derecha.
La lavandera
Es una mujer que regresa a su casa con un bulto de ropa en la mano izquierda. Da la
derecha a un niño. Paisaje urbano, con predominio de colores oscuros sobre el dibujo
La luz al fondo intensifica el dramatismo de la situación: la mujer aparece destacada en
la penumbra.
ESCULTURA
EL ROMANTICISMO El romanticismo escultórico se desarrolla básicamente en Francia. Representa los
deseos revolucionarios y el dinamismo de la sociedad francesa del siglo XIX.
*El principal representante es Rude, autor del Grupo de la Marsellesa que decora el
Arco de la Estrella en París
Representa un grupo de voluntarios que defendieron la República en1792. Las figuras
forman un grupo cerrado de gente entremezclada en el que predominan las líneas
diagonales. Es una expresión de fuerza, de dinamismo, exaltación del patriotismo en
torno a la figura de la libertad, una figura alada, que está guiando al resto de los
personajes. Recuerda a los dioses clásicos. Y todas las figuras son muy clásicas:
algunas desnudas, otras con atuendos romanos.
EL REALISMO
Abandona los temas románticos y se inspira en los temas sociales
La principal figura es Meunier . El tratamiento de personajes: El cargador, *el
forjador, en bronce, nos recuerda a la obra pictórica de Millet, en su visión respetuosa
hacia los trabajadores.
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LA ARQUITECTURA: DEL SIGLO XIX:
EL HISTORICISMO
LA ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL
EL MODERNISMO
Introducción
El rasgo principal de la arquitectura del siglo XIX es el gran eclecticismo que hay, ya
que se inspira en elementos muy diversos. Es un siglo de cambios profundos que se
reflejan en el arte.
Por un lado hay un espíritu romántico que recorre Europa, que dará lugar a movimientos
nacionalistas que buscan en la Edad Media las raíces de sus pueblos. Los arquitectos
se inspirarán en los estilos medievales Por otro lado la aventura colonial lleva a la
influencia de culturas orientales: China, paises árabes, India., que también se
reflejarán en la arquitectura. Estas influencias conforman el HISTORICISMO.
También en esta época se exploran las posibilidades de los nuevos materiales, como el
hierro, el vidrio o el cemento que dará lugar a nuevos edificios; hablamos de la
ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL.
Al final del siglo EL MODERNISMO dará lugar a formas arquitectónicas decorativas
que buscan su inspiración en la naturaleza
EL HISTORICISMO
Durante la segunda mitad del siglo XIX, la aparición de los ideales nacionalistas en países como Alemania, Francia, España o Inglaterra llevaron a la búsqueda de las
raíces de su pasado, fundamentalmente , en sus diversas fuentes medievales. Así se
revivieron simultámente varios estilos históricos: neorrománico, neogótico,
neorrenacentista, neobarroco, neomudéjar… e incluso el gusto romántico por lo exótico
dio lugar al neoegipcio en cementerios; neochino, en kioskos y pagodas en los jardines
ingleses, etc
Ninguno de estos estilos se impuso sobre los demás.
.En Inglaterra se emplea el neogótico en las Casas del Parlamento de Londres,
paralelo al Támesis donde domina la línea horizontal con torres que marcan mucho la
verticalidad. En el Pabellón del Príncipe de Gales hay influencias del arte islámico.
En Francia el neogótico tiene extraordinaria fuerza. Se edifican o finalizan catedrales,
en este estilo y en cambio se prefiere el neorrenacimiento o neobarroco para hacer
edificios civiles . Ejemplo: La ópera de París de Garnier en estilo neobarroco
Otras obras son el Arco de la Estrella en estilo neorromano o la abadía del Sacre
Coeur (neobizantina)
En España se opta por el medievalismo: Basílica de Covadonga en Neorrománico
La catedral de Barcelona en estilo neogótico,
Sobre todo se impone el neomudejar en las plazas de toros y estaciones de ferrocarril.
Se usa el ladrillo en la construcción y la decoración emplea arcos califales de la
mezquita de Córdoba, paños de sebka de la Giralda (Almohade) y yeserías de la
Alhambra, azulejos Ejemplo: Estación de ferrocarril de Toledo,de Jerez de la
Frontera. Plaza de toros de las Ventas…
LA ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL
Simultáneamente a la arquitectura historicista, La Revolución industrial posibilitó en
la segunda mitad del siglo XIX la utilización del hierro en la construcción.
También el vidrio apareció como protagonista de una nueva concepción
arquitectónica y así a mediados de siglo se construyeron grandes edificios de hierro y
cristal
La construcción de nuevos edificios daba respuesta a las exigencias del progreso:
- Los nuevos medios de comunicación como el ferrocarril exigieron edificar
estaciones, puentes y grandes obras públicas.
- Las nuevas industrias necesitaban instalaciones de dimensiones hasta ahora
desconocidas.
- Se potenciaron exposiciones universales con enormes instalaciones para exhibir y
vender los nuevos productos que se fabricaban
EUROPA
En Europa destacamos:
El Palacio de Cristal de Londres construido para la exposición universal por Joseph
Paxton quien se inspira en su experiencia como constructor de invernaderos. Alberga
un enorme espacio y se hizo de piezas prefabricadas.
La Torre Eiffel en París, símbolo de la Exposición Universal de 1889, a los 100 años
de la Revolución Francesa. Fue realizada por el ingeniero francés Gustav Eiffel,
constructor de puentes. Se hizo para ser desmontada después de la exposición. Al final
no se quitó, y ha quedado como el símbolo de Francia.
Fue uno de los proyectos más audaces de la nueva arquitectura. Levantó una
oleada de protestas entre los ingenieros y arquitectos más conservadores que la
criticaban por considerarla de nulo valor estético y una deshonra para París. Pero se
convirtió en el símbolo de la modernidad y de la nueva civilización industrial.
Consta de cuatro partes separadas por plataformas. El peso es soportado por cuatro
pilares de hierro inclinados que se unen en su parte inferior por arcos de medio punto
inclinados, y que se prolongan hasta unirse en el tercer cuerpo en una enorme aguja, en
una elevación increíble ya que sobrepasa los 300 metros.
Es interesante observar la impresión de ligereza de este edificio traspasado por el
aire y la luz, a pesar de estar construido con un material tan pesado Las piezas prefabricadas se montaron in situ con extraordinaria rapidez. Eiffel
demostró con esta obra que la belleza no estaba reñida con la técnica.
Con la misma técnica de hierro y cristales construyeron entre otros:
La Biblioteca Nacional de París, Mercados como Les Halles , en París
La Estación de Atocha en Madrid.
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ESTADOS UNIDOS
En Estados Unidos se aceptaron rápidamente las innovaciones arquitectónicas
La destrucción de Chicago en el incendio de 1871 impuso la necesidad de una actividad
constructiva rápida y económica .Así surge la Escuela de arquitectos de Chicago cuya
característica fundamental fue la edificación en altura que dio origen al rascacielos.
Este tipo de edificios fue consecuencia de tres factores:
- La necesidad de reducir el coste total del edificio debido al alto precio del suelo en el
centro de la ciudad .
- La utilización de armazones metálicos que permitían superponer muchos pisos
- La invención del ascensor a mediados del XIX si el cual el crecimiento en altura no
habría sido posible.
Rasgo característico es que se impone la primacía de la funcionalidad sobre la
estética.
El creador de la escuela es Le Baron Jenney,, autor de los almacenes Sears y Home
Insurance Building donde los pisos alternan con cornisas
Su máximo representante Louis Sullivan decía: “la forma sigue a la función”. Sienta las
bases de la arquitectura funcional del siglo XX
Realiza edificios de armazón metálico de pilares y viguetas en los que se elimina la
madera para evitar incendios.
Es autor de Los Almacenes Carson de 10 pisos que anticipan el sueño americano del
Siglo XX en los que combina una fachada muy armoniosa en diez pisos en los que se
abren grandes ventanas apaisadas al exterior.
Realiza el Auditorio que se inspira en tradiciones arquitectónicas anteriores. Los
primeros pisos presentan almohadillado (renacimiento) y la fachada, arcos abocinados
(románico).
EL MODERNISMO
Surge a finales de siglo entre 1890 y 1910. Es un movimiento arquitectónico que rompe
con el historicismo y las frías formas de la producción industrial. La rica burguesía
industrializada y parte de la aristocracia reclamaron unas formas más refinadas en el
arte. El modernismo propone un estilo decorativo que emplea elementos inspirados
en la naturaleza.
El modernismo tuvo un carácter integrador de las artes. Se interesó por la obra de
arte total, desde la estructura arquitectónica hasta el diseño de muebles y utensilios
domésticos, Se manifestó inicialmente en la artesanía, con líneas serpenteantes,
motivos florales y geométricos, llegando a crear un lenguaje artístico de ámbito
internacional europeo con diferentes nombres:
- Art Nouveau en Francia y Bélgica
- Liberty en Inglaterra
- Floreale en Italia
- Jugendstil en Alemania
- Modernismo en España
Características de la arquitectura en todos estos países son:
- Se rompe con la tradición y se rechazan los estilos históricos. Los artistas quieren
crear formas nuevas libres del peso de la historia
- Preferencia por las superficies onduladas, sinuosas y curvas inspiradas en la
naturaleza - La luz adquiere protagonismo, penetrando a través de miradores, ventanas, vidrieras.
- Se impone el “decorativismo”: motivos decorativos a base de materiales de color,
hierros forjados, maderas , inspirados en la naturaleza
- Hay libertad en la distribución del espacio interior y exterior de los edificios
BÉLGICA
Victor Horta Es pionero del Modernismo. En su casa Tassel reúne todas las claves del Modernismo.
La planta, alzado y diseño interior encuentran su inspiración en el mundo botánico.:
Primacía de de volúmenes y formas curvas.
Emplea el hierro en soportes , barandas , escaleras, balcones demostrando que el hierro
no era sólo un material resistente sino que tenía cualidades decorativas.
Renueva el espacio interior, prescindiendo del pasillo y habitaciones en fila.
Imita elementos vegetales en soportes, lámparas…
Realiza también edificios públicos y los Almacenes Innovation, un edificio comercial
FRANCIA
Destaca Hector Guimard que entre otras obras diseña algunas entradas de estaciones
de metro de Paris
ESPAÑA
El Modernismo español tuvo su centro en España y más concretamente en
Cataluña en la ciudad de Barcelona, donde la burguesía catalana será la mejor
clientela del nuevo gusto modernista.
Se inicia con la obra de diversos arquitectos como Domenech y Muntaner, autor del
Palacio de la Música, pero sobre todo destacó la personalidad de Gaudí
ANTONIO GAUDÍ (1852-1926)
Es una de las mentes más creativas de la arquitectura contemporánea. Se incluye dentro
del Modernismo pero su personalidad y originalidad lo alejan de los esquemas
generales del Modernismo europeo.
Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Hombre muy
religioso, de gran sencillez y conservador. Fue una mezcla de intelectual, bohemio
modernista y artesano medieval
Parte en sus comienzos de la inspiración gótica historicista francesa muy cerca de los
criterios de Viollet le Duc . Los supera y se acerca a la naturaleza creando un estilo
lleno de vida, realismo y sensibilidad.
Incorpora elementos decorativos inverosímiles (huesos, flores, escamas)
Formuló leyes totalizadoras de la arquitectura y el urbanismo ya que proyecta la
ciudad, la casa y los objetos y muebles que la decoran
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Creó un estilo tan personal que no dejó seguidores ni discípulos.
Su obra fue muy criticada en su tiempo y no preciada hasta mediados del siglo pasado.
Su formación historicista queda patente en sus primeros trabajos:
El neomudejar domina en El capricho de Comillas, palacio en piedra y ladrillo
. Tiene una especie de alminar. Parece nacido de un cuento.
Palacio episcopal de Astoria ,de estilo Neogótico en piedra..Domina la línea curva,
agujas en las torres.
Casa de los Botines en León, En piedra Neogótica.
Esta fase historicista termina pronto y evoluciona hacia un estilo más personal y
original. Le influyen las formas curvilíneas del Art Nouveau francés y belga y su amor
por la naturaleza.
Uno de sus más importantes clientes fue el empresario Güell, para quien realiza dos
obras:
Colonia Güell
Piedra y ladrillo como elementos naturales..
Cripta de la Colonia Güell, donde inicia todas las innovaciones arquitectónicas que irá
desarrollando: soportes inclinados y bóvedas con arcos parabólicos.
Los nervios recuerdan las ramas de los árboles. Se inclinan las columnas.
(Entrada del) Parque Güell
Era una ciudad jardín en una montaña con 60 viviendas que no se llegaron a
levantar.Actualmente es un jardín con elementos arquitectónicos
Se aprecian todas las innovaciones arquitectónicas:
- Superficies alabeadas,:
-soportes inclinados y arcos parabólicos
-materiales tradicionales (piedra y ladrillo) unidos a otros más novedosos
;fragmentos de cerámica de color, integrada en el cemento (trencadís), hierro y
cristal con fines exclusivamente decorativos
El centro de todo el proyecto es una plaza con forma de teatro griego.
Bordeando esa plaza hay un banco de formas onduladas, que permiten que se vean unos
a otros.El banco realizado con la técnica del trencadís, uno de sus símbolos más
importantes.
Debajo de la plaza hay una sola hipóstila de colúmnas (recuerdan al orden dórico)con
techos que forman lineas ciervas como si fueran nubes
Acceso a la plaza: escalinata presidida por una fuente con un dragón con la técnica del
Trencadís en tonos azules y amarillos., y una cabeza de serpiente
Casa Batlló
Fachada: sigue líneas curvas y subrayadas e incluye unas formas óseas.
Vidrieras de colores.
Tejado: recuerda la espina dorsal de un dinosaurio.
Todo lo diseñó Gaudí, tanto el mobiliario como los detalles interiores.
*Casa Milá (la Pedrera)
Encargo de la burguesía catalana. Una de sus obras maestras.
Domina la fantasía, pero nunca olvida que la principal función es la habitabilidad.
Busca hacerlo lo más útil posible .Se articula en torno a dos patios centrales
La fachada es espectacular. Domina la linea curva que se asemeja a una ladera
erosionada por las oleadas del mar. El sobrenombre de la “pedrera” es porque se
asemeja a un grupo de cuevas excavadas en la roca. Toda la fachada presenta un
ritmo ondulante. Se compone de un planta baja, cinco pisos y un ático con terraza. Cada piso está
separado por una ondulación diferente que recorre todo el largo de la fachada y que le
confiere una marcada horizontalidad.
Las ventanas y balcones están modelados en forma de motivos vegetales también
curvilíneos. Cada balcón es diferente
Domina el movimiento, no hay aristas ni esquinas, ni ángulos.
El tejado, de líneas sinuosas se cubre de chimeneas e imaginativas formas
escultóricas. Algunas nos recuerdan a guerreros.
Todo el edificio se sustenta mediante una estructura de hierro combinada con piedra y
ladrillo
En el interior las habitaciones son poligonales y los muebles fueron diseñados y
adaptados por el mismo Gaudí.
La gran obra de su vida fue
* La Sagrada Familia
Todo lo anterior había sido una experimentación para aplicarlo a su obra cumbre.
Era de tal magnitud que él pensaba que nunca lo iba a poder acabar.como así ocurrió
Está inacabada. La inició en 1883 hasta su muerte en 1926, cuando al dirigirse al
centro fue atropellado por un tranvía.
La Sagrada Familia fue concebida dentro de un estilo Neogótico, muy personal. Pero
a medida que avanzaba fue evolucionando hacia un estilo cada vez más inspirado
en la naturaleza. Utiliza el cemento, la piedra, el hierro y los mosaicos cerámicos
(Trencadís). Concibe la catedral con una planta de cruz latina con 5 naves y 1
ábside con girola o deambulatorio y capillas radiales (absidiolos).18 torres
Bajo el altar mayor una cripta.
El interior de las naves recuerda un bosque donde las columnas son troncos de
árboles cuyas ramas se abren soportando las bóvedas. En ellas, una serie de
ventanas con formas diferentes crean un juego de estrellas por donde entra la luz.
Exteriormente: el edificio tiene un sentido ascendente propio del gótico. El proyecto
está concebido con 3 fachadas: una a los pies y dos en los extremos del transepto.
Cada fachada tendría 4 torres dedicadas a cada uno de los apóstoles. La torre del
cimborrio en el centro, está dedicada a Jesucristo.
Las torres son torres campanario que tratan de imitar los tubos de un órgano y
están horadadas por una serie de orificios por donde sale el sonido de las campanas;
pensadas para difundir de una forma especial el sonido.
La primera fachada en el transepto terminada es la fachada del nacimiento: es un
auténtico retablo de exaltación naturalista, porque en ella se combinan más de 100
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especies animales y vegetales y decenas de esculturas integradas en el conjunto. Se
pasa del realismo a la abstracción .
Pórtico: parteluz, se continúa en el tímpano, recuerda un ciprés.
Centro: figuras sobre el nacimiento de Jesús y el bautismo.
Detalle de la vidriera de inspiración gótica; refleja un mundo de fantasía donde las
figuras van saliendo perfectamente integradas.
Agujas: inspiración abstracta. Cerámica vidriada
Está inacabada
Obra cumbre de Gaudí.
IMPRESIONISMO
1. Marco histórico
2. Caracteres
3. Pintores impresionistas
•Manet
•Monet
•Renoir
•Degas
4. Escultura: Rodin
POSTIMPRESIONISMO
• Cézanne
• Van Gogh
• Toulouse Lautrec
• Gaugin
Marco histórico- caracteres
Es un movimiento artístico que se produce en Europa en el último tercio del siglo
XIX y principios del siglo XX. La segunda mitad del siglo XIX es la época de la
revolución de los transportes: el ferrocarril, y nuevos descubrimientos como la
fotografía..
Se inicia con una exposición de pintura en París en 1874, que causó un enorme
escándalo entre la sociedad parisina. Un crítico de arte: Leroy, al comenzar la
exposición se fijó especialmente en un cuadro de Claude Monet, titulado “ Impresión
amanecer” y llamó de forma despectiva a todo el grupo que exponía "los
impresionistas".
El fracaso de la exposición fue estrepitoso. La burguesía francesa no entendió a estos
pintores. Se les consideró como provocadores que desafiaban la tradición, pero en
realidad, tan sólo trataban de atrapar la naturaleza en el cuadro, sin transmitir ningún
mensaje moralizante ni social.
El impresionismo es el arte por el arte; y su preocupación esencial es la plasmación
del paisaje al aire libre, la luz y la atmósfera. Pero para que esto se comprendiera fue
necesario llegar a finales de siglo. Entonces la actitud oficial cambió y se entendió que
el impresionismo significa la ruptura con la pintura tradicional y el punto de
partida de las nuevas tendencias del siglo XX. . En estos cambios, influyó mucho la
aparición de la fotografia. Este invento modificó el concepto tradicional de la pintura,
porque captaba la realidad de forma auténtica. Ya no hacía falta captar la realidad.como
tal.
El principio fundamental es que el artista debe pintar lo que ve, pero "de la forma
que lo ve". Defiende la pintura al aire libre frente al ambiente del taller, porque el
taller impedía ver los cambios que experimentan los objetos bajo las distintas luces.
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Por eso, aunque cada pintor aporta diferencias; todos coinciden en salir y reflejar en sus
lienzos la luz del Sena, de los bosques, de las calles, el ambiente de las terrazas...
Todos intentan captar la impresión del objeto bajo la luz, el color y al atmósfera de cada
momento
Hay un interrés prioritario por mostrar la luz y sus efectos . La luz había
preocupado a los pintores desde el Renacimiento (Leonardo, Piero de la Francesca);
pasando por el Barroco (Caravaggio, Velázquez); hasta los paisajistas ingleses (Turner).
Ahora el concepto de luz es diferente: los objetos sólo se ven en la medida que la luz
incide en ellos.( también influencia de la fotografía: la luz define al objeto) Los
antecedente más directos de este captar la luz con toque cromáticos los encontramos en
Turner .
Se abandonan las tonalidades oscuras par para representar las sombras.
Yuxtaposición de manchas de color. En relación con el color, la ciencia desarrolló
una teoría que los impresionistas hicieron suya, la gama cromática depende de unos
cuantos colores puros, que se mezclan ópticamente en la retina.
Los impresionistas decidieron demostrar que esto era cierto, pintando con pinceladas
pequeñas, rápidas; y colores puros, que unidas conseguían la tonalidad deseada, siempre
que el espectador observara el cuadro a la suficiente distancia. "Es como pintar la
naturaleza con vibraciones de color".
Supresión casi total de la línea y del dibujo. La pincelada siempre es fragmentada ,
espontánea y consigue unas superficies aparentemente inacabadas. A veces la pincelada
es pastosa, como aplicada directamente desde el tubo .Da una sensación inacabada.
(Los críticos al principio opinan que no saben pintar)
Esta técnica ya había sido experimentada por Velázquez y Goya y ahora cada
impresionista personaliza esta técnica de un modo especial, desde la técnica puntillista
(Seurat) hasta la pincelada llameante de Van Gogh.
La captación de lo instantáneo. Se intenta plasmar lo fugitivo, lo momentáneo.
Temas
Para ellos un cuadro es la impresión de un momento. Los temas son banales,
cotidianos.
Paisajes: busca el reflejo de la luz en el agua, en los árboles, en la piel; pero
también se interesan por los avances y progresos de la ciencia: barcos de vapor,
estaciones de ferrocarril., el humo…
También le entusiasma la vida cotidiana de la Belle Epoque: las regatas, las
carreras de caballos, las reuniones de amigos, el ballet.
Con frecuencia en cualquier tema hacen una serie de variaciones en apariencias
sucesivas: los Nenúfares de Monet, la catedral de Rouen...
El centro del impresionismo es Francia. En España destaca Sorolla como nuestro
más importante impresionista.
Manet
El precursor fue Manet.
Estudio a fondo a los grandes maestros, en especial a Goya o Velázquez.
Nunca aceptó formar parte de los impresionistas. No expuso con ellos, pero todos le
consideraron su maestro. Sin embargo, pocas de sus obras son propiamente
impresionistas.
La comida campestre o desayuno en la hierba
Aparece una mujer completamente desnuda y dos hombres vestidos, en un primer
plano, sentados; mientras que en un segundo plano, una mujer se refresca en las aguas
de un arroyo. La mujer sentada gira el rostro hacia el espectador y le mira en tono
desafiante, con cierto descaro; mientras que los hombres tienen la mirada distraída.
Uno de ellos extiende la mano haciendo un gesto que indica que está hablando.
En un primer plano a la izquierda, aparece la ropa de ella sobre la hierba y parte del
almuerzo en un bodegón La impresión que produce la escena es como de un boquete de
luz, abierto en medio del bosque.
Técnica: Manchas de colores verdosos con distintas tonalidades que contrastan con
el nacarado de la piel de la mujer desnuda, algunos tonos amarillentos y sobre
todo, la transparencia de los colores en el agua, que contrastan las superficies
cromáticas. Negro de la camisa de los hombres.
No hay claroscuro. La luz ilumina el cuerpo de las mujeres y las zonas de sombra
son
manchas de color.
El espacio es plano, la mujer desnuda parece suspendida en el aire.
Fue admirado por los impresionistas por la forma de tratar luz y color
Causó una crítica feroz, no por el desnudo; sino por cómo se está tratando el tema. Se
consideró como una provocación Se aceptaba un desnudo mitológico pero no un
desnudo banal como este. Se prohibió su exposición.
Olimpia
Es un desnudo muy provocativo. También causó escándalo. Representa una mujer
frívola tumbada en un diván, expuesta a la mirada del cliente. Junto a ella su
criada negra. Influencia de la Venus de Urbino de Tiziano, o la Maja desnuda de
Goya,
Colores planos, las figuras parecen recortadas en en un espacio sin profundidad. La luz
ilumina el blanco de las sábanas, el tono nacarado de ella contrasta con el oscuro de la
habitación y la piel de la criada.
La barca
Retrató a Monet, que había instalado su estudio en un barquito en el Sena. Hay un
puente. Chimeneas echando humo. Reflejo de la luz en el agua
La pincelada es rápida, nerviosa, pastosa
El dibujo pierde todo el protagonismo, todo es color. Tonos ocres, azules, amarillentos.
Contraste con el oscuro de la barca.
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• Monet (Muere en 1926)
Es el paisajista del grupo Se mantuvo fiel al movimiento impresionista toda su vida
Deseaba captar lo intangible. Su pasión por pintar los efectos de la atmósfera le
condujo a diferentes países europeos en busca de distintos paisajes. A su obra se le
pueden aplicar las características generales señaladas.
Viajó a Londres para intentar captar la bruma de la ciudad, viajó a Provenza para captar
la luz del mediterráneo; incluso a los fiordos noruegos, tratando de captar el aliento frío
de la nieve. Una consecuencia de esta ambición fue el "serialismo": reproducción
de un mismo tema en distintas horas del día o estaciones, para demostrar los
efectos cambiantes de la luz y el color sobre los objetos.
Llegó a pintar más de 3000 obras: escenas fluviales, marinas, acantilados, todo
realidades ambientales.
*Impresión, amanecer
Dio nombre al grupo en la exposición del 74.
La crítica fue demoledora. A todo el grupo se le denominó de forma despectiva
impresionistas.
Pintado directamente del natural. Capta el instante fugaz del amanecer
Es el puerto del El-Havre, donde pasó su juventud. La bruma diluye las formas.
Tres botes de remos en el puerto navegan en un mar de calma bajo la niebla de la
mañana y el humo de las fábricas.
El disco del sol se abre paso entre la niebla y refleja su luz en el agua.
Al fondo, se insinúan unos barcos mercantes y las chimeneas de las fábricas; que
dificultan la visión y diluyen las formas.
Los botes parecen navegar hacia el espectador.
La pincelada es corta, rápida, suelta. Define la atmósfera del puerto, con neblina
Aplica el color con fuerza. El dibujo desaparece; dibuja manchas Domina el azul
grisáceo. Apenas se insinúan las formas. Tono rojizo del sol, deja reflejos anaranjados
en el agua. .
Contraste del tono oscuro de los botes.
Pretende captar un instante del amanecer captando la atmósfera y el reflejo de la
luz en el agua..
Influencia de Turner.
*Catedral de Rouen
Pinta la fachada de la catedral gótica a distintas horas del día o estaciones del año
Utilizando un color predominante, el azul en el amanecer, tonos dorados al atardecer.
Intenta captar las variaciones y los cambios de luz sobre la fachada. Casi se pierde
la forma y solo le interesan los efectos lumínosos del color.
*Ninfeas
Recoge el estanque del jardín del pintor en distintos momentos del día. Las formas de
los nenúfares parece que se disuelven en el agua. El color se diluye.
Es un estudio del reflejo de la luz en el estanque.
Las amapolas
Paisaje en un campo de amapolas.
Avanzan una pareja formada por una dama y una niña.
Juega con la fuerza del color: tono naranjado y rojo de las amapolas, tonos verdosos
del resto.
Jardín de Giverny
Macizo de lirios, bajo una luz que penetra a través de las ramas de los árboles. Al fondo,
se adivina una casa.
Reflejo de la luz en las flores.
Regatas
Escenas sobre veleros, en el Sena.
Contrasta el azul intenso del agua con el blanco de los barcos. Los reflejos del agua, la
luz, la atmósfera cambiante reflejan el espíritu del impresionismo
Renoir
Es el retratista del grupo. Su interés es plasmar la luz en el cuerpo humano. , en
escenas llenas de vitalidad y alegría.
Experimenta con las impresiones lumínicas
Trata de captar las vibraciones de la luz a través de los árboles y su reflejo en los
cuerpos. Sus pinceladas parecen llamas de color.
Le moulin de la Galette
Es un retrato colectivo de sus amigos hablando despreocupadamente en una terraza, una
tarde de verano mientras un grupo de parejas bailan.
En primer término, el grupo charla en torno a una mesa donde aparecen los vasos de las
bebidas a medio consumir.
Dos mujeres cierran el círculo, mientras otros bailan. Una pareja parece mirar al
espectador.
Lo más llamativo es la luz que se filtra a través de las hojas y se refleja en los
cuerpos, dejando manchas de luz y sombra en las chaquetas, vestidos. Hay
también luz artificial
Tonos verdosos, azulados, amarillos que contrastan con el tono oscuro de las
chaquetas.
Escena cotidiana que refleja la alegría y ganas de vivir la “Belle Epoque".
Madame Charpentier y sus hijos
Escena familiar .La madre observa a sus hijos que hablan entre sí con toda naturalidad.
En la playa
Joven sentada con una labor entre las manos. Gira el rostro y mira al espectador.
Al fondo, paisaje del mar con unos veleros.
El dibujo no existe. Las pinceladas largas, rápidas, aplican el color en forma de manchas
que sugieren las formas. Colores verdosos, azules, amarillentos.
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Niña con regadera
El almuerzo de los remeros
Recuerda al Moulin de la Galette.
Hay una reunión distendida junto a la mesa, con mantel blanco, centro de la
composición Nadie está mirando al pintor. Es un momento captado en una reunión.
Al final de su vida, Renoir sufrió una especie de crisis, él mismo confiesa que había
llegado al final de las posibilidades del impresionismo.
Trata de recuperar el dibujo, la línea y la forma. Esta tendencia se puede observar
en:
Los paraguas donde recupera forma y dibujo
Degás
Es el más atípico, porque sólo pintó en algunas ocasiones al aire libre.
Se incluye dentro del impresionismo por su técnica de pincelada rápida. Es el
cronista de la alta burguesía a la que él pertenecía.
Sintió especial interés por la figura humana y su capacidad de movimiento y contorsión.
Este interés se concreta en su tema preferido:
Las bailarinas de ballet
Capta el mundo del ballet en todos sus momentos: ensayos, escenario, desuso. Todo
visto bajo las candilejas (focos) reflejándose en los tutús mostrando el brillo y
transparencias de los trajes de ballet. Capta el momento fugaz de los pasos de baile
como una instantánea fotográfica,
Otro de sus temas favoritos es el ambiente de los hipódromos:
En las carreras
Jinetes en el momento previo a la carrera.
También le interesa el arreglo femenino de la mujer.
ESCULTURA IMPRESIONISTA: RODIN
El impresionismo es un movimiento esencialmente pictórico, pero que también ejerció
una profunda influencia en la escultura.
Algunos pintores como: Renoir o Degas en la última etapa de su vida se dedicaron
también a la escultura, intentando captar la luz resbalando por los cuerpos, mediante un
modelado rugoso de la superficie.
El que mejor plasma el impresionismo en escultura es Auguste Rodin.
Rodin (último tercio s. XIX, principios s XX)
Es el autor más representativo del siglo XIX.
Sus obras tratan de captar los efectos de la luz sobre un particular tratamiento de
las texturas y superficies Consideraba que la estatua debía guardar relación con la
atmósfera que le rodea
Él supo combinar la herencia clásica con los nuevos hallazgos estilísticos y abrir las
puertas de la escultura moderna gracias a sus innovaciones
Su obra trataba no de copiar la realidad; sino de transmitir sensaciones y sentimientos.
Estudió apasionadamente la escultura clásica y sobre todo a Miguel Ángel, que
ejerció en él una enorme influencia. De él le influyen:
- Estudio anatómico.
- Fuerza de la musculatura.
- Formas sobredimensionadas.
- Non-finito de la obra
Estuvo sentimentalmente unido a los impresionistas y reaccionó contra los modelos
inmóviles de las Academias.
Su escultura fue considerada en su tiempo como inacabada, porque presentaba
partes en piedra sin terminar con el fin de potenciar el efecto simbólico y la
expresividad. Sus obras "no acabadas" deben ser completadas por la imaginación
del espectador, siguiendo un efecto impresionista.(Recordamos como antecedente la
obra inacabada de Miguel ángel: Non finito)
Hace figuras en bronce y también en mármol
Influyó muchísimo en la escultura del siglo XX
La edad del bronce Hombre de pie, desnudo.
Las puertas del infierno
Fueron un encargo del Museo de Arte decorativo de París; y están inspiradas,
temáticamente en la "Divina Comedia" de Dante y en "las flores del mal" de Baudelaire.
Recuerdan las puertas del Baptisterio de Florencia A diferencia de Guiberti, Rodín
prescinde de los compartimentos y funde espacio-tiempo.
Constituyen un ambicioso proyecto, que incluía 186 figuras y que no llegó a
terminar.
De algunos de sus esbozos surgieron algunas figuras consideradas como obras
maestras y que después él desarrolló de forma independiente y en tamaño mayor,
especialmente
El pensador o el beso
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En estas puertas, el pensador contempla desde el dintel los horrores de los
condenados que se precipitan al infierno. Recuerdan también la pintura del Juicio
final de Miguel Ángel.
Las figuras son retorcidas, musculosas, llameantes y están talladas en distintos
planos; desde un bajo a un alto relieve. El efecto es como de un gran retablo de las
pasiones de la humanidad, desde la sensualidad del beso, hasta el sufrimiento de Adán y
Eva. Constituyen una especie de meditación sobre el destino de la humanidad.
Altura de más de 5 m. Fundidas en bronce.
El beso
Es una de las pocas esculturas de Rodin aceptadas por el público.
Es una fantástica expresión de la belleza, conseguida mediante el movimiento
suave de superficie y líneas onduladas que se multiplican en una composición que
parece encerrarse en sí misma. El rasgo más destacado es la multiplicidad de puntos
de vista que obligan a rodear el grupo escultórico
El pensador
Hombre concentrado en sus pensamientos, en posición sedente.
Fue concernido inicialmente como la figura que debía presidir las puertas del Infierno
desde el dintel.
Los distintos planos y superficies rugosas y pulidas producen un juego cambiante
de luces y sombras. Recuerda a las figuras de las tumbas de los Médicis de Miguel
Ángel.
Inicialmente representaba a Dante, pero posteriormente ya como escultura
independiente, es simplemente un hombre en actitud reflexiva,
Está desnudo, con los brazos, las manos y los pies sobredimensionados (Miguel Ángel).
Piensa involucrando su cuerpo. Todos los músculos están en tensión, como crispados
por el esfuerzo; esto y la concentración del rostro nos llevan a Miguel Ángel. Más
que ejercicio mental parece estar haciendo ejercicio físico.
Es una escultura cerrada en sí misma.
La mano derecha sostiene la cabeza, la izquierda descansa sobre la rodilla y el
acabado recuerda el non-finito.
La superficie rugosa provoca contrastes de luces y sombras, que transmiten más la
sensación de tensión.
Esta obra se interpreta como un símbolo del pensamiento y como una reflexión sobre el
destino trágico de la humanidad
Los burgueses de Calaís
Grupo escultórico. Rodín recurrió en este encargo a la deformación anatómica para
acentuar la fuerza expresiva, con lo que se anticipó al expresionismo
Representa el momento dramático en que los seis burgueses más importantes de Calais
se rinden ante el rey de Inglaterra (s XIV), semidesnudos y descalzos ( serían
ejecutados.)
Rodin quería que estuviese a la misma altura que los ciudadanos que pasaran junto a
ella pero se elevó sobre un pedestal.( En posible comentario añadir todas las
características de Rodin).
Monumento de Balzac
Literato del realismo francés.
Envuelto Balzac en un albornoz, (ya que se envolvía para escribir en ese albornoz)
Trata de simbolizar la creatividad del autor. Gran fuerza expresiva.
POSTIMPRESIONISTAS
Este término se popularizó hacia 1910, para catalogar a una serie de pintores que se
venían relacionando con planteamientos impresionistas si bien eran más rupturistas que
ellos.
Estos pintores piensan que la obstinación de los impresionistas por plasmar en la pintura
el instante fugaz. los había conducido a un punto sin retorno.
Los artistas insatisfechos traspasaron los límites del impresionismo, pero sin renunciar a
los logros técnicos que se habían obtenido.
La síntesis pictórica que elaboran abre las puertas a las vanguardias del siglo XX.
Algunos rasgos son:
- Recuperación del dibujo y las formas
- Preocupación por captar la fuerza expresiva de los objetos y personas
iluminadas.
- Se recrean en el análisis de las formas .
Los grandes representantes del movimiento postimpresionista son:
• Cézanne
• Gauguin
• Van Gogh
• Toulouse Lautrec
• Cézanne (1839-1906)
Es uno de los pintores postimpresionistas que más influencia ha ejercido en todos los
movimientos posteriores.
Su influencia fue definitiva en el cubismo, y otras corrientes del siglo XX No alcanzó
la popularidad hasta los 50 años.
Rasgos:
Del impresionismo aprendió la observación directa de la naturaleza y la
importancia de la luz, pero se distanció del grupo progresivamente ya que le
preocupaba el volumen de las formas olvidándose de lo fugaz del impresionismo.
Decía. “en pintura hay dos cosas : ojo y cerebro”
Considera que las formas se estructuran en torno a tres módulos geométricos: esfera
cilindro y cono.
-Dice que hay que aprender a pintar sobre esas formas esenciales.
Frente a la pintura del momento fugaz, su obra es fruto de un trabajo lento y reflexivo.
-Su geometrización de las formas es una antelación del cubismo.
-Considera el color como un medio para destacar las formas, mientras que en el
impresionismo, el color las diluye.
-La pincelada sirve para aplicar ese color a las formas y les da volumen y sensación de
peso..
Bañistas
Grupo de figuras desnudas, dos de pie.
Mujer sentada a la izquierda en un estanque.
Fondo plano, la perspectiva pierde valor. 12
El color lo usa para destacar las figuras, olvidando la perspectiva. Tonos azules,
verdes, amarillos. En Las grandes bañistas (libro) se observa la geometrización de los
volúmenes, base del cubismo.
*Los jugadores de cartas
Pertenece a una serie de cuadros del mismo tema
Hombres en torno a una mesa, presidida por una botella de vino, juegan a las cartas
El eje de simetría lo marca la botella que divide el lienzo en dos partes, que no son
exactamente iguales:
Un jugador está en un espacio más amplio y su cuerpo más erguido.
El otro jugador se inclina sobre la mesa.
Emplea formas geométricas: la mesa plana, la botella cilíndrica, conos de los
brazos, el cono del sombrero y la esfera de la cabeza.
El color sirve para destacar las formas y el volumen.
Los tonos se contraponen en los dos jugadores, señalando más la tensión del juego
El fondo es plano, sin perspectiva; sirve para que destaquen las figuras solamente.
Todo subraya la confrontación de los dos. El personaje de la izquierda es el mayor. Sus cartas son más blancas. Transmite la
sensación de seguridad y de serenidad del ganador. El personaje de la derecha:
expresión del vencido. Se inclina. Sus cartas son más grises.
Cézanne quiere simbolizar aquí el enfrentamiento con su padre, que nunca le
aceptó como pintor.
La montaña de Santa Victoria
Hace una serie de vistas de esta montaña donde la perspectiva ha dejado de tener valor.
Combina diferentes manchas geométricas de diferentes colores captando volúmenes.
Bodegón
Hace muchos bodegones donde combina puntos de vista diferentes, lo que anunciaba el
cubismo. Los elementos que lo componen le servían para el estudio de formas sólidas
permanentes frente a lo fugaz del impresionismo La perspectiva desaparece.
Retratos
La mujer de la cafetera
Su esposa al lado de una mesa con una cafetera.
• Gauguin (1848-1903)
Fue un aventurero.
Inicialmente fue marino, luego corredor de bolsa, actividad alejada del arte Luego se
inició dentro del impresionismo con Pisarro.
Pero pronto se alejó del grupo en busca del primitivismo.
Viajó a Las Antillas y a América Central con la intención de romper con la civilización
occidental y la artificialidad de la sociedad burguesa. Buscaba la regeneración del arte
europeo.
Regreso a Francia y durante unos meses vivió con Van Gogh al Sur de Francia; pero su
relación acabó de forma dramática.
Volvió a los mares del Sur (Polinesia) en busca de la vida en la naturaleza. Busca
fuentes de inspiración más puras y primitivas
Su pintura se centra en la exaltación del color, que es el principio que más tarde siguió
el fauvismo.
Él decía, en lugar de pintar la naturaleza tal como se ve, se la debe transformar en
un juego de colores libre. Pinta como si realizara vidrieras, creando amplias zonas de
color y contorneando las figuras de forma muy nítida. Las líneas oscuras separan
espacios cromáticos de colores planos.
Él quería expresar sus sentimientos e ideas, temas relacionados con su mundo interior
La influencia de la pintura indígena, aumentó la fuerza expresiva.
Obras:
Visión después del Sermón
Grupo de mujeres vislumbrando un ángel luchando contra Jacob, objeto del sermón al
que han asistido las mujeres Colores planos: blanco de las tocas, azul intenso, rojo. El
simbolismo se aprecia en la mezcla del mundo real con el imaginario. Color
antinaturalista de la hierba. Fondo plano
Cristo amarillo
Contraste entre tonos amarillos, ocres, blancos. Tema medieval actualizado. Figuras a
sus pies. Se recorta sobre el paisaje Cristo algo desplazado. Fuertes contrastes
cromáticos. Colores antinaturalistas.
*Mujeres indígenas. Grupos de dos mujeres Plasma la vida de las indígenas,
destacando su sensualidad. Las líneas remarcan las formas, colores planos, como
vidrieras.
Contraste entre el color oscuro de la piel y el blanco del traje.
*Tahitianas
En primer plano, se recortan sobre la arena .Al fondo del mar, sin perspectiva Las
mujeres presentan trazos curvos, actitudes relajadas, colores cálidos.
• Van Gogh (1853-1890)
Es holandés.
Tuvo una vida corta. Era apasionado, sensible y desequilibrado. Al mismo tiempo
fue un prodigio de actividad creadora. Vivió sólo 37 años.
Fue en los últimos nueve años en los que realizó la mayor parte de su obra (casi 1000
obras), aunque sólo vendió una en su vida. En cambio, paradójicamente, Van Gogh es
de los más cotizados en las subastas de cuadros actuales. Económicamente dependía de
su hermano Teo.
Ante el agravamiento de su enfermedad mental ingresó en una clínica psiquiátrica
donde lo llamaban "el loco pelirrojo".
Acabó suicidándose en 1890.
Llegó a París sobre el año 86. En Paris, entró en contacto con los impresionistas, con
los que no se identificó plenamente.
En el Sur de Francia pasó sus últimos años, en Arles, y aquí empezó a utilizar la
pincelada ondulante, llameante; que lo caracteriza. Aplicaba el color con tonos
intensos, puros: azules, amarillos, verdes, tan representativos y realiza los contornos
de las figuras con líneas curvas y negras. Pone el color al servicio de la expresión .
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Su técnica es de pinceladas rápidas, discontinuas, fragmentadas en manchas, comas,
líneas onduladas
Pintó paisajes de formas serpenteantes que representan su atormentado mundo
interior. Espacio de horizontes lejanos, cielos nocturnos estrellados
Otros temas los cipreses (como llamas que se elevan), los suelos estremecidos, los
girasoles, los lirios, escenas de interior (su habitación). Amplia serie de autorretratos en
los que emplea distintas técnicas y muestran el deterioro de su aspecto físico y la
enfermedad. Durante su estancia en Arles, estuvo compartiendo taller y viviendo con
Gaugin; pero se pelearon y se cortó una oreja.
• Primera época en Holanda
Los comedores de patatas
Más próximo al realismo. Realidad social de un grupo de campesinos que tras el trabajo
se reúnen para compartir la escasa comida .(él fue predicador en un pueblo de mineros,
está cerca de la pintura realista)
Predominan los tonos oscuros, grises. No se parece a la obra de Arles.
Luz de un quinqué que resalta los rostros un poco deteriorados por el trabajo y sus
condiciones de vida.
• Arles
*Café de Arles de noche
Café de Arles, mesa de billar en el centro y mesas y sillas. Las formas están resaltadas
por un dibujo enérgico y oscuro. Tono amarillo del suelo, azules de las mesas.
Luz que vibra en los quinqués del techo se refleja en el amarillo intenso del suelo.
Cierta perspectiva lineal (líneas convergentes del suelo, paredes y puerta abierta al
fondo de donde procede una la luz más clara.)
Pincelada rápida para aplicar el color, nerviosa.
El cuadro transmite cierta carga emocional. Los personajes escasos aparecen aislados,
sin comunicación El mismo decía que “el café es un lugar donde uno puede arruinarse,
volverse loco o cometer crímenes”
*Terraza del café de noche
Cielo oscuro, donde las estrellas brillan de forma especial. Pinta la terraza amarilla
intensa: luz eléctrica, artificial. Suelo, pincelada rápida, curva.
Efecto de la luz sobre el empedrado.
*Su habitación en Arles
A la derecha su cama, una mesita, una jarra con agua, sillas...
En la pared del fondo la ventana semicerrada indica su estado deprimido.
En las paredes algunas de sus obras, retratos.
La perspectiva es simple y lineal: líneas convergentes del suelo, paredes. Mobiliario
sencillo. Colores muy vivos, contrastados
Tono azulado paredes, rojo intenso de la colcha que cubre la cama que indica su
inestabilidad.
Campo de cipreses
Dos cipreses llameantes: derecha.
Izquierda: heno y otros árboles
Fondo: montañas onduladas.
Cielo: marcado por unos torbellinos.
.
Las líneas onduladas transmiten inestabilidad al paisaje.
El sentido ascendente que produce la verticalidad de los cipreses recoge las
inquietudes espirituales de este hombre con una mente atormentada.
*La noche estrellada (1889)
Este año ingresa por decisión propia en el manicomio de Saint- Remy. Ya había pintado
cielos nocturno, pero esta es una obra maestra.
En primer término: cipreses llameantes, que marcan un sentido ascendente, vertical,
junto a la torre de esta Iglesia. Indican su espiritualidad y ansia de libertad
El cielo está lleno de torbellinos; es la luz de las estrellas que parecen girar en un
movimiento frenético. Son torbellinos amarillos rodeados de pinceladas blancas.
Son una muestra de la personalidad atormentada, La luna es amarilla,
contrastando con el azul intenso del cielo.
Parte inferior: un pueblo, cuyas casas se subrayan con líneas rectas que contrastan con
las onduladas líneas del fondo.
Utiliza pinceladas vigorosas de trazo discontinuo y circular. La pincelada rápida
Violetas intensos, azules y amarillos. Todo indica su inquietud interior..
Lirios
Sus tallos parecen moverse por el efecto del viento.
La iglesia de Auvers
Iglesia gótica sobre una colina, que parece a punto de desmoronarse bajo un cielo
intensamente azul con torbellinos .Refleja su Inestabilidad interior.
Hacia la iglesia se dirigen una serie de caminos serpenteantes por uno de los cuales
camina una mujer
Tonos amarillos, azules. Pincelada llameante.
Autorretrato con la paleta
"Autorretrato vendado".
Expresión de ojos inestable: situación de su mundo interior (se había cortado la oreja)
Retrato del doctor Gachet Sentado sobre la mesa, apoyado sobre la mano derecha. Expresión triste.
Líneas inestables.
Los girasoles
Fondo plano, uniforme, sólo sirve para destacar la forma de los girasoles. Pinceladas
rápidas Tonos amarillos. Simbolizan el sol de Arles.
• Toulouse Lautrec (1864- 1901)
Valiéndose de la técnica de los colores puros pintó el ambiente de los "bajos fondos" de
París (las bailarinas de los cabarets, los cafés) y representa la expresión del artista
parisino, bohemio, que fue capaz de convertir los carteles en obras de arte. Seguidor de
Degas, le interesa la figura humana .
En el Baile en el Moulin Rouge las figuras se delimitan de manera muy nítida y capta
el momento instantáneo del giro.
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