La eficacia de la formación en relación a la situación laboral de los agentes culturales en Cali:

Emprendimiento y gestión, alternativas para fomentar la construcción de la industria cultural

enfocada a las artes visuales.

Trabajo de grado como requisito para optar por el título de Maestro en Artes Visuales de la Pontificia

Universidad Javeriana Cali

Daniella Martínez Castañeda

Asesor

Carlos Dussan Gómez

Pontificia Universidad Javeriana Cali

Departamento de Arte, Arquitectura y Diseño

Carrera de Artes Visuales

Octubre de 2016

1

A los que buscan respuestas.

A los que se han hecho estas preguntas.

A los que quieren evolución.

A los que son agentes de cambio.

Y a mis papás.

2

Índice

● Introducción ………... …………………………… ……………………………5-6

● Planteamiento del problema …………………………………………….7-8

● Objetivos generales y específicos …………………………………………………9

● Antecedentes ……………………………………………………………………..10

o La juventud y los artistas ……………………………………………10 - 14

o El trabajo y el empleo en el campo de las artes visuales ……………14 - 18

o El mercado en las artes visuales …………………………………….18 - 20

● Marco de referencia conceptual ……………………………………………. 20 - 21

● Metodología ………………………………………………………………... 22 - 24

● Desarrollo ………………………………………………………………………...25

o Sobre la cultura y el emprendimiento ……………………………………25

o Tecnología, juventud y trabajo ……………………………………...26 - 27

o Emprendimiento Cultural …………………………………………...28 - 33

o El arte, el artista ……………………………………………………..33 – 34

o ¿Arte Engógeno? …………………………………………………… 34 - 35

o Sobre la educación …………………………………………………..35 - 39

● Conclusiones ………………………………………………………………...40 - 43

● Referencias …………………………………………………………………..44 - 48

3

PALABRAS CLAVE: Emprendimiento Cultural, Jóvenes Artistas, Producción Artística,

Gestión Cultural, Arte, Cali.

Modalidad de Trabajo de Grado: Monografía

4

Introducción

La temática central que aborda esta investigación se focaliza en el quehacer de los graduados

en artes de universidades públicas o privadas, los artistas, emprendedores, curadores, gestores

culturales y demás entes al servicio de la cultura que surgen a partir de una formación que

únicamente prepara al creador. Para la realización de esta investigación tomé una serie de

entrevistas a múltiples egresados de las carreras de artes plásticas/visuales, profesores,

gestores, galeristas, ciudadanos del común que residen en la ciudad de Cali, la cual ha

permitido una revisión actualizada sobre lo que piensan y sienten estas personas desde el

lugar que han asumido respecto al panorama cultural; esto puede dar una comprensión más

amplia del contexto social, cultural y artístico donde se desarrolla la investigación,

específicamente en relación a la educación recibida, las oportunidades, los desafíos y sus

propias reflexiones frente a las relaciones con el entorno donde se desenvuelven.

Fueron consultadas, además, algunas fuentes conceptuales desde documentales,

emprendedores culturales, gestores, y teóricos de otros campos que han permitido una lectura

social más amplia, entre los que destacan, Zygmunt Bauman con sus reflexiones sobre la

educación contemporánea, Ulises Carrión y su búsqueda exhaustiva sobre nuevas estrategias

culturales, la ruptura con el concepto de artista que se impone en los institutos y

universidades además de hacer una revisión desde la cultura, a partir de la lectura y análisis

de investigaciones en otras universidades con programas de artes en Latinoamérica y Estados

Unidos sobre temáticas similares, artículos como “The Dead of the Artist and The Birth of

The Creative Entrepreneur ” de William Deresicwicz, son pieza clave para la construcción

teórica que sustenta este escrito. Esta es una investigación cualitativa no representativa, en

este sentido, la investigación se delimita en torno a un grupo significativo de personas en

servicio del arte (desde profesores, artistas, egresados, galeristas, gestores culturales y

espectadores) (Cinco hombres y cinco mujeres) entre 22 y 40 años de edad, cuya graduación

haya ocurrido entre el año 2009 y 2015 (para el caso de los egresados) para el resto de los

entrevistados, que su práctica o labor artística haya estado vigente desde los últimos 7 años

aproximadamente y que se encuentren activos en la ciudad de Cali. El análisis de la

información se realizó basado en categorías emergentes, construidas a partir de los

testimonios recogidos a través de entrevistas personales, conversaciones y revisión de sus

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portafolios.

La metodología que se usó para el desarrollo de esta investigación se divide en cinco fases,

que se detallan en el capítulo correspondiente en este documento.

FASE I: El procedimiento; en esta primera fase se realizará una recopilación de la

información de egresados entre 2009 y 2013 que residan en Cali y se dediquen a la praxis

artística y otros agentes culturales. Así como realizar una preselección y la selección de

quienes harán parte de la investigación según los criterios de delimitación y de muestra.

FASE II: En esta fase se realiza una segunda compilación de información, pero a partir de

los escogidos, como entrevistas, registro fotográfico y audiovisual, así como la revisión de la

obra de dichos artistas en la web (como publicaciones, reseñas, entrevistas)

FASE III: En este punto se definirán las categorías de análisis emergente mediante una

matriz que permita el análisis claro de los resultados.

FASE IV: Aquí se establecerán los hallazgos obtenidos a partir de las fases anteriores y el

análisis de los resultados, permitiendo una presentación de conclusiones rigurosas y

consistentes con los objetivos propuestos.

FASE V: Se realizará la entrega del informe final de la investigación.

Los resultados de esta investigación permitieron evidenciar, entre otras cosas, las siguientes

problemáticas que se viven dentro de la sociedad caleña en el entorno de las artes, desde la

educación, las oportunidades de trabajo, la difícil tarea de vivir del arte, la falta de industria

cultural focalizada a las artes plásticas y visuales, la carencia de curadores y galeristas, la

poca salida de los artistas jóvenes emergentes en la ciudad, la migración del artista hacía

otros lugares, la falta de seriedad con los proyectos personales, las dinámicas de mercado y el

futuro que les espera a los próximos artistas en Cali. Estos hallazgos se encuentran explicados

por secciones cuyos títulos son: 1.) Sobre la cultura y el emprendimiento 2.) Tecnología,

juventud y trabajo 3.) Sobre la educación 4.) ¿Arte Endógeno?

Los resultados presentados a partir del siguiente ejercicio investigativo quedan abiertos a ser

nutridos posteriormente por trabajos que estén en búsquedas orientativas respecto a este tipo

de problemáticas.

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Planteamiento del Problema

“El invariable propósito de la educación era, es, y siempre seguirá siendo, la preparación de

los jóvenes para la vida. Una vida de acuerdo con la realidad en la que están destinados a

entrar. Para estar preparados, necesitan instrucción, «conocimientos prácticos, concretos y

de inmediata aplicación» para usar la expresión de Tullio De Mauro"( Zygmunt Bauman,

2013)

Inicio este apartado con la frase que antecede a esta línea, extraída del ensayo del polaco

Zygmunt Bauman titulado Sobre la educación en un mundo líquido, esto, con el propósito de

hacer énfasis en el objetivo de la educación de preparar a la juventud para la vida laboral y

para soportar la realidad que deben afrontar. ¿Nos están preparando a quienes elegimos una

carrera como Bellas Artes/ Artes Plásticas / Visuales, para la vida laboral? Esta ha sido una

de las preguntas que me he hecho después de cinco años de carrera universitaria. Y descubrí

que no he sido la única.

Esta inquietud parte desde mi experiencia como estudiante y desde la necesidad de conocer

cuáles son los caminos que han elegido algunos de los profesionales en arte y desde rutas

paralelas al oficio de creador, como la gestión y el emprendimiento cultural; para llegar a

una comprensión del funcionamiento de la sociedad actual, recurro a los conceptos de las

sociedades de masas; esto con el propósito de indagar con más profundidad en la

problemática actual de la incertidumbre del que estudió para ser “artista profesional” y en las

necesidades de los habitantes que consumen servicios y contenidos culturales. Esta

investigación no pretende de ninguna manera, relacionar directamente algunos de los

conceptos sociológicos y antropológicos que propongo como referencias en el marco

conceptual ya que esto direccionará la idea principal hacia otras rutas que en esta

investigación no compete indagar.

7

El artista puede insertarse laboralmente dentro de otros ámbitos que no se relacionan

directamente con su aprendizaje académico, pero sí con el sector en el que se instauran. Esto

se debe a que están educando prospectos de artistas sin bases para administrar lo que será su

bien principal: el arte o más ampliamente, la cultura ¿A qué me refiero con esto? A que se

imparten clases que son importantes para el conocimiento y para fomentar en mayor medida

la producción artística, pero no las que pueden ser esenciales para fortalecer profesionalmente

al egresado en cuestiones laborales alternas. Otras rutas como la gestión y el emprendimiento,

por ejemplo; aunque también se imparten (en menor medida) cursos sobre emprendimiento

cultural y gestión, es importante evidenciar estas rutas no son imprescindibles en los planes

de estudio. Además de la estructura social en la que el ciudadano común no tiene en su

imaginario la idea de la profesión del artista como la de un profesional similar al que estudia

medicina, sino como una profesión de la que desconoce qué es y para qué es útil . Así como

tampoco hay suficiente inversión por parte de los que son coleccionistas, pero no conocen o

desconfían de lo que se produce actualmente, como, por ejemplo, aquellos que no compran

arte a jóvenes o emergentes, así como la poca asistencia a espacios para actividades artísticas,

como museos, galerías.

Las necesidades de los profesionales se ven limitadas según el modelo de vida que han

elegido seguir. Sin embargo, principalmente es necesario conseguir un empleo o trabajar para

poder suplir esas necesidades básicas y preferiblemente, con el enfoque propio de la carrera

profesional. El joven de hoy, hace parte de la generación de los Millennials (Rivas, 2013), 1

una generación que desea vivir de lo que le gusta hacer, además de querer ser su propio jefe;

es decir, el joven de hoy, quiere ser un emprendedor ¿es esto lo mismo que ser un

artista?¿Cuáles son las competencias de un profesional en artes visuales? ¿Qué papel

cumplen, el emprendimiento y la gestión, al momento de ser un mecanismo para ayudar a la

construcción de la industria cultural en Cali?

1 Generación Y, es la generación que redefine la forma de trabajar del futuro. Equilibrando la pasión con la sostenibilidad.

8

OBJETIVO GENERAL

Establecer la correlación de las condiciones del entorno y la formación adquirida por los

profesionales en artes plásticas y visuales, gestores, profesores y demás agentes culturales,

respecto a sus experiencias y trabajo en Cali.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

1. Identificar cuáles son las posibilidades de trabajo que han escogido los graduados en

artes que no se dedican a la producción de obra.

2. Visibilizar las necesidades que se presentan respecto a la educación en artes, por

parte de los egresados al momento de enfrentarse a la vida laboral.

3. Reconocer la importancia de estas nuevas posibilidades complementarias a la

creación como un bien necesario y esencial para la construcción de un entorno con

más oportunidades de inserción laboral desde el trabajo y no desde el empleo en Cali.

9

ANTECEDENTES

La juventud y los artistas

La historia de los jóvenes en Colombia es el principal indicador en dar cuenta de la influencia

de la cultura en ellos mismos a través de los años, y de cómo se han transformado las

ideologías y en otros casos se persiguen aun los mismos ideales. En la investigación Historia

de los Jóvenes en Colombia, Cap IV: Jóvenes y Cultura en el siglo XX (Carlos Arturo Reina,

1991) señala las nuevas expresiones culturales de la juventud que desde la segunda mitad del

siglo XX hasta la última década del mismo, explica cómo desde los años veinte se

concertaban espacios para la realización de actividades de carácter artístico; eso sucedía por

iniciativa de estudiantes que no tenían prioridad por parte de las entidades gubernamentales

de la época y no fue sino hasta la llegada de la República Liberal (1930 -1945) que los

jóvenes son priorizados por el gobierno y se generan alternativas para la seria concertación de

estos espacios que se ofrecían a prácticas deportivas, folclore y radio. El contexto que

envuelve a la República Liberal, se remonta a la crisis del conservatismo y al ascenso del

liberalismo con la presidencia de Olaya Herrera en 1930, después de la hegemonía que se

vivió desde el partido conservador para la elección de presidente en años anteriores.

En este aspecto, es importante señalar que este suceso histórico marcó la transición de la

negación a la aprobación del uso del suelo para prácticas culturales por jóvenes estudiantes.

La ruptura entre gobierno conservador al gobierno liberal, indicó un deseo de cambio y por

ende una facilidad para reconocer a los jóvenes como los liberales del futuro.

En otros aspectos culturales, pero más llevados a las artes plásticas, en 1940 se crea el primer

salón regional de artistas Colombianos, denominado el salón del 12 de octubre, ese mismo

día se realizó la “fiesta de la juventud” y la idea era que artistas en su momento emergentes se

visibilizan por medio de ese espacio.

10

En esa línea, y posterior a la Segunda Guerra Mundial en Occidente, aparece un movimiento

por parte de jóvenes pensadores a mediados de los años cincuenta en Medellín “El

Nadaísmo” (Sanagogo, 2008). Este movimiento surge a partir de la relación entre razón y

temporalidad, así como de la representación joven y de lo viejo y de cómo coexisten estas

polaridades. Se dice que Gonzalo Arango , el líder el movimiento se jactaba de “vivir del 2

milagro” al dedicarse simplemente a la escritura y a la proliferación de la palabra junto a los

otros integrantes del movimiento (Fajardo, 2008), mientras no tenía de momento un trabajo

estable que le permitiera subsistir cómodamente, decía además que por ser un particularmente

bien recibido en los círculos sociales importantes de algunas ciudades en Colombia, se

ofrecían brindarle servicio de dormir una o más noches en algún lugar entre otras cosas. El

tener un empleo no fue de ninguna manera, una preocupación primaria para este grupo de

pensadores, se trataba del placer por el placer de la juventud, aquí cito un fragmento del

manifiesto Nadaísta 3

“América es vieja desde su nacimiento, por culpa de sus descubridores y de su herencia. Su

nacimiento significó para la historia una especie de muerte. O más exactamente, un aborto

imperfecto para la vida. En tal forma, que ella no ha nacido culturalmente por su cuenta,

nutriéndose como se nutre de una vejez cansada y esterilizante, transmitida por el cordón

umbilical de su idioma y sus creencias” (Gonzalo Arango, 1958, capítulo IV).

De esta manera, el manifiesto denota el interés por parte de los nadaístas por la necesidad de

explorar el territorio desde un renacer. En esta misma década simultáneamente se estaban

realizando múltiples ajustes socio-culturales alrededor del mundo debido a la postguerra en

Europa. Dentro de Latinoamérica en países como Chile (1952), los jóvenes empezaron a

preocuparse por resolver la necesidad de mostrar la producción artística local, a través de la

apropiación del espacio urbano, mediante recursos gráficos dadás (conceptualmente similar al

ideal nadaísta antisistema) para contar historias y descontarlas al mismo tiempo formando

ironías o frases satíricas usando como atisbo temático a la política y la sociedad chilena, el

2 Fue un escritor, poeta y periodista colombiano, fundador del movimiento Nadaísta en los años 50. 3 Movimiento intelectual colombiano con génesis en los años 50.

11

proyecto se llamó “El Quebrantahuesos” liderado por Nicanor Parra, con Enrique Linh y 4

Alejandro Jodorowsky, proyecto que desde la intervención poética en el espacio urbano

resignificar el sentido de las imágenes y las palabras.

Para que el joven decida dedicarse al arte, debe sentirse atraído por lo que conllevan las

prácticas artísticas, pero el ser artista no sólo implica la producción de obra, y en este caso la

obra resulta ser la más "alta manifestación de la personalidad humana"(...), elaborada con "el

lenguaje particular del alma" y que termina formando un "producto único de la inteligencia"

(Bourdieu, 1995, p: 211).

En una entrevista realizada a Miriam Scharpiro en 1993 sobre la juventud en las artes pero

desde el lugar de la mujer, habla sobre su percepción de la inclusión de la producción artística

de mujeres en los años setenta;

«A menudo pienso en las jóvenes artistas americanas actuales que hasta ahora no han

sabido nada de su historia, incluso no conocen nuestras imágenes. Desde hace dos décadas

repiten las imágenes e iconos que nosotras creamos en los años setenta ¿Por qué veo el arte

mi generación creado de nuevo cada década? Una respuesta podría ser que la mayor parte

del primer arte feminista no alcanzó visibilidad cultural más allá de una pequeña audiencia.

En ausencia de representaciones, de iconos, de memoria, las artistas contemporáneas están

condenadas a repetir sin fin los sufrimientos de sobrevivir en el patriarcado [...]. Cada

generación de artistas reabre las heridas que se cierran en la noche tras ellas .» (Scharpiro,

1993).

Otras investigaciones en cuanto a temáticas relacionadas a la juventud como Jóvenes

consumidores de cultura visual (Imanol Aguirre, otros, 2010) hablan del acceso de los

jóvenes a la cultura por medio de la educación; además de reconocer que la educación apenas

se hace cargo de desarrollar contenidos de real calidad para los estudiantes y la compresión

de la cultura por parte de los mismos jóvenes desde las propias aulas de clase. Es así como el

verdadero consumo de cultura, se realiza de manera mediática y no basta con la enseñanza

4 Fue un proyecto de poesía visual realizado en Chile en 1952 por Nicanor Parra, Alejandro Jodoroswky y Enrique Lihn..

12

educativa. Como señala Marcellán y Aguirre, (2008) la influencia que existe de la cultura

visual en los jóvenes es de carácter mediático, es decir que la cantidad imágenes que a diario

son interceptadas por los jóvenes virtualmente, supera colosalmente la recepción de imágenes

en décadas anteriores.

En este sentido Reguillo (2000) se refiere a la juventud de la última década del siglo XX de la

siguiente manera:

“el sujeto juvenil adquiere distintas especificidades y donde despliega su visibilidad como

actor situado socialmente con esquemas de representación que configuran campos de acción

diferenciados” ( Reguillo, 2000; P: 52)

Así la juventud se instala para ser analizada y para analizar la producción visual y apropiarse

de la misma. El crecimiento de las masas se direcciona hacia la era virtual y se viraliza en el

sentido del auge de la globalización y los nuevos medios.

Ahora bien, en cuestiones de la imagen, como señala Miguel A. Santagada & Cristina

Dimatteo (2001) en su investigación sobre los jóvenes y la narración de sus prácticas

culturales; existe sorpresivamente por parte de los jóvenes un fuerte interés por la imagen

iconoclasta que por la imagen iconográfica, aquí es donde el análisis se rompe al no querer

comprender las imágenes desde una perspectiva figurativa, sino que el joven contemporáneo

se adapta a las imágenes que carecen de figura; este foco del análisis se experimentó en los

estudiantes egresados de carreras de arte, diseño y/o a fines.

En Madrid, se realizó una investigación en torno a la crisis de los jóvenes en las cuestiones de

las artes (Lucía Calafante Delgado & Luis Mayo Vega, 2012) donde exponen dos campos en

cuanto al perfil del artista madrileño; en primer lugar, el elitismo autoimpuesto por los

mismos artistas jóvenes que los relega al lugar de seguidores y los hace carecer de la

capacidad de liderazgo; seguido de la intención de emigrar a otros lugares de Europa o al

campo.

13

Otros autores como Verónica Ardenghi (2007) en Argentina, sostienen que los jóvenes

egresados en carreras afines a las artes, planean realizar sus prácticas culturales en el campo

de la producción mientras que, por otra parte, también escogen la docencia como ruta de

destino. Además, expone que “El campo de la producción parece ser valorado como el más

prestigioso, aunque conlleva relaciones laborales precarias e informales” (Ardenghi, 2007, P:

2).

Respecto temáticas educativas, un estudio sobre arte y emprendimiento de la Universidad de

Carolina del Norte, en relación a los cursos impartidos en las clases de artes y las clases que

ellos creen que hacen falta para salir mejor preparados como profesionales en artes, arrojó los

siguientes resultados: “el 20% de los estudiantes dijo que necesitaban ayuda primaria en

conocimiento sobre marketing, un 13% opinó que era necesario un programa general sobre

business, incluyendo finanzas y funcionamiento de pequeñas empresas, un 11% habló de

conocer start up sin ánimo de lucro que funcionen y se sustenten y un 6% habló de

networking” (Welsh, 2013)

Esto no necesariamente quiere decir que los artistas productores quieran convertirse en

emprendedores culturales dejando de lado su quehacer como artista. Quiere decir que quieren

aprender cómo vender su propia obra y cómo administrar su materia prima y hacer uso de las

finanzas y de los negocios para entender cómo funciona el mercado hoy y encontrar

alternativas comerciales al momento de graduarse de las universidades.

La discusión sobre el emprendimiento en las artes como enseñanza educativa no es sólo sobre

“cómo” crear empresa, sino, la importancia de entender el profundo entendimiento sobre la

creatividad artística y cómo puede este conocimiento ser útil para el mundo, en el sentido del

hecho de brindar un servicio que sea remunerado. Lo que evita que muchos de estos

profesionales en las artes se dediquen a producir es la falta de recursos, en otras palabras “si

no hay dinero, no hay tiempo y no hay enfoque en el trabajo artístico” (Welsh, 2013).

El trabajo y el empleo en el campo de las Artes Visuales

El trabajo se conoce como el oficio que se tiene respecto a una profesión, mientras que el

empleo parte del trabajo que se logra mediante la contratación, es decir, convertirse en un

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empleado. Es curioso que la mayoría de los artistas terminen la universidad con la intención

de ser sus propios empleadores. Descontando, a los que se quieren dedicar a la pedagogía o a

los que les interesan otras prácticas dentro de las artes, pero el artista que se quiere dedicar a

producir es completamente autónomo y quiere por lo general, trabajar para sí mismo.

En Argentina, se realizó una investigación que buscó indagar en la inserción profesional por

parte del egresado en Bellas Artes (Verónica Ardenghi, 2007), en la que reconozco una

problemática similar (a la que se refiere éste proyecto) dentro de Buenos Aires; si bien no hay

actualmente muchas investigaciones existentes que abordan esta temática

trayectoria-trabajo-artista, hay una investigación realizada por Elizalde en La Plata, que se

focaliza en los trabajadores y su inserción en el mercado (Elizalde, 2003); sin embargo en

Latinoamérica se han encontrado algunas investigaciones en los años 90 que envuelven las

dimensiones económicas y socioculturales en el sector de las artes (Stolovich, 1997).

Este último describe en Uruguay, la inserción laboral de los artistas después de terminar la

universidad y define al artista como un empleado, con un trabajo artístico complementario.

Naciendo así, el pluriempleo desde los sectores culturales, sin embargo, los artistas que tienen

más de un empleo además de su trabajo como artistas productores, consideran el trabajo

artístico como el trabajo principal, aunque este no sea necesariamente, la fuente de sus

ingresos mayores.

Otra investigación realizada en Mendoza, Argentina, demuestra que a los egresados de artes

plásticas o visuales de la región no les toma mucho tiempo conseguir un empleo, sin

embargo, en la mayoría de los casos, éste no tiene mucho que ver con los estudios realizados

previamente, ni con la producción de arte.

El relativo desconocimiento en temáticas de empleo/trabajo en el sector artístico o la carencia

de información sobre los artistas de diferentes latitudes en un proceso post-institucional,

generan vacíos coyunturales en lo que respecta a el trabajo realizado por los maestros en las

universidades de artes, o al mismo contexto en el que se desenvuelven estos profesionales del

arte, y las razones por las que no hay soluciones rápidas a esta problemática. Por ejemplo, en

México, una investigación sobre la práctica de los profesionales en Bellas Artes de la

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Universidad de Michoacan (María Lorena D’Santiago Tirbucio, 2011) describe que, el interés

principal que aborda su investigación se refleja en la necesidad de mejorar dentro de la propia

universidad la inserción al campo laboral a los egresados de Artes Visuales; se diagnosticó

que uno de los problemas más importantes en este ámbito laboral/artístico, ni siquiera parte

del exterior, es decir de la ciudad, del público, de las galerías, sino que principalmente es un

problema que nace del mismo egresado, aquí cito:

“Los jóvenes egresados de la carrera de Artes Visuales de la Escuela Popular de Bellas Artes,

dentro de las conclusiones se destaca lo expresado por los egresados: son individualistas y

egocéntricos, tienen tendencias polares a veces a ridiculizar el valor propio de sus aportes

creativos y otras veces a la sobrevaloración de las recompensas y una excesiva preocupación

por el éxito, aunado a los estigmas de la profesión, ser artista y bohemio, parece estar

relacionado con el uso de drogas y alcohol, los jóvenes tienden a abusar de su consumo, y

usarlos como estimulantes para ser más creativos, además no muestran interés por trabajar de

forma cooperativa, el plagio o robo de ideas es uno de los temores más grandes en el medio

de las artes visuales” (María Lorena D’Santiago Tirbucio, 2011 P.10 )

Además de la necesidad de originalidad y lo que conlleva el individualismo, los aparta

completamente de una inclusión de otros artistas, aislándolos en una competencia más no en

un espacio de creación como una forma de vida. Muchos de los artistas se reservan

información acerca de centros culturales y espacios emergentes, así como convocatorias y

certámenes para –rebajar la posibilidad de competencia- esto encapsula este gremio de la

población y no la deja avanzar. Son además pocos artistas los que se dedican a la producción,

y los que se dedican a ésta, no sienten su oficio como un trabajo, debido a que no es una

fuente de ingresos fija. Sin embargo, esta investigación señala también que hay un

sentimiento de inconformidad, donde los artistas hablan de la formación obtenida como

insuficiente y no proponen soluciones, de este modo tampoco se saben promocionar y por

ende, no saben cómo vender su obra.

Lo que sí es importante es que el estudio en las artes parte de una necesidad de conversión de

los conceptos en distintas interpretaciones del lenguaje de manera plástica y visual, pero por

16

esta misma ambigüedad en los planteamientos del plan de estudios universitario, es que es

difícil realizar un seguimiento a los egresados en bellas artes (Martínez, 1997)

En palabras de Janet Wolf en su libro Producción social del Arte (1981), indaga en un par

temas importantes para el estudio de la cultura. El primero, la naturaleza social de las artes en

su producción, distribución y recepción. Y la segunda es el problema del autor/artista

conceptualizando la creatividad individual sin llegar a hablar del ego que se encuentra en

aquellos artistas que se jactan de la calidad de “genio”.

Un investigador mexicano, Carlos Muñoz Izquierdo (2008), sostiene que es muy difícil que

las teorías logren explicar el desequilibrio entre la educación y la demanda laboral. La teoría

de la funcionalidad, que establece la relación entre educación y la productividad, se sostiene

en supuestos que planean defender la viabilidad inmediata de productividad post-estudios.

Sin embargo, dichos supuestos, tampoco son en gran medida, suficientes para explicar la

problemática expresada desde las artes y el trabajo.

El problema de las carreras de artes es que sólo son de carácter formativo, no hay una

enseñanza que permita el contacto con el mercado real, y lo que posibilita la productividad

del arte, es la formación, la habilidad y la productividad, y cuando no se tienen en primera

estancia es bastante difícil expulsar al estudiante al mundo del arte al que se debe enfrentar.

Curiosamente no solamente se trata de una situación de disciplina, por parte del estudiante,

sino, que el error también radica en la manera en la que se está formando al artista

contemporáneo. De esta manera se ven afectados desde el lugar de origen, los mismos

estudiantes de arte al momento de enfrentarse al trabajo.

Es preciso afirmar que la necesidad de inculcar en el futuro egresado de artes, la ardua tarea

de ser invocado por los dioses para dedicarse a producir material divino, de elocuente

genialidad; sin embargo, la realidad nos muestra otra situación de gran importancia y a

evaluar, como lo es la posibilidad de que este estudiante de artes, quiera convertirse en un

emprendedor o en un gestor cultural. Un estudio sobre “las barreras del arte y el

emprendimiento creativo y su necesidad en la educación como entrenamiento necesario para

el profesional en las artes” de la Universidad de Ohio, evidenció que el 11.1% de los

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egresados está desempleado , así como un 52% dice que los estudiantes están insatisfechos

con la habilidad de la institución de implementar cursos que sirvan de punto de inicio para

empezar a entender cómo funciona la economía en la cultura, y sobre el trabajo un 81% dijo

que tuvieron que dejar el arte como trabajo principal y conseguir otro por razones de

estabilidad económica. (White, 2014)

La necesidad de una educación en artes sobre emprendimiento creativo empieza por el

pensamiento del estudiante de artes que se imagina un mundo sin horarios laborales y sin

jefes. Sin embargo, los planes estudios de artes visuales están direccionados a la importancia

del qué hacer y cómo hacerlo , dejando el lado el para quién hacerlo y cómo comercializarlo ,

porque una cosa es clara, los tiempos en los que hoy vivimos nos advierten que hay que

sobrevivir y para esto es necesaria una estabilidad económica; sucede qué, como dice Jason

C. White, una de las barreras claves para reconocer el emprendimiento cultural en la

educación es tener la consciencia de que es esencial . Esta idea de que el artista es un genio

que debe ser tocado por la mano divina, quedó atrás.

Dentro de las barreras que se encuentran para quienes se insertan en la vida después de los

estudios académicos es que como artistas en muchos de los casos, deben recurrir a trabajos

alternos para poder pagar sus créditos estudiantiles, citando a C. White, “los alumnos de artes

todavía sostienen obstáculos financieros significantes, los cuales impiden que se enganchan

rápidamente a una carrera de artistas profesionales, casi el 30% de aquellos que se forman

para ser artistas y quieren dedicarse a ellos deben soportar una deuda de su educación que

deben empezar a pagar al finalizar sus estudios, es por esta razón que deciden ir a buscar

otras alternativas de trabajo”

La decisión de perseguir un título en artes se va dada desde las aspiraciones personales, ya

sean el talento o la disciplina y también lo cognitivo, el querer alimentar el conocimiento en

temáticas de las artes, pero en palabras de White, “los prospectos de estudiantes a menudo

aplican para prepararse como profesionales en artes, creyendo que los programas

académicos proveen la educación, el conocimiento, y la experiencia necesaria para

convertirse en verdaderos artistas profesionales”

18

Respecto al empleo, los artistas a menudo reconocen las barreras que tienen para encontrar

empleos en su profesión, a no ser que estos empleos sean, entre otras cosas, muy diferentes o

en diferentes ámbitos o campos de estudio del que les corresponde como artistas. Sin

embargo, muchos se piensan que el convertirse en emprendedores resultará un peligro para su

creatividad artística y su ingenio “la tensión entre “artes” y “negocios” pueden ser mayores

en un proceso de emprender” (Welsh, otros, 2013)

El mercado en las artes visuales

El arte desde una mirada romántica eleva al artista al nivel de ser creador y genio de la

representación, entre otras cosas. El tema del mercado del arte, siempre llamó la atención por

esta sensación de que la venta de contenido cultural, en este caso arte, es prosaica, aun así, se

le apuesta a la vida como artista, pagando deudas y generando un sustento diario. Entonces

¿cómo podría funcionar esto del mercado del arte? Kyung Lee lo define de la siguiente

manera:

“La teoría del marketing en las artes está dispuesta a la existencia del concepto —sin ánimo

de lucro— esta es la romántica creencia en el valor universal del arte, la cual generalmente

genera una tensión entre lo que el cliente tiene como perspectiva (...) En los años 70 y 80’s el

marketing en el contexto de las artes estaba conceptualizado como “un conjunto de cosas” y

“una decisión tras realizar el proceso” (Kyung Lee)

Con esto quiero denotar, algunas de las barreras que se han interpuesto entre los artistas y el

tema que abarca lo administrativo. En la actualidad, se han creado distintas alternativas para

situar al artista en una posición más terrenal, donde puede vender tranquilamente su producto

artístico sin sentirse diferente. En países como España, la creciente demanda de nuevos

espacios culturales, galerías de arte clandestinas, y festivales donde se fomentan el

emprendimiento cultural y la gestión entre ellos mismos como artistas, ha empezado a

cambiar la manera de visualizar el monstruo de la economía y las finanzas en el universo

artístico.

19

Los mercados del arte, surgen de los llamados bienes culturales (producción artística),

quienes, posibilitan la circulación de piezas artísticas. Una investigación realizada en Madrid,

(Mercado del Arte y los obstáculos fiscales, Pablo Siegrist, 2003) arroja una cantidad factores

determinantes para la mercantilización del arte. Hay un recalentamiento en los precios de las

obras de arte contemporáneo incluso los que superan los propuestos por las galerías.

En Colombia, se podría decir que el primer lugar propuesto para espacio expositivo en lo que

respecta a las artes es el Salón Nacional de Artistas, el salón de octubre. Sin embargo, mucho

tiempo atrás se evidenciaron propuestas que se realizaban en espacios urbanos/rurales en el

país, es el caso de la primera película rodada en Colombia, específicamente en Cali (Arbeláez

2002).

Posteriormente, desde las artes representativas como la danza y la música se empezaron a

buscar espacios para la representación de estas actividades.

En países como Argentina o España, se han creado espacios emergentes entre los mismos

jóvenes artistas o gestores para proporcionar nuevos es espacios en relación con las galerías.

La producción actual en el contexto colombiano desdibuja la historia y permite el cambio en

el relato, de tal manera que la globalización y todos los medios digitales que permiten una

cultura de la imagen, recrean en el pensamiento del artista, una necesidad de coexistir con ese

nuevo entorno, y es por eso que las nuevas prácticas expositivas provienen también del

remake de otras propuestas encontradas a nivel global (García, 2010).

¿Por qué debe tomarse todo lo que sea artístico y cultural como un beneficio que debe ser sin

ánimo de lucro? está la mala costumbre de creer que no es necesario pagar por un servicio

cultural. Después de la Segunda Guerra Mundial, la cultural en países del primer mundo se

convirtió en la caridad para resiliencia, la cultura como educación, la cultura y las artes como

un entretenimiento sin ánimo de lucro, fue entonces cuando John Maynard, el primer

economista presidente de Arts Council, dijo que la educación influye notoriamente en la

20

apreciación de los públicos por escenarios que prestan servicios artísticos, y con esto, la

inversión se ve justa respecto a quienes no tenían la suficiente educación . (John Maynard)

MARCO DE REFERENCIA CONCEPTUAL

Partiendo de la búsqueda para entender las dinámicas culturales entorno al emprendimiento,

el mercado del arte y la gestión cultural, he tomado referentes conceptuales que van desde la

educación, el arte y la juventud. Entre estos teóricos, está Zygmunt Bauman con su concepto

de “educación” en un mundo líquido, en el cual hace referencia al hecho de vivir en un

mundo de cambios continuos, dinámicos y la dificultad de la educación para acoplarse a

estos. La academia ha sido creada con la idea de poder perpetuar el conocimiento, como un

instrumento para transmitir los saberes. Según Bauman: La educación debería ser una acción

continua de la vida y no dedicarse únicamente al fomento de las habilidades técnicas. Lo

importante es formar ciudadanos que recuperen el espacio público de diálogo y sus derechos

democráticos, para así ser capaces de controlar el futuro de su entorno y el suyo propio.

Cuando el mundo se encuentra en constante cambio, la educación debería ser lo bastante

rápida para agregarse a éste. Esto, en paralelo con la educación en artes en Cali, ha sido

vital para poder entender las necesidades que no se están abasteciendo respecto a lo que sería

más útil al momento de actuar como profesionales a manera futura.

Desde el área del arte visto desde el mercado y el nacimiento de profesiones alternas a la de

ser únicamente artista al terminar los grados en artes, tengo como referencia a William

Deresiewicz, crítico y escritor estadounidense, que hace referencia en su artículo “The Death

of the Artist and the Birth of the Creative Entrepreneur” a la necesidad de encontrar

alternativas de trabajo fuera de los lugares comunes de las artes plásticas, abriendo campo a

nuevas maneras de acercarse a los procesos culturales, desde lo administrativo, desde la

gestión, desmitificando el concepto que se tiene del artista como el genio tocado por la

gracia divina , del que se espera que únicamente, la creación. El mundo ha cambiado y es (al

igual que para Bauman) de vital importancia el poder adaptarse al cambio con agilidad y

21

poder aprovechar, la has herramientas del presente que facilitan cruzar las fronteras de la

información y establecer conexiones con otros.

Así mismo, desde el lugar del artista, tengo como referente conceptual a Ulises Carrión (1941

-1989), un artista mexicano que se radicado en Amsterdam hasta el día de su muerte. Uno de

los rasgos más importantes en la obra de Carrión, fue la inquietud por dinamizar las bases del

arte, que, de cierto modo, fueron y lo son hoy día (en algunos lugares) sólidas. Con la

apertura de Other Books and So, en Amsterdam, sale a la vista otro elemento, la posibilidad

de gestionar espacios independientes, propuestos para la creación y la enseñanza bajo nuevos

discursos. Other Books and So, se dedicaba a la producción de libros de artista; otra manera

de ver la obra de arte como un tangible, que se puede tocar, oler y leer, dejando de lado las

convencionales maneras de hacer arte, abriendo campo a nuevas maneras de reconocerlo y

hacer del artista un personaje que trasciende su lugar de creador para convertirse también, en

un gestor o un emprendedor.

22

METODOLOGÍA

Diseño Metodológico

El proyecto de investigación se realizó con una metodología cualitativa. Se recurrió a

la hermenéutica, el análisis de contenido y la lectura crítica. Se prevé la presentación de los

resultados en una estructura semejante a la que se usó para el diseño de este proyecto.

El análisis se realizará a partir de la definición de categorías emergentes, obtenidas a partir de

las fuentes de información.

Fuente de Información

Universo:

Las fuentes de información de esta investigación se manifiestan en el universo poblacional

que interesaron a este proyecto: (hombres y mujeres) artistas egresados de universidades

públicas o privadas (entre 2009 - 2015) y agentes involucrados con la labor cultural, entre los

22 y 40 años de edad, residentes en la ciudad de Cali.

Muestra Poblacional:

Se realizó una muestra que se escogió de acuerdo con criterios de equidad de género y edad.

No se trata de una muestra representativa puesto lo que importa es la profundidad de la

información obtenida para la investigación, no la cantidad de personas participantes dentro de

ésta. Dicha muestra se delimita a partir de: Un grupo de 10 personas (5 hombres y 5 mujeres)

entre 22 y 40 años de edad.

Fases para el Desarrollo del Proyecto

23

FASE I

Procedimiento:

1. Levantar una base de datos de egresados en artes entre 2009 y 2013 residentes en

Cali.

2. Contactar a quienes cumplan con el criterio de selección y consultar disponibilidad.

3. Realizar una revisión del portafolio y trayectoria de cada artista preseleccionado.

4. En este sentido, y con base a la revisión de portafolio y trayectoria se escogen las

cuatro personas que más se acerquen a los criterios de selección definidos por este

proyecto.

5. Realizar una reunión formal con cada joven y explicar el modo cómo se realizará la

investigación.

6. Las personas que acepten ser parte de la investigación firmarán el Consentimiento

Informado, donde se les explicará los derechos y los compromisos adquiridos con su

aceptación. Sus nombres podrán permanecer anónimos para el uso de la información

posterior.

FASE II

Compilación de información:

1. En esta fase se realizará la compilación de la información con cada uno. En este

primer punto se harán entrevistas y encuentros para el diálogo, para conocer de

manera menos superficial el quehacer de cada artista que se analiza.

2. Se realizarán visitas al taller o lugar de trabajo del entrevistado.

3. Se hará registro fotográfico de la obra de cada artista y de la producción actual del

mismo. En caso de que el artista lo acepte. Si no es así, se revisará su portafolio para

el análisis de su propuesta estética.

4. Registro audiovisual del artista en su taller, de conversaciones respecto a su praxis y

entrevistas que se realizarán en el punto 1. Este registro no está orientado a la

producción de documentales o videos. Simplemente hará parte de los modos de

recolección de la información.

24

5. Revisión de otras fuentes de cada artista, como publicaciones online, páginas de arte

donde muestran su obra, entrevistas en revistas, reseñas de su trabajo, entre otros.

FASE III

Análisis de resultados:

1. Definir categorías de análisis emergentes con base en la información obtenida con los

artistas.

2. Se diseñará una matriz para el análisis de resultados.

3. Análisis.

4. Presentación de los hallazgos

5. Elaboración de conclusiones y recomendaciones.

FASE V

Elaboración del informe final y entrega del mismo para la evaluación sustentación del trabajo

de grado.

1. Revisión del documento inicial, verificación de consistencia interna, verificación de

objetivos.

2. Definir los Anexos que resulten necesarios.

25

DESARROLLO

“el arte es una reacción de nuestra cultura” (Megan Wilkens, Economy and Art)

1.) Sobre la cultura y el emprendimiento:

Durante los años 2015 -2016 realicé un trabajo investigativo en la ciudad de Cali con el fin de

encontrar respuestas a mis preguntas como futura profesional en artes visuales; si bien, al

principio mis dudas iban más hacia el quehacer del profesional en artes visuales después de

graduarse, ahora, mis preocupaciones se han enfocado más en la delgada línea que separa la

formación para el artista (como lo concebimos) y la importancia de incluir al emprendedor

cultural (empresario creativo) y al gestor cultural, como fuentes fundamentales para

expansión en industria de la cultura en Cali. Para empezar, es importante la definición global

que se tiene por cultura; la palabra, proviene del latín “cultus” que significa cultivo, por lo 5

que la cultura es el cultivo de la mente y del alma a través de hechos sociales e históricos. Por

ejemplo, en el pasado, la cultura deriva de los ideales en la formación humana, y en el

presente, deriva de la antropología y sociología . Teniendo en cuenta el significado de 6 7

“cultura” es importante entonces, tener claridad sobre lo que emprendimiento cultural lleva

consigo y todo lo que puede aportar social y económicamente en función del arte.

5 http://definicion.de/cultura/ 6 Ciencia que estudia los aspectos sociales, culturales y biológicos del hombre http://dle.rae.es/ 7 Ciencia que trata de la estructura y funcionamiento de las sociedades humanas. http://dle.rae.es/

26

El discurso del emprendimiento cultural está ligado a la relación economía-cultura y así

mismo pensar la cultura como recurso. Por tanto, la temática de emprendimiento cultural

genera una discusión que propone pensar el desarrollo de procesos creativos desde la

creación de negocios; de esta manera enfatiza la cultura desde una mirada administrativa y

gerencial. Las políticas culturales garantizan y promueven la representación y la

responsabilidad sobre los bienes culturales, entre estos, el arte. La educación en artes, como

se ha planteado en la ciudad de Cali, genera un bache entre lo que es el arte a nivel cultural,

lo que se hace con él, lo que es un artista y lo que tiene que ser (según los intereses de las

universidades e institutos), dejando de lado, la importancia y la necesidad de contar con

profesionales en artes que también puedan ser parte de cargos administrativos y que puedan

cumplir a cabalidad funciones financieras que se adapten a las necesidades de aquellos que sí,

se dedican únicamente a la creación, así como también, la posibilidad de contar con

herramientas que sirvan para el desarrollo independiente de sus prácticas contemporáneas en

función a sus ingresos.

2.) Tecnología, juventud y trabajo

Desde mediados de los años 90 el boom tecnológico ha tenido un auge exponencial; esta

revelación en cuanto a la rapidez con la que la información viaja ahora, ha hecho que así

mismo nos adaptemos, las personas quienes pertenecemos a una de las últimas generaciones.

La generación X reorganizó la relación entre trabajo vs recompensa; el objetivo era

conseguir estatus y disfrute al mismo tiempo, ¿cómo podía ser posible esto? bien, en los años

80, el propósito de los jóvenes fue llegar más rápidamente a cargos de liderazgo, sin que esto

implicase haber tenido años y años de experiencia; aquí la selección del personal se basaba en

méritos.

La necesidad de expandir la red de contactos se convirtió en tarea principal para estas

juventudes; así como el trabajo empezó a involucrarse en los espacios personales, llevándolo

a los hogares. Hoy, las cosas son un poco distintas, respecto a los objetivos; la expansión de

la red de contactos, sigue siendo una tarea prioritaria, sin embargo, el estatus dejó de ser un

asunto imprescindible, ahora parece que lo importante sea disfrutar del viaje y no tanto llegar

27

al destino. Irónicamente, los Milenialls , son aquellos que han roto todos los esquemas en 8

cuestiones de trabajo y de búsqueda de posibilidades en el mundo actual, él ahora se trata de

reconocer las oportunidades , donde se conectan “pasión y trabajo”, entre otras cosas, el

éxito va más ligado, al disfrute, la economía creativa y las nuevas profesiones que van

surgiendo, la actitud emprendedora y las posibilidades de trabajo colectivo, están mostrando

un escenario laboral nunca antes visto. La velocidad con la que nos conectamos al mundo,

hace que sea más fácil establecer una red de contactos y relaciones con otros a su vez que

sentimos la necesidad de obtener estímulos a corto plazo en cuestión de nuestras metas

profesionales, lo que motiva al joven de hoy a reconocer salidas financieras y rutas distintas

como oportunidades que no se pueden escapar; las pirámides tradicionales que tienen las

empresas no estimulan como en el pasado, son inútiles para la juventud ansiosa y resulta

incluso más emocionante, trabajar conjunto a otras generaciones en total equidad y respeto;

es más estimulante el intercambio de conocimientos sin importar la edad y área de

conocimiento, lo que hace más interesante interconectarse con personas de todos los ámbitos

y campos laborales, además contamos con la ventaja de encontrar lo que buscamos por

nosotros mismos, y ser más autónomos y recoger conocimiento de manera empírica, con las

herramientas que nos ofrece la tecnología ; esto ha permitido que intercambiar conocimientos,

crear empresas, y que enseñar, se haya convertido en una tarea más sencilla de compartir con

el mundo.

En vez de focalizarnos en un sólo trabajo, la idea es tener un proyecto que pueda ser

cumplido de distintas maneras a la vez: espacios de coworking, home -offices, han llevado a

reorganizar la idea que se ha tenido como “espacio de trabajo” con la posibilidad de ser

dueños de nuestros horarios y ser responsables de nuestros ingresos; es gracias a esto que

muchas personas pueden explotar y compartir sus talentos de manera masiva, cosa que antes,

podría ser mucho más complicado de lograr. También es usual el hecho de insertarse en

proyectos diferentes al mismo tiempo con el objetivo de mejorar y desarrollar nuestras

habilidades. Esta es una generación de desafíos, de explorar lo inacabado para crear algo

nuevo, de autonomía y de creación colectiva . Se trata de vivir el presente sin la ilusión de que

8 Los Millennials son, por tanto, la futura generación de consumidores y usuarios, un mercado sustancial con nuevas características, necesidades y demandas que conviene conocer por las repercusiones y transformaciones que exigirá a las empresas. http://www.forbes.com.mx

28

el futuro pueda ser controlado; esto es porque quienes mejor se adaptan a los cambios pueden

evolucionar más rápido con ellos y estamos tomando el control de nuestras individualidades;

el consumo globalizado promueve las conexiones estéticas y de comportamiento, es por esto

que no es gratuito que las nuevas generaciones se interesen por tantas posibilidades a través

de internet; vivimos una era globalizada, donde el pensamiento expresado a través de las

redes se convierte en un mensaje colectivo. Ahora es posible ser músico, artista, diseñador,

empresario, escritor, y atleta al mismo tiempo; somos la generación de jóvenes más plural de

todos los tiempos, casi siempre se trata de unir el trabajo al placer, lo que no identifica esta

conducta como la necesidad de buscar un estilo de vida hedonista, sino, la necesidad de

encontrar pragmatismo y versatilidad al momento de afrontar la vida.

3.) Emprendimiento Cultural

Siguiendo esta apreciación personal, después de investigar sobre las juventudes

contemporáneas, realicé una serie de entrevistas y analicé contenidos locales donde

identifiqué problemáticas, oportunidades, amenazas y fortalezas (DOFA) (fig.1) que tienen 9

los egresados en carreras como artes visuales y artes plásticas en Cali, además del auge del

emprendimiento y la delgada línea que separa el emprendimiento creativo y el

emprendimiento en artes. Cada vez son más jóvenes que esperan ser sus propios jefes y tomar

el control de sus independencias. Sin embargo, el artista, aunque su objetivo primario es

poder vivir de su arte, no necesariamente se convierte en “emprendedor” de su producción

artística; según las entrevistas realizadas un 45% de los artistas dijeron que se sentían más

como -artistas- y que esperaban encontrar una galería o un gestor que se encargue de la venta

de su arte, en lugar de -gestionar por ellos mismos esta posibilidad- el 40% de los

entrevistados, respondió que ellos además de ser artistas se sentían “emprendedores” pero no

por el emprendimiento de su propio capital artístico, sino, por negocios alternos que

9 DOFA son las siglas usadas para referirse a una herramienta analítica que le permitirá trabajar con toda la información que posea sobre su negocio, útil para examinar sus Debilidades internas, Oportunidades externas, Fortalezas internas y Amenazas externas.

29

involucran la cultura, pero que nada tenían que ver con la producción de obra, el 15% dijo

que no estaba interesado en producir obra ni en gestionar actividades de carácter cultural, sus

aspiraciones van más hacia campos como la educación, la curaduría y la crítica. (fig.2)

Figura 1. DOFA: Agentes culturales en torno al trabajo.

DEBILIDADES AMENAZAS

➔ Están inmersos en una sociedad que no consume cultura referente a las artes, sino, cultura del entretenimiento.

➔ No hay industria cultural sólida. ➔ No hay quien invierta en cultura. ➔ Hay pocos espacios culturales

emergentes. Y muchos menos, ya establecidos.

➔ Imposibilidad de reconocer la identidad cultural de la ciudad.

➔ No reconocimiento de la producción artística local por parte de industrias culturales, nacionales y del extranjero.

➔ Pérdida del tejido urbano que se conecta a la cultura.

➔ Artistas y agentes culturales migran hacia otras latitudes en busca de aceptación y un entorno favorable en pro de sus necesidades.

OPORTUNIDADES FORTALEZAS

➔ Poder crear nuevos centros y espacios culturales.

➔ Traer y adaptar modelos culturales que funcionan perfectamente en otros países/ciudades y que en Cali no existen.

➔ La posibilidad de educar públicos y fortalecer el tejido urbano.

➔ Iniciativas por parte de los jóvenes que hacen parte de las movidas culturales en Cali.

➔ Autogestión en proceso. ➔ Ganas de evolucionar. ➔ Talento

Figura 2. Noción de emprendimiento cultural para profesionales en arte

(%Respuesta) Temática Recurrente Respuestas de entrevistados

45% Artistas que prefieren que agentes

externos se hagan cargo de la parte

comercial de sus trabajos como productores.

. “Yo prefiero encontrar un galerista que se

haga cargo de mi obra, mientras sigo

produciendo” “Prefiero que mi obra se

venda por sí sola” “Me dedico a ir a

exposiciones para hacer contactos con

30

curadores y galeristas”

40% Artistas emprendedores: Son artistas

por el título que tienen, además de producir

obra, pero sus emprendimientos culturales

no se conectan con sus líneas de trabajo

como artistas, es decir, crean empresa desde

otros campos.

“Yo soy artista visual, pero me dedico a la

música, ahora mismo tengo una banda a la

que le dedico casi que la totalidad de mi

tiempo” “Sí, tengo un emprendimiento de

calzado, es una marca traída desde

Argentina” “Tengo un espacio de yoga,

donde hago talleres quincenalmente, sí todo

referente al yoga; talleres corporales”

15% Graduados en artes visuales, que no se

sienten como artistas ni emprendedores ni

gestores, van hacia otras rutas, como la

crítica o la curaduría.

“Me llama más la atención los lenguajes

curatoriales y la crítica, era necesario

estudiar una carrera como Artes para tener

conocimiento sobre lo que será mi eje

investigativo” “A mí lo que me gusta de la

idea de involucrarme a la crítica, es la

posibilidad de involucrarme en el territorio

literario, pero desde una mirada estética”

T: 10 personas

En un video de Tiempo Real, titulado “Arte y Emprendimiento” producido por la

Universidad Autónoma de Occidente, es interesante el concepto que tienen los habitantes de

la ciudad, de cultura y de arte. En este episodio del programa la temática va ligada a las

relaciones de cómo proyectos que involucran la cultura convergen en distintos espacios de la

ciudad, que van desde la educación hasta la creación manual de objetos para su

comercialización, ¿esto es, en todo caso, arte? o existe la delgada línea que separa tan

cercanos términos. Dicen que siempre buscan “como hacer” lo que los clientes necesitan

aprendiendo de manera empírica. El emprendimiento cultural, se asume en la ciudad de Cali,

específicamente, desde métodos de culturas ancestrales (mesoamericanas, autóctonas) para

realizar muchas de las iniciativas que involucran actividades desde yoga, productos veganos,

31

artesanías, bisutería, y dentro de otros campos, el sector audiovisual está creciendo

últimamente en la generación de emprendimientos creativos. Así que no todo lo que implica

un emprendimiento cultural es específicamente referente al arte como lo conocemos. Talleres

creativos desde las casas, son parte de estos emprendedores caleños, estos hablan de la

importancia de (en algunos casos) sus estudios relacionados con el mercadeo, los diferentes

tipos de mercadeo y las finanzas, pues de esa manera les fue posible aprender a contabilizar

el dinero invertido en sus investigaciones y creaciones, así como el dinero que deben asignar

a sus productos para ser comercializados. “aprendí que el valor manual tiene un valor

agregado más elevado que el material usado para la realización de mi trabajo, así que no

debo tener en cuenta únicamente en lo último para la realización de mi obra” (David,

Creador de figuras con porcelanicron, 25 años) la importancia de la pasión y de la constancia,

“el mercado es un mercado duro” - Muchos individuos o iniciativas colectivas rescatan la

necesidad de la educación cultural (como un emprendimiento cultural) en barrios populares

con la intención de fortalecer en niños y adolescentes la visión de cambio. No todos los

emprendimientos tienen propósitos comerciales, la ética es un componente esencial para

enseñar todas las formas que existen de no-mercados de emprendimiento. En el

emprendimiento en las artes o el emprendimiento social, el objetivo principal no es,

comúnmente, la remuneración, a no ser que el propósito motivador sea el ánimo de lucro. En

Cali, comprendí que la gran mayoría de los emprendimientos o proyectos de autogestión,

iban más allá del objetivo de un bien económico. Los profesionales en artes, entrevistados,

que hacen gestión, se autogestionan o emprenden, apuntan hacia la misma ruta: crear un

tejido social que impulse a los habitantes de la ciudad a ser partícipe de sus iniciativas,

aunque esto no implique honorarios.

En una columna de opinión de un medio local, titulada: ¿Es hora de que la escena cultural en

Cali madure? Se entendía la insatisfacción como la falta de apoyo a la “cultura” local,; un

joven periodista (Juan Hernández, 30 años, comunicador social) escribía sobre los grandes

emprendedores culturales en la ciudad; emprendedores que han traído bares, discotecas y

festivales de música a Cali en menos de la última década, hablaba de ellos, con mucha

empatía y criticaba quienes no apoyaban monetariamente este tipo de eventos y se quejaban

del precio de las entradas, de las comidas y el licor; queriéndolo todo gratis o más barato. El

conflicto no era principalmente este, el conflicto era el peso que tiene la palabra cultura, para

32

cada ciudadano y el concepto epistemológico del término. Hubo una mujer que estaba en

oposición a este artículo en los comentarios que habían respecto a la columna; hablé con ella,

su nombre es Ximena Fabra de 26 años, personaje activo en la escena cultural, como

espectadora se refirió respecto al artículo la siguiente manera: La cultura que propone, no es

cultura, es una industria del entretenimiento. La cultura, de milenios de existencia y que hoy

en día incluso es objeto de "postproducción", esa misma con la que crean ahora unas

mezclas cheverisimas y hacen unos trabajos de arte brutales, esa cultura, no se hizo con

papel moneda; esa cultura se hizo y se sigue haciendo en el diario vivir, bajo la magia del

encuentro, la afectividad, lo fortuito, la creatividad, la solidaridad, la necesidad de ser y

hacer comunidad. Así es como se ha tergiversado la imagen sacra de la cultura; así que la

escena cultural en Cali, evoca situaciones de esparcimiento colectivo, para sentirse

entretenido y en menor medida para el cultivo de las pasiones y necesidades intelectuales del

ser humano.

Tomado de: Investigación sobre procesos de Emprendimiento Cultural en Cali, por Carlos

Dussan.

La imagen anterior muestra la media de edades, que se dedican a labores empresariales en

torno a la cultura. Quienes están más involucrados en promedio son los jóvenes de 26 años

aproximadamente.

33

Sin embargo, no es sencilla la decisión de emprender un proyecto cultural o de empezar a

gestionar con los estigmas que hay entre los mismos circuitos artísticos, donde el artista es

todavía, el genio tocado por la magia divina y quien no decide serlo, se convierte entonces en

el que como-no pudo ser artista —entonces— fue otra cosa. Visión que se funda desde la

propia educación para quienes quieren ser profesionales en las artes.

A continuación, en la figura se puede observar un mapeo local donde se ubican las

principales instituciones donde se establece la cultura (Alcaldía, Secretaría de Cultura,

Universidades, Institutos, Programas específicos), así como otras entidades públicas y

privadas que apoyan el emprendimiento en Cali y quienes están vinculados a estas

instituciones y a su vez, tienen relación con personas que hacen parte de otros programas,

creando así una red de personas que se relacionan particularmente en temas de

emprendimiento. Curiosamente, aunque se trata de emprendimiento cultural, en artes

visuales, sólo se hallaron dos emprendimientos.

34

Tomado de: Investigación sobre procesos de Emprendimiento Cultural en Cali, por Carlos

Dussan.

4.) El Arte, el Artista

Hay cosas que no haría jamás de lo que tuvo que vivir, y que Miguel González, como figura

imponente en sus años de estudio fue determinante para su progreso como artista en la

ciudad. ¿Qué implica ser artista? ¿Una figura contundente, con una apariencia excéntrica?

¿Un intelectual, sin derecho a los placeres banales, a mirar televisión, condenado a ser un

genio, a destinarse a ser eso - un artista-? David, me decía que en la universidad no encajaba

su pasión por el fútbol: empecé a ir a los 12 años al estadio, esa fue mi primera pasión, en

facebook tengo un album con todo lo del fútbol ¡qué bandera!, yo con mi camisa en las

barras bravas, la gente del arte no tiene acceso a esas fotos, no tienen ni idea. Tengo una

doble vida que no se mezcla, vos has visto mi obra y sabes que es muy rígida. mi obra tiene

que ver con mis relaciones con la literatura y la física, también con la filosofía. A mi el futbol

me descomprime de la vida cotidiana: el arte. Las temáticas triviales parecen estar alejadas

de los lugares comunes de las artes plásticas y visuales en Cali, entonces, cuando se habla de

emprendimiento en arte, cuál es el foco de atención al que se dirige la masa. ¿A lo que

consideramos como cultura: ¿la salsa, el folklore del pacífico, la bisutería, el tejido artesanal,

los festivales de música? O la masa se dirige hacia los lugares propios donde las

manifestaciones plásticas y audiovisuales se conectan además de lo anterior. Alberto Reyes

de 35 años, artista y docente, opinó que en los espacios que hay en la ciudad para exponer

(que no son más de diez) es muy importante el tejido urbano, el cual sigue siendo deficiente,

por ejemplo, el Museo de Arte Moderno La Tertulia quiere formar públicos cuando siempre

le ha dado la espalda a la gente, cuando empezó siendo muy elitista. Lo curioso es que a

pesar del intento por integrar los públicos y educarlos, la masa optará por guiarse por un

concepto de cultura que va más hacia la industria del entretenimiento.

35

5.) ¿Arte endógeno?

Pedro Muñoz, es un artista de 50 años, egresado de Bellas Artes, con el infortunio de una

vida sin éxito y el talento en su oficio de artista, me permitió la entrada a su taller, para mi

sorpresa, su problema no era la falta de talento, sino su mal habida dirección entre los

círculos sociales; vos tenes que entender una cosa, que es lo que muchos padecemos y se nos

hace el camino más largo, las personas que dan las convocatorias, hacen exposiciones,

publicaciones y curadurías son siempre los mismos y tienen una línea de pensamiento igual,

los que venden humo y lo venden bien vendido. Mi trabajo es muy sincero y me pregunto por

qué no tengo un espacio entre todos, vos vas a lugar a dudas (LAD) y te das cuenta son de

los que han apoyado mucho el cuento de arte pero apoyan iniciativas artísticas que son

demasiado ligadas a lo del “arte contemporáneo” como que todo vale. Lo que vende es el

estigma. ¿De qué se tratan las artes visuales? El discurso de siempre; yo no tengo que

cambiar el discurso que manejo para aplicar a los conceptos curatoriales. La vida fuera de

la rosca hace que el camino sea más lento para quien quiere triunfar en un mundo de

conocerse con todos. El círculo social de las artes, prostituye la idea de —arte— por la

necesidad de establecer contactos, dejando muchas veces de lado, el mismo producto

artístico.

Dentro de otros campos de la cultura, como el emprendimiento o la gestión, también se puede

observar, aunque con mucha más distancia, que la situación de proveer los espacios y generar

los eventos, no hace más que generar las mismas dinámicas individualistas, o cerradas. Sin

embargo, es interesante cómo se toma al que decidió ser artista - y no otra cosa- como quien

está en función del verdadero sentido de haber estudiado una carrera de artes visuales, y las

demás profesiones que surgen a partir de allí, son como las que aparecieron en vista de no

poder ser lo primero. Desde la gestión, en Cali, ha habido pocos casos de éxito, porque hay

pocos casos de proyectos de gestión que se hayan consolidado, Mario Gómez, artista plástico

y gestor cultural de 40 años, opinó que la producción es una cosa muy distinta a la gestión

como tu mencionas, aquí hay varias personas que hacen gestión, por ejemplo, el caso más

exitoso que ha habido de gestión en cali es Helena producciones, son artistas que se

autogestionan, no es lo mismo un gestor que no sea artista a un artista que se autogestione,

36

lad quiso hacer arca pero no pudo, pero porque no hubo gestión… Nos olvidamos, que la 10

cultura es todo un organismo, que necesitan para su funcionamiento, una serie de agentes,

que preferencialmente conozcan de las problemáticas, los conceptos y el accionar, desde el

arte, para que el trabajo administrativo sea óptimo en función de las necesidades de la

comunidad artística.

Estos dos ejemplos, que en paralelo son una antítesis del otro, en el sentido que la primera

opinión habla de una endogenia por parte de los círculos sociales alrededor de la cultura, así

como, la imposibilidad de vincularse a los circuitos artísticos dentro de la ciudad. El segundo

ejemplo, habla de un caso de gestión cultural exitoso: Helena Producciones. Con esta

comparación quiero hacer énfasis en la importancia de romper con el estigma. Se puede hacer

gestión de manera independiente, sin esperar ayudas inmediatas, así como se puede acceder a

los circuitos del arte insertándose en los eventos y ampliando la red de contactos.

5.) Sobre la Educación

Respecto a la formación en artes hoy en día, en universidades e institutos, las nociones de

cultura no son claras; Cali es una ciudad que se ha demorado mucho en encontrar su

identidad como ciudad, es una ciudad que vive de metáforas y de anhelos. En un caso

específico, desde su experiencia en el IPC (Instituto Popular de Cultura) Laura Peña, desde su

lugar de docente, opinó que “el problema de la educación en arte y cultura es que hay una

pereza generacional, la necesidad de la sintaxis, leer, sintetizar y exponer, mediocridad

colectiva. Los docentes que dan clases son generalmente muy avanzados en edad, que en

pleno siglo XXl siguen peleando por el que dé desnudo o bodegón; el problema del IPC es

que sus docentes no tienen la capacidad de mostrarles más allá a los estudiantes, es una

constante pelea con la tecnología con los nuevos medios, usan un término muy chistoso que

ellos usan de manera despectiva “arte postmoderno”, el posmodernismo hablaba de acabar

con el meta relato en los años 60 dejar de hablar de relatos más globales a hablar de relatos

más del individuo. Sobre el ejercicio de la docencia, un 80% de los entrevistados se inclinó

sobre la importancia de sentir al educador como un modelo de éxito, es decir, un educador

que haya “triunfado” como artista, hará que sea más “sencillo” para el estudiante sentir que

10 Referencia al nombre que podía llevar una Feria de Arte Contemporáneo en Cali. 37

puede triunfar en el mundo del arte; “a mí el ejercicio de ser docente me gusta, un artista que

siendo artista pueda enseñar me parece importante. La docencia quita mucho tiempo. Lo

estimulante del ejercicio de docente es que estás en constante aprendizaje.” (Fig. 2)

Figura.2

(%Respuesta) Temática Recurrente Respuestas de entrevistados

80% Es importante que el educador tenga

éxito en el campo que enseña.

“Si uno tiene un profesor que haya

triunfado en su área de estudio, parecerá

más cercana la posibilidad de triunfar uno

también” “Es como una motivación para

los estudiantes, porque es como que si se

puede ser lo que uno estudió, además de

querer enseñar “Es que a veces parece que

los que enseñan lo hacen porque no

pudieron ser otra cosa y recaen sus

frustraciones en nosotros”

20% No es tan relevante “No me parece tan importante, porque hay

quienes quisieron ser docentes siempre,

entonces no sé, eso es depende también de

las aspiraciones de los estudiantes, y del

objetivo que hayan tenido los maestros para

querer enseñar.

T: 10 personas

El problema con la educación en Cali, específicamente con la educación en Artes es que hay

un sesgo en las dinámicas de enseñanzas y unas especificidades en los planes de estudios que

apuntan a enfoques que los docentes no tienen en su formación, Miguel Ángel Puerta, opinó

esto al respecto, el campo del arte tiene una serie de agentes culturales que lo movilizan, 6

instituciones universitarias en Cali cuyo objetivo principal, es el arte, bellas artes desde los

38

80’s, en los 90’s surge la carrera de artes visuales para formar docentes con énfasis

pedagógicos en la universidad del Valle, el cuerpo docente de allí son todos artistas, cómo le

vas a decir a un estudiante que deje su sueño de ser artista y sea docente cuando tiene

profesores como Rosemberg Sandoval; la Universidad Antonio Jose Camacho tiene un

enfoque gestión con docentes artistas, entonces es más difícil que el estudiante de artes se

vaya hacia otras rutas distintas a la producción.

Además de la opinión sobre los docentes, el tema de los planes de estudios académicos en las

universidades es un atisbo constante en los índices de “insatisfacción” de los entrevistados,

quienes afirman no haber recibido en el total de sus asignaturas, clases de carácter relevante

para sobrellevar su proceso como profesional en las artes, posteriormente. Marta Pombo,

egresada de la Universidad Javeriana de Bogotá, quien vive actualmente en Cali y trabaja con

comunidades indígenas y escuelas en pueblos aledaños al Valle del Cauca, reconoce que la

educación obtenida fue y sigue siendo muy sesgada a lo que es “tradicional”. Una visión

sobre lo que es arte y para lo que sirve, proyectada a un ideal que ya no existe y que debe

adaptarse al mercado, al tiempo, a la tecnología: los pensums y sus contenidos generalmente

son muy pobres, hay muchas limitaciones, me doy cuenta que el dibujo libre era el mismo

cuando le dije a unos niños que hicieran un “dibujo libre” en una comunidad cuando trabajé

con ellos en 2008; el dibujo libre siempre es el mismo, la casita, las montañas, el río, el sol y

las aves, nos castraron en el jardín de niños la creatividad creyendo clasificar la enseñanza.

Ese error del dibujo libre se aplica en las universidades “el arte es esto, se ve así y no es

otra cosa”. Entonces, el arte, el arte para el cual está inmerso en la sociedad, excluye

posibilidades ¿cómo la gestión o el emprendimiento? El valor, parece llevárselo, quien ejerce

de manera óptima como artista y profesa su visión del mundo desde la creación. ¿Y qué tan

fácil puede ser surgir como “artista” en la ciudad? no se trata de la simpleza de la

demostración del talento nato, sino la necesidad de, aún no tenerlo arraigado, contar con un

círculo social sólido por el cual ser apadrinado. A continuación, ilustro en una tabla las

opiniones respecto a las asignaturas que deberían ser añadidas a los planes de estudio, según,

los entrevistados.

39

Figura. 3 Asignaturas necesarias para el avance en la educación para los profesionales en

Artes plásticas y Visuales.

Temática Recurrente (%) Opiniones y respuestas de los entrevistados

Administración: 50% “Finanzas”

“Mercado del arte”

“Administración”

“Conocimiento de negocios”

“Economía”

“Economía creativa”

“Entrenamiento empresarial non-profit”

“Emprendimiento Cultural”

“Gestión Cultural Enfocada en las Artes

Visuales”

Tecnología: 35% “Networking”

“Social Media”

“Iniciativas de comercio desde internet”

“Recursos para artistas”

Otros: 15% “Más conferencias sobre otras dinámicas

culturales, que no necesariamente

impliquen Artista hablando de su obra”

“Talleres de creación de empresa en el

entorno cultural”

“Seminarios con otros agentes culturales

que son exitosos en el mundo laboral”

T: 25 personas

40

Revisando los planes de estudio de todas las instituciones que ofrecen Artes

Plásticas/Visuales como carrera universitaria/técnica, se ha reconocido la falta de asignaturas

referentes a temáticas administrativas y tecnológicas (en las universidades e institutos con

más trayectoria con estos programas educativos: Bellas Artes, IPC (Instituto Popular de

Cultura) , Universidad del Valle) Por otra parte, la Universidad Javeriana, se encuentra en un

punto intermedio entre los programas de estudio tradicionales y la apuesta por nuevas

maneras de educar, así como la insatisfacción por parte de los estudiantes y egresados

(principalmente) sobre la educación en artes dentro de la ciudad. (Universidad del Valle -

UV, Instituto Departamental de Bellas Artes -IDBA, ICESI, Pontificia Universidad Javeriana

-PUJ CALI, Instituto popular de Cultura - IPC, Institución Universitaria Antonio José

Camacho - IUAJC) Por ejemplo, en la Universidad Javeriana, las asignaturas que se imparten

en relación a estas temáticas son gestión cultural y diseño de proyectos, sin embargo, no hay

satisfacción por parte de los estudiantes respecto a los resultados obtenidos finalizando los

cursos académicos, principalmente por el enfoque está en proyectos culturales referentes a la

música y al patrimonio y no propiamente a las artes visuales. En el IPC no hay ningún curso

referente a temáticas administrativas, todos los cursos, van desde los necesarios para el

conocimiento como teoría del color, historia del arte, y los esenciales para la creación: dibujo,

cerámica, pintura. En Bellas Artes, tampoco hay asignaturas en esta referencia. El enfoque

queda hacía el conocimiento teórico/práctico. La universidad del valle, tiene un enfoque

pedagógico, pero tampoco posee asignaturas con referencias de gestión, administración y

tecnologías. En la Institución Universitaria Antonio José Camacho, el plan de estudios

comienza a tener asignaturas que van desde la gerencia en las artes, la crítica y la curaduría,

práctica en industrias culturales, aunque los docentes son en su mayoría artistas, sin embargo,

no hay todavía una primera promoción de egresados que puedan hablar sobre este enfoque de

gestión cultural al que le apunta la IUAJC en el entorno cultural en Cali. La más nueva

inserción en el terreno de las carreras universitarias en artes visuales, es la universidad ICESI,

con la licenciatura en artes y tecnologías para la creación, aunque esta carrera está enfocada a

la docencia, las asignaturas propuestas para el desarrollo de la formación, tienen entre otras

cosas: principios de economía, razonamiento cuantitativo, estadística y probabilidad, entornos

políticos, entornos culturales y tecnológicos. De esta última tampoco se tienen datos de

egresados puesto que no ha salido todavía la primera cohorte.

41

Desde la educación, la visión que se tiene sobre profesional en artes visuales puede

direccionarse hacia distintas rutas, no necesariamente quitando la potencia del creador, sino

que a su vez, se toma como esenciales las demás alternativas y se reconoce la herramienta

administrativa como fundamental a la hora de la formación.

CONCLUSIÓN

Esta investigación se enfocó hacia el reconocimiento del emprendimiento y la gestión,

principalmente, como esenciales en la construcción de cultura; analizando desde la misma

educación las posibles problemáticas que tiene la ciudad y los mismos habitantes que se

vinculan de manera directa con la cultura, con el objetivo de vivir de procesos y proyectos

culturales en pro de avanzar como industria cultural.

Los hallazgos de esta investigación arrojaron seis categorías emergentes: 1.) Sobre la cultura

y el emprendimiento 2.) Tecnología, juventud y trabajo 3.) Emprendimiento Cultural 4.) El

Arte, el Artista 5.) ¿Arte Endógeno? 6.) Sobre la educación.

Las cuales tuvieron como resultados los siguientes:

1.) Sobre la cultura y el emprendimiento: Este apartado, introductorio, se reconoce la

importancia de asumir la cultura como un recurso, y cómo en Cali es necesario implementar a

nivel de la educación, asignaturas que vayan de la mano con alternativas que se conecten con

las necesidades del presente, desde la economía y la tecnología, principalmente. Esto no

quiere decir que se deba dar otro enfoque a la formación en Artes Visuales, quiere decir, que

se debe proveer al estudiante de herramientas fundamentales para contribuir a la construcción

de un entorno cultural en condiciones óptimas.

2.)Tecnología, juventud y trabajo: En este capítulo es importante destacar la reflexión acerca

de las necesidades y proyecciones de la juventud. Entendiendo la importancia de los

desafíos que trae el día a día, la autonomía, la independencia y sin embargo, la creación

42

colectiva. Así como reconocer todas las oportunidades que se pueden tener a través de

internet, usando las herramientas tecnológicas, se crean nuevas rutas para ampliar la red de

contactos y la facilidad de exponer el trabajo artístico de manera global. Esta es una

generación plural, donde es posible tener varias profesiones al mismo tiempo a través del

pragmatismo y la versatilidad de quienes somos parte de ella, al momento de insertarnos en el

escenario laboral.

3.) Emprendimiento Cultural : En este punto, son varios los hallazgos desde las entrevistas y

entre las figuras que resultaron del análisis de la información. A partir de la realización de un

DOFA donde las debilidades del entorno en cuanto al emprendimiento cultural y la industria

cultural son, entre otras cosas, la insuficiencia de espacios culturales; el hecho de no contar

con una industria cultural sólida - enfatizando el sector de las artes visuales; hay

oportunidades respecto a la posibilidad de edificar en la ciudad estas nuevas alternativas de

gestión y emprendimiento, adoptando y adaptando mecanismos para que proyectos culturales

funcionen en Cali desde otros lugares; hay amenazas como por ejemplo, la necesidad de

profesionales de arte de migrar, no principalmente por ir en busca de continuar sus estudios,

sino, por la poca oferta en cuestión de trabajo y de desarrollo como profesionales en la

ciudad; esto hace que no haya circulación y por ello permanecen aquí los mismos agentes

culturales, lo cual dificulta el surgimiento de proyectos innovadores y contar con perspectivas

distintas al momento de construir tejido cultural. Las fortalezas halladas en el DAFO se

focalizan a la juventud que sabe que tiene que evolucionar y está empezando a aportar desde

la autogestión, la posibilidad de empezar a acceder a nuevos encuentros.

También, es de vital importancia la opinión que tuvieron los mismos artistas frente a la

pregunta ¿usted autogestiona?¿usted emprende? un 45% de los entrevistados dijo que prefería

que un agente externo se hiciese cargo de esa parte, el 40% habló de emprendimientos

alternos de la producción y el 15% quienes se sienten más afines con temas como la curaduría

y la crítica. El emprendimiento en Cali, al igual que la gestión, son todavía ejes temáticos que

deben ser puestos en revisión; según el mapeo de emprendimiento, a penas son dos los

43

emprendimientos enfocados a hacia las artes visuales. Es necesaria la participación de

profesionales aptos para poder tomar conciencia sobre aquello que realmente debe

implementarse para el crecimiento de la industria cultural.

4.) El Arte, el Artista : ¿Qué es lo que se considera arte y cultura en Cali?

-salsa,folklore,festivales música, bisutería? Aquí es donde se desvía el concepto; si bien, hay

cultura de entretenimiento y cultura dentro de lo que consideramos como patrimonio; ¿dónde

quedó la cultura que va de la mano con el arte? Curiosamente, la masa sigue dirigiéndose

hacia lo que les entretiene y conocen, cómo son otras manifestaciones, por ejemplo: la

música. Espacios como La Tertulia, se ha dado a la tarea recientemente de formar públicos,

pero ha sido una tarea difícil porque no empezó siendo un espacio incluyente, por esta razón,

algunas personas no suelen participar de eventos culturales con frecuencia. No es gratuito

que el apoyo hacia otro tipo de disciplinas artísticas sea más notorio. Es importante la

formación de públicos dentro de un ambiente de inclusión, donde todos podamos sentirnos

partícipes y protagonistas de los espacios, en un ambiente de equidad. La cultura es un bien

común que sólo unos pocos disfrutan.

5.) ¿Arte Endógeno? Esto resultó como una manifestación del desconcierto de varios artistas

al sentirse alejados de la masa (en este caso, artística) y por ende, tener menos posibilidades

de “triunfo” entre sus colegas. Es un caso ideal para hablar de la no-gestión y la

no-emancipación así como de la importancia de crear una red de contactos para avanzar a

pesar de las dificultades que se presentan a la hora de ser un artista dedicado únicamente a la

creación. También hay casos exitosos de gestión en Cali como Helena Producciones. En

últimas las relaciones de contactos son fundamentales para insertarse como artista, y las redes

de contactos son fundamentales para que funcione el trabajo colectivo.

6.) Sobre la educación La importancia de implementar en los planes de estudio nuevas

competencias para que la formación sea más completa según egresados y estudiantes, radica

en las necesidades del entorno, además de las necesidades de los mismos profesionales en

artes para el desempeño óptimo de su profesión. La mayoría coincidieron en estas entrevistas,

en la relevancia de implementar asignaturas en los planes de estudio con contenidos

44

administrativos y tecnológicos, como por ejemplo, mercado del arte, networking, social

media, creación de empresa, finanzas entre otros.

El profesional en artes visuales, tiene que ser un agente cultural capaz de solucionar

problemáticas sociales de carácter administrativo y también poder desenvolverse

perfectamente en el mundo de las comunicaciones digitales. El profesional en artes, no

siempre desea ser artista, y aunque así sea, es fundamental el conocimiento en otros campos

que le brinden pragmatismo a la hora de desenvolverse laboralmente; esto lo han dicho todos

los entrevistados, curiosamente, sin importar su campo de acción actual, apuntaron por

asignaturas de carácter administrativo.

Este análisis permitió encontrar problemáticas entorno a la educación en función de la

experiencia de los egresados en artes visuales y en la de otros agentes culturales que son

activamente partícipes de la estructura cultural, así como también, reconocer oportunidades

en otras rutas a las que puede acceder un profesional en artes, que harían que el

funcionamiento de las estructuras ya establecidas culturalmente, puedan evolucionar. El

emprendimiento dentro de la sociedad caleña, está todavía según esta investigación, en

proceso; una nueva ola de agentes culturales, como por ejemplo Jaime Manrique y Casa

Fractal, Juan Sebastián Ramírez con BIS (Galería de Arte) Rosana Velasco – Industrias

Culturales (por nombrar unos pocos) está apostando por la evolución a nivel cultural de la

ciudad, y lentamente nuevos espacios y proyectos emergen.

Se espera que este estudio sea tomado como el primer paso o como un punto de apoyo para

soportar investigaciones posteriores sobre la efectividad de la educación en artes respecto a la

situación del profesional. Se espera también que este avance que reconoce las necesidades y

las falencias tanto en la educación como el entorno social, puedan ayudar a encontrar

soluciones no sólo respecto a los procesos de emprendimiento, sino sobre la importancia de

formar profesionales que puedan ser exitosos, siendo profesionales y no necesariamente

siendo artistas.

45

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