Nombre: El Entierro del Conde OrgazAutor: El Greco (Domenikos Theotokopoulos)Estilo: ManieristaFecha: 1586-1588Localización: Iglesia de santo Tomé (Toledo)Datos técnicos: Óleo sobre tela, 4,80 x 3,60 m.

Este gran cuadro está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte alta seobserva una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otrospersonajes ya fallecidos. En la parte inferior, la terrenal, se representa un entierro rodeadode personajes, unos eclesiásticos y otros civiles.

Nombre: San Francisco en meditaciónAutor: ZurbaránEstilo: BarrocoFecha: 1658Localización: Alte Pinakotheke, MunichDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 64 x 53 cm

En el cuadro aparece la figura de San Francisco, reconociblepor el hábito que lleva quien lo elaboró él mismo con un sacotratando de este modo de exteriorizar su pobreza, pero esademás un San Francisco orando a Dios como lo prueban esamirada hacia el cielo (con reminiscencias claras a la obra deEl greco) y esa mano en el corazón simbolizando así losentido y sincero de sus ruegos. Los éxtasis y visionesmísticas del santo fueron comunes en su vida. Junto a él serepresenta una calavera, símbolo característico de eseabandono de lo material (y por tanto perecedero de la vida),para dedicarse a un enriquecimiento espiritual de laexistencia. El conjunto se sitúa frente a un fondoindeterminado oscuro que realza el sentimiento de la obraademás de intemporalizarlo.

El lienzo con la Incredulidad de Santo Tomás fue pintado para la familia Giuliani, que lo mantuvo ensu colección hasta que pasó al Neue Palais de Postdam. La obra nos muestra el momento en queCristo Resucitado se ha aparecido a sus discípulos, pero Tomás aún no cree en su identidad, por loque Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del costado. Este hecho, que podría parecerexageradamente prosaico, es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo, la definitivademostración de su regreso desde el reino de los muertos. Caravaggio ha ejecutado unacomposición que converge completamente en el punto de la llaga con el dedo metido, de tal modoque la atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores contemporáneos se veirremisiblemente atraída por esta "prueba" física.

Nombre: La incredulidad de Santo TomásAutor: CaravaggioEstilo: BarrocoFecha: 1602Localización: Sanssouci, PotsdamDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 107 x

146 cm

Caravaggio realiza aquí una tensa composición, en laque Jesús se retuerce indefenso entre tres verdugosque lo maltratan y adornan con los símbolos de lapasión. Cristo está atado por las manos con una cuerdaque sujeta fuertemente el esbirro que está deespaldas, para impedirle defenderse. Un segundoesbirro le sujeta con fuerza, hundiendo sus dedos en lacarne de Cristo, para obligarle a mantenerse quietomientras que el tercer hombre le ajusta la corona deespinas haciendo palanca con una rama, para noherirse él mismo con las manos. La escena resulta deuna gran crueldad y se inserta dentro de un grupodedicadas por Caravaggio a las diferentes torturas quesufrió Jesús durante la Pasión. La intención del artistaprobablemente tuviera raíces autobiográficas, puestoque su propia situación personal era extremadamentedifícil, entre peleas, emboscadas y encarcelamientos.

Nombre: La coronación de espinaAutor: CaravaggioEstilo: BarrocoFecha: 1604Localización: Cariprato Bank, PratoDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 178 x 125 cm

Este Cristo constituye un señalado ejemplo de la manera

rápida del maestro, en tanto que la simplicidad de su

composición es determinante del dramatismo de la obra.

La cruz aparece, aislada en un paisaje hostil, en cuyofondo se perfilan los edificios de Jerusalén; sobre la ciudad

planean nubes estratificadas a las que los últimos destellos

del crepúsculo conceden un aspecto siniestro. Por

contraste, posee la figura de Cristo una luminosidadpropia; su anatomía se halla descrita con una técnica de

grisalla que rinde el efecto de morbidez. Las sombrasprofundas, así como las líneas de dibujo que describen los

contornos, fueron realizadas con una tonalidadrojiza, característica de la manera del pintor.

Nombre: La CrucifixionAutor: Pedro Pablo RubensEstilo: BarrocoFecha: 1611Localización: Cariprato Bank, Prato

Datos técnicos: Óleo sobre lienzo 219 x 122 cm

ObjetivosRubens en esta obra representa:• Una composición dinámica, con claro esquema diagonal, propio del barroco, en aspa cuyo centro es la figura de cristo que destaca sobre la sábana blanca

• La teatralidad y espectacularidad del conjunto: las posiciones de las figuras, los gestos, las manos, los ropajes… todo contribuye a dar la impresión de una acción representada.

Nombre: Descendimiento de la cruzAutor: Pedro Pablo RubensEstilo: BarrocoFecha: 1610Localización: Vrouwekathedraal, AntwerpDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 421 x 311cm

Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como lamejor obra pictórica del mundo. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de lavida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesúsanuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría.Llegada la hora, Jesús se sentó a la mesa con los apósteles y les dijo «Yo tenía gran deseo de comeresta pascua con ustedes antes de padecer. Porque les digo que ya no la volveré a comer hasta que seala nueva y perfecta Pascua en el Reino de Dios, porque uno de ustedes me traicionará».

Nombre: La última cena

Autor: Leonardo da Vinci

Estilo: Barroco

Fecha: 1495 y 1497

Localización: Convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia)

Datos técnicos: mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho

Sobre la parte posterior de la tabla hay una nota que señala que provenía de la iglesia florentina de San Bernabé.Se logra el ambiente por la sucesión de las columnas y de los cuadros del suelo, que sirven también para evidenciar el esquema perspectivo. Esta solemne arquitectura domina a las figuras.

Nombre: La AnunciaciónAutor: Sandro BotticelliEstilo: RenacimientoFecha: Data hacia 1490, aunque no es segura.Localización: Museo Kelvingrove de Glasgow.Datos técnicos: Temple sobre madera 49,5 cm de alto y

58,5 cm. de ancho

Tanto el ángel como la Virgen se sitúan en posturas algo forzadas, remarcando el movimiento a través de los paños.

Sus manos son el elemento fundamental de la composición, acercándose pero manteniéndose quietas a la vez, colocándolas en el lugar más observado de la tabla. El ángel quiere tocar a María y ésta admitir el mensaje que le

transmite pero Botticelli parece haber detenido el tiempo. Los dos personajes tienen un sensacional aspecto escultórico reforzado por esos amplios paños que cubren

sus cuerpos.

Estilo:Esta obra procede de la Iglesia de Santo Tomás de Ávila, aunque su origen puede proceder de otro retablo. Mediante su amplia perspectiva Berruguetelogra acentuar el dramatismo de la escena, la quema de los herejes por el tribunal de la Inquisición. El santo se encuentra sobre una tribuna con dosel y está rodeado por seis jueces, uno de ellos viste el hábito dominico, mientras que otro sostiene el estandarte del Santo Oficio; otros doce inquisidores completan el grupo. Hay dos herejes desnudos que ocupan a la derecha su sitio en la pira mientras otros dos aguardan su turno al pie de la misma. Los letreros enuncian "condenado herético". La realidad se plasma con gran precisión.

Nombre: Auto de fe

Autor: Pedro BerrugueteEstilo: Renacimiento

Fecha: 1490

Localización: Museo del Prado

Datos técnicos: Óleo sobre tabla, 154 x 92 cm.

Estilo:Cristo en casa de Marta y María forma parte de las escenas de cocina o bodegón que tienen en el fondouna imagen religiosa. Fue también realizada durante la etapa sevillana, representando en primer plano ala joven Marta machacando unos ajos, acompañada de una anciana que la señala. Al fondo podemoscontemplar otra escena, supuestamente reflejada en un espejo, en la que aparecen Cristo y María -escuchando atentamente la palabra del Salvador- junto a otra anciana. Se piensa que podría ser unespejo porque Cristo habitualmente bendice con su mano derecha; aquí lo hace con la izquierda ya que elespectador contempla el reflejo. De nuevo llama la atención el excelente detallismo del bodegón delprimer plano con los huevos, los ajos o la guindilla, así como el realismo de la joven y de la anciana,caracterizadas como si se tratara de mujeres populares del Barroco. El empleo de la luz refuerza aun másesta sensación de realismo, recurriendo a los contrastes lumínicos tan del gusto de Caravaggio. Loscolores empleados son también habituales entre los naturalistas, abundando los marrones, sienas ypardos, mientras que el blanco sirve para contrastar. También es destacable la influencia de algunos

grabados flamencos, llegados a la ciudad de Sevilla gracias a su importancia comercial en el siglo XVII.Desconocemos el significado exacto de la composición, considerándose como una referencia a la moralidady a la espiritualidad del ser humano. El católico debe alimentar su espíritu como hace María, dejando delado las riquezas de la vida terrena. Por eso la anciana señala con su dedo acusador a Marta, indicando loque no debemos hacer. Este tipo de imágenes iría destinado a un público culto que frecuentaba la tertulialiteraria de Pacheco a la que también asistía Velázquez.

Velazquez

Nombre: Cristo en casa de Marta y María

Autor: VelazquezEstilo: Gótico Español

Fecha: 1618-20

Localización: National Gallery de Londres

Datos técnicos: Óleo sobre lienzo, 60

x 135 cm

Velazquez

La composición se inscribe en un triángulo, figura muy empleada en el Barroco italiano que

posiblemente utilizara el maestro para no diferenciarse en exceso de las restantes obras con las que compartiría espacio, todas ellas de manos de Vaccaro. Hay que hacer una especial alusión a los angelitos pintados por Velázquez, que no tienen nada que envidiar a los que han hecho tan famoso a Murillo. La técnica resulta bastante libre ya que el maestro pronto se va a acercar a sus mejores escenas, Las Meninas y Las Hilanderas.

La coronación de la VirgenAutor:VelázquezFecha:1641/44Museo:Museo del PradoCaracterísticas:176 x 124 cm.Material:Oleo sobre lienzoEstilo: barroco

Salvador Dalí

La Virgen Maria cargando al nino Jesus - Maternidad de los pajaros.

El rostro de la Virgen lo conforman grácilmente unos pájaros con las alas

abiertas. El arte óptico por el que una figura sugiere un contorno o figura

diferente. La figura evoca las Vírgenes renacentistas con el Niño Jesús y S.

Juan.

Nombre: Cristo en la Cruz

Autor: Pedro BerrugueteEstilo: Gótico Español

Fecha: 1493-99

Localización: Museo Provincial de Segovia

Datos técnicos: Óleo sobre tabla, 186 x 131 cm.

El cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un

dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, aún cuando la cena fue de noche. Cristo, en el

centro, parece estar predicando ante los discípulos, los cuales inclinan sus cabezas y rezan. Las apariencias de los

discípulos son distintas entre sí. Cada uno porta una túnica distinta e inclusive parecen ser personas de distintas razas

y países. Los trece personajes rodean una mesa de piedra sobre la cual hay un vaso de vino y un pan partido en dos.

Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba. Su túnica es la única que deja al

descubierto su pecho. Observando con más detalle, vemos que Cristo es transparente en su parte inferior, ya que la

barca que se encuentra en el paisaje puede verse a través de él.

Sobre todo el conjunto está el torso de Cristo, símbolo de su entrega al hombre, de su carne. Extiende sus brazos y al

igual que el Cristo que se encuentra abajo, se difumina poco a poco.

Replica Exclusiva: Oleo sobre tela finamente detallado, en bastidor de museo (5 cms)

Medidas: 60 x 40 cms.

Nombre: La última cena

Autor: Pedro BerrugueteEstilo: Gótico Español

Fecha: 1493-99

Localización: Museo Provincial de Segovia

Datos técnicos: Óleo sobre tabla, 186 x 131 cm.

Dalí nos descubre a la figura de Cristo crucificado muy joven a pesar de no desvelarnos surostro. La imagen, con una postura de modestia y humildad, se presenta ante el Padre. Sinduda se trata de un Cristo moderno en un cubismo de forma clásica. La cruz cúbica estáformada por ocho cubos espaciales a diferencia de otras cruces, formadas por siete o seiscubos, que presentan toda una simbología. Sin embargo, Dalí se aparta de toda esasimbología para centrarse en la importancia del cubo. El protagonismo de las figurasgeométricas en el arte, en concreto el del cubo, se puede encontrar en arquitectos comoJuan de Herrera en el Monasterio de El Escorial en Madrid quien, a su vez, está inspiradoen las investigaciones del filósofo y alquimista del siglo XII, Ramon Llull. Se trata del cubocomo piedra filosofal de todo, en especial, de la Iglesia católica. Es el símbolo porexcelencia de la construcción que para Dalí representa no sólo una nueva imagen de lacruz, sino también de la figura de Cristo. Es decir, Dalí nos ofrece un nuevo Cristo noherido: por esta razón no existen las huellas de los clavos ni de la lanza. La representaciónde Gala es fundamental para simbolizar a la madre Tierra pero, sobre todo, a la madre delos hombres en un sentido muy espiritual. Gala representando a la Virgen mira a su hijo.Dalí nos muestra todo un juego de palabras donde están presentes la Iglesia, la luz, laTierra, el cielo, la Madre, el hombre, los genes o el espíritu. De forma ingeniosa Dalíquiere ofrecer una clave para entender la génesis del hombre, el nacimiento del espíritu.

Nombre:Crucifixion

Autor: Salvador Dalí Domènech

Estilo: CubismoFecha: 1954Localización: Metropolitan Museum

Datos técnicos: Óleo sobre lienzo 194,5 x 124 cm.

Hacia 1651 los franciscanos de Sevilla encargan a Murillo una Inmaculada parasituarla en el arco triunfal de su iglesia. Cuando el artista presentó su trabajo a losmonjes, éstos no encontraron a su gusto la obra ya que la hallaron tosca y pocoacabada, negándose a aceptarla. Murillo solicitó permiso para colocar el lienzo en sulugar correspondiente y una vez situado en el arco triunfal de la iglesia fue de absolutoagrado para sus clientes. La tradición dice que Murillo en ese momento se negó asepararse de la Inmaculada a menos que le pagaran el doble de lo estipulado, aumentoque fue admitido por los monjes sin oposición. Desde ese momento la obra siempreestuvo colocada en su lugar original hasta que en 1810 sería requisada por losfranceses y depositada en el Alcázar. Su enorme tamaño -de ahí que sea conocidacomo "La Grande"- la salvó de ser trasladada a Francia por lo que en 1812 fue devueltaal convento donde permaneció hasta la Desamortización de 1836.Murillo muestra enesta obra uno de sus primeros intentos por renovar la iconografía de la Inmaculada,incluyendo el dinamismo y el movimiento característico del Barroco. Posiblemente elsevillano contempló algún grabado de la Inmaculada realizada por Ribera en 1635para las Agustinas de Salamanca en la que aparecen elementos claramenteinnovadores. La Virgen se muestra en actitud triunfante, apoyando su pie derechosobre la luna y su rodilla izquierda en una nube sostenida por querubines. Visteamplia túnica blanca y manto azul -siguiendo la visión de Beatriz de Silva-, siendo susropajes pesados y voluminosos aunque dan muestran de movimiento, especialmenteel manto, en sintonía con la cabellera. Los querubines que acompañan a la Virgen aúnno gozan de la gracia de obras posteriores. La ubicación original del lienzo, a elevadaaltura y a gran distancia del espectador, condicionó la composición ya que Murillo tuvoen cuenta que la obra tenía que ser vista de abajo a arriba y en oblicuo, consiguiendoun excelente resultado y demostrando su gran capacidad para adaptarse a lasnecesidades de la clientela.

Nombre: Inmaculada la Grande, Inmaculada ConcepciónAutor: MurilloEstilo: Barroco españolFecha: 1650Localización: Museo BB.AA. SevillaDatos técnicos: Óleo sobre lienzo 436 x 292

Hasta el presente se considera esta obra como la mástemprana que conocemos de Murillo. Procede delconvento de los Padres Dominicos de Santo Tomás enSevilla y en su composición y técnica el pintor se presentaheredero de maestros de generaciones anteriores. Murillotodavía no ha creado un estilo personal y por eso en eldibujo muestra evidentes influencias de su maestro, Juandel Castillo, especialmente en los rasgos delicados y finoscon los que describe los rostros y las sonrisas insinuadas.En el rompimiento de Gloria que aparece en la zonasuperior -formado por ángeles mancebos que tocanmúsica y cantan mientras que angelitos arrojan flores asanto Domingo- se constata la influencia de Juan deRoelas. Los ropajes que cubren a los personajes estaríaninspirados en Zurbarán, sobre todo el modelado recio delos pliegues. Quizá por esta amalgama de influencias,algunos especialistas consideran, injustificadamente, queno se trata de una obra salida de los pinceles de Murillo.

Nombre: Virgen entregando el rosario a Santo Domingo

Autor: Murillo

Estilo: Barroco españolFecha: 1638-40

Localización: Palacio Arzobispal (Sevilla)

Datos técnicos: Óleo sobre lienzo 201 x 162 cm.

El tema es el martirio de San Bartolomé, que fue desollado vivo. Lo más frecuente esrepresentar al santo antes o después de la tortura, no durante la misma. Sinembargo el pintor ha elegido el momento en el que los verdugos comienzan aarrancar la piel del santo. Los martirios eran un tema frecuente en la España de laReforma, puesto que excitaban la reflexión del fiel y la penitencia. Camilo muestrauna composición muy barroca, en la cual las actitudes de los personajes secontradicen en movimiento y dirección, sesgados por la gran diagonal que plantea elcuerpo desmesurado del mártir. Esta composición sugiere una tensión de fuerzasenfrentadas, ideal para soportar el efecto dramáticamente violento de la escena.

Autor: Francisco Camilo

Estilo: BarrocoFecha: 1651

Localización: Museo del Prado

Datos técnicos: Óleo sobre lienzo 205 x 249 cm.

La composición se inscribe en un triángulo, iluminando un fuerte haz de luz la bella figura. La Magdalena viste un trajeazul muy escotado que permite ver su hombro, una especie de tela de arpillera para exculpar sus pecados y un preciosomanto rojo. Se apoya sobre dos sillares perfectamente tallados en los que aparece el tarro de los afeites y el cilicio, susatributos. El pasado de prostitución de la Magdalena se muestra en el hombro al descubierto y en el bote de los afeitescon el que también ungió los pies a Cristo. La bella mirada elevada hacia Dios es también un rasgo característico demuchos de los mártires pintados por el Españoleto. Formaba parte de una serie junto a Santa María Egipciaca en la que secontraponía la belleza y la juventud frente a la vejez. San Juan Bautista y San Bartolomé representaban la contraposiciónen el sexo masculino.

Nombre: MagdalenaAutor: El EspañoletoEstilo: ClasicismoFecha: 1645Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo dobre lienzo 181 x 195 cm

Una de las más importantes novedades de las pinturas realizadaspor Botticelli en la década de 1490 es el desproporcionado tamañode las figuras más importantes, siguiendo las teorías góticas. LaVirgen se convierte en una figura descomunal, ocupa la mayorparte de la superficie del lienzo debiendo agacharse para no chocarcon la estructura de madera que aparece sobre su cabeza. El Niñose encuentra a sus pies, sobre los pliegues de la túnica, siguiendo laiconografía bizantina. Ambas figuras reciben un potente foco de luzque deja en penumbra el resto del espacio, donde hay elementosarquitectónicos clásicos y un paisaje, en referencia a su admiraciónhacia la Antigüedad y a sus compañeros del Quattrocento. Sinembargo, el concepto general del cuadro tiene un cierto aspectoprimitivo aunque Botticelli haya incorporado una mayor dulzura asus trabajos

Nombre: Virgen adorando al NiñoAutor: BotticelliEstilo: Renacimiento ItalianoFecha: 1490Localización: National Gallery (Washington)Datos técnicos: Témpera sobre madera 59´6 cm. diámetro

El tríptico más conocido de El Bosco tal vez sea el Jardín de las Delicias. Estapintura es el ala lateral izquierda del tríptico, mientras que al otro ladoencontraremos el Infierno musical. Las razones de la fama de esta obra están sobretodo en la brillantez imaginativa de la que El Bosco ha hecho gala en los trespaneles que constituyen el tríptico. En esta escena podemos contemplar unaorganización que El Bosco va a repetir básicamente en casi todas sus escenas delParaíso: en la parte inferior, Dios presenta a Adán la Eva recién creada a partir desu costilla. Ambos representan la pareja ideal de seres humanos, en perfectaarmonía y unidad que sólo puede producirse por mediación de Dios. Y El Boscodeja muy claro este punto: la felicidad de la pareja humana tiene su únicodesarrollo en Dios. Más arriba está la fuente de la vida, construida con un extrañomaterial rosado que recuerda los caparazones de algunos crustáceos, pero quepodría ser cualquier otra cosa. Pero incluso en el paraíso se encuentra agazapadoel peligro, y en el ojo que constituye el cuerpo central de la fuente vemos cómo seasoma una lechuza, símbolo de la herejía y de la desviación de la fe. El Edén seencuentra repleto de animales, buenos y malos. Alimañas, sapos y figuras deaspecto demoníaco conviven con unicornios, ciervos, garzas, una jirafa y unelefante, que el Bosco no debió de haber visto nunca en vivo. Unos animales secazan a otros, pero la sensación de armonía es total. Como un espejo, el otro panelrepresenta la exacta antítesis de este mundo de felicidad y comprensión, al queconduce el panel central, la desviación del hombre de la enseñanza de Dios y lapráctica de los vicios, que es el camino más seguro hacia el Infierno musicalpresentado por El Bosco.

Nombre: Panel del tríptico del Jardín de las Delicias, Creación de Adán y Eva.Autor: El BoscoEstilo: Pintura flamencaFecha: 1503-04Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 220 x 97

Nombre: Reverso del Jardín Delicias, Creación del MundoAutor: El BoscoEstilo: Pintura flamencaFecha: 1503-04Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 220 x 195

El Bosco pintó un tríptico, titulado como El Jardín de las Delicias. Lasdos alas laterales cierran el tríptico, y al hacerlo, nos muestran en susreversos las dos mitades de un fantástico paisaje ideal. Este paisaje esel de la Creación del Mundo, una tabla, típica de la pinturaflamenca en la cual resulta interesante destacar algunos elementos. Elprimero que se nos ofrece es el de la concepción circular del Universo,que encierra en sí mismo los cuatro elementos de la creación y al serhumano. El conjunto está observado por la figura divina desde unángulo y está cerrado en sí mismo, como un círculo perfecto sinprincipio ni final, en medio de una nada de color indefinido.