Ensino Médio

A ARTE DA PRIMEIRA METADE DO

SÉC. XX NA EUROPA

Professora: Elisa Herrera

Arte Moderna é o termo genérico usado para designar a

maior parte da produção artística do final do século XIX até

meados do século XX (+ ou – 1970).

A Arte Moderna se refere a uma nova abordagem da arte

em um momento no qual não mais era importante que ela

representasse literalmente um assunto ou um objeto

através da pintura ou da escultura.

INTRODUÇÃO:

• CONTEXTUALIZAÇÃO HISTÓRICA

• O início do século XX foi marcado por vários conflitos políticos como:

• A primeira Guerra Mundial (1914 -18)

• Devasta a Europa, causa desequilíbrio Moral, Econômico e Político.

• Perde-se a Fé nos valores humanos e nasce a Psicanálise (1890), aliada às novas noções de movimento e velocidade trazidas pelas tecnologias emergentes como Automóvel (1885/1908 Henry Ford), Eletricidade (1879), Cinema (1895 Irmãos Lumière), transformando gradativamente o modo de vida urbana e

• o pensamento do homem do século XX.

• Mais tarde vem a Segunda Guerra Mundial (1939 - 45) e traz os novos avanços científicos como a Bomba Atômica, os Antibióticos, A Conquista do Espaço, as Novas Tecnologias da Comunicação (Rádio, Imprensa, Televisão, Fotografia, Cinema, Computador).

• A partir de agora os valores sociais são questionados e posto sob revisão.

• Foi nesse contexto histórico que se desenvolveu a Arte da primeira metade do século XX.

• CARACTERÍSTICAS DA ARTE MODERNA E DE SEUS MOVIMENTOS

• (“OS ISMOS”)

• As principais correntes ou movimentos da Arte Moderna foram:

• Expressionismo (1904 – 1905)

• Fauvismo ( 1905 - 1906)

• Cubismo (1906 - 1907)

• Futurismo (1908)

• Abstracionismo (1910 – 1911)

• Dadaísmo ( 1916)

• Surrealismo (1924)

• Apesar de muito diferentes entre si, os movimentos Modernos

• apresentam algumas características gerais e marcantes. São elas:

• A Arte Moderna também foi uma grande Revolução.

• A pintura não é mais apenas um veículo, um instrumento para o Desenho ou o “Assunto” abordado na tela.

• A Pintura, assim como a Escultura e outras Formas Artísticas, é o Foco principal da Arte.

• Vamos conhecer algumas dessas pinturas e seus movimentos.

O Expressionismo

•Este movimento artístico nasceu na Alemanha entre 1904 e

1905, com um grupo chamado Die Brüke (“a ponte”).

•Contrário ao Impressionismo que se preocupava pelas

sensações provocadas pela luz, o Expressionismo queria

retratar as inquietações do ser humano desse inicio de

século projetando na obra de arte uma reflexão individual e

subjetiva .

•O Expressionismo surge de um desdobramento do pós-

impressionismo, recebendo influências de uma série de

artistas pertencentes a este período, como o holandês

Vincent Van Gogh e o norueguês Edvard Munch.

•Historicamente o Expressionismo é o primeiro grande

movimento da pintura moderna que em diversos momentos

viria a ser abandonado e retomado pelos artistas.

Edvard Munch foi um importante artista plástico norueguês. É considerado, por

muitos estudiosos das artes plásticas, como um dos artistas que iniciaram o

expressionismo na Alemanha. Edvard Munch nasceu na cidade de Løten (Noruega) em 12

de dezembro de 1863. Teve uma vida familiar muito conturbada, pois sua mãe e uma irmã

morreram quando Munch ainda era jovem. Uma outra irmã tinha problemas mentais. O pai

de Munch tinha uma vida marcada pelo fanatismo religioso. Para complicar, Munch ficou

muito doente durante a infância. Já adulto, começou a apresentar um quadro psicológico

conturbado e conflituoso. Alguns estudiosos afirmam que Munch, provavelmente, possuía

transtorno bipolar.

- Munch estudou artes plásticas no Liceu de Artes e Ofícios da cidade de Oslo (capital da

Noruega).

Em 1885, viajou para Paris onde entrou em contato com vários movimentos artísticos.

Ficou muito atraído pela arte de Paul Gauguin. No final da década de 1930 e início da

década de 1940 passou por uma forte decepção. O governo nazista ordenou a retirada de

todas as obras de arte de Munch dos museus da Alemanha por considerá-las

esteticamente imperfeitas e por não valorizar a cultura alemã.

- Munch morreu em 23 de janeiro de 1944, na cidade de Ekely (próximo a Oslo).

-Estilo artístico

- Abordagem de temas relacionados aos sentimentos e tragédias humanas (angústia,

morte, depressão, saudade).

- Pintura de imagens desfiguradas, passando uma sensação de angústia e desespero.

- Forte expressividade no rosto das personagens retratadas.

- Pintura de figuras marcadas por fortes atitudes.

•O grito” (1893) de Edvard Munch,

se encontra na Galeria Nacional de

Oslo.

Observa-se uma figura contorcida

sob o efeito de alguma emoção

talvez ligada ao medo, num

momento de profunda angústia ou

de desespero existencial.

O movimento das linhas curvas do

céu e da água, assim como a linha

forte da ponte, parecem conduzir o

olhar do espectador à boca da

figura, que se abre num grito

perturbador. O Grito é considerado

como uma das obras mais

importantes do movimento

expressionista e adquiriu um

estatuto de ícone cultural, a par da

Mona Lisa de Leonardo da Vinci.“

“Puberdade”

de Edvard Munch

“A mãe morta”

Edvard Munch

“Meninas no rio” -1902

Separação, óleo sobre tela- 1896 - Edvard Munch

“Desespero”

-2-FAUVISMO:

•Henry Matisse

Fauvismo (“feras”) Corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu sobretudo entre 1905 e 1907.

Associada à busca da máxima expressão pictórica, o estilo começou em 1901 mas só foi

denominado e reconhecido como um movimento artístico em 1905. Segundo Henry Matisse

em "Notes d'un Peintre" pretendia-se com o Fauvismo "uma arte do equilíbrio, da pureza e da

serenidade, destituída de temas perturbadores ou deprimentes".

Receberam este nome do crítico de arte Louis Veaxcelles pela intensidade com que usavam

as cores puras, como saiam do tubo de tanta, sem misturas ou matizes.

•O Fauvismo caracterizou-se pela simplificação das linhas e o emprego das cores puras.

•A pintura fauvista apresenta figuras sugeridas e não realistas.

•As cores também não pertencem a realidade: puras como saem do tubo de tinta.

•O pintor não as suaviza e não cria nenhuma gradação de cores.

Os Fauvistas tiveram suas obras rejeitadas e mesmo assim não pararam, a partir deles

muitos artistas começaram o uso das cores puras e o gosto por elas, tanto é que hoje vemos

em tantos objetos do cotidiano e inclusive em peças de vestuário.

Dos pintores fauvistas, destaca-se Henry Matisse (1869-1954), foi sem dúvida o mais

expressivo. Destacou pela despreocupação com o realismo tanto nas formas como nas cores.

Em sua obra, os objetos representados são menos importantes que a maneira de representá-

los.

•Pintores deste movimento: André Derain, Maurice de Vlaminck, e outros.

HENRY MATISSE (1869-1954)

Matisse, era um escriturário, que ao descobrir a felicidade que lhe proporcionava a prática da pintura durante uma convalescência na qual lhe foi oferecida uma caixa de tintas (ele tinha cerca de vinte anos de idade). Depois de se restabelecer, inscreveu-se num curso de desenho na escola Maurice-Quentin Delatour e começou a participar no estúdio do mestre Duconseil. A partir de 1890, depois de uma nova convalescência decorrente de uma intervenção de apendicite, Matisse abandonou o Direito para se dedicar à sua vocação artística, e, em 1891, estabeleceu-se em Paris, onde, depois de ser admitido na escola de Belas Artes em 1895, passou a freqüentar o atelier de Gustave Moreau. Aí encontrou Georges Rouault, Albert Marquet e teve a oportunidade de visitar as exposições de Corot e de Cézanne.

Sua primeira exposição aconteceu em 1904, ocorreu em Ambroise Vollard e não obteve grande sucesso. No ano seguinte, juntamente com o grupo, expôs no salão de Paris, desta vez o grupo foi reconhecido como os fauves e Matisse como líder. Matisse conseguiu reputação internacional, exibindo em Paris e Alemanha.

Em 1908 fundou a Academia Matisse para uma seleção de estudantes

cosmopolita e publicou "Notas de um Pintor" onde estavam suas crenças

artísticas. Desde de 1904 Matisse trabalhou parte de cada ano no sul em

Saint-Tropez e Collioure e mais tarde na Espanha e em Marrocos. Depois de

1916, passou a maioria dos invernos em Nice. Apesar de nunca ter se

juntado aos Cubistas, sofreu algumas influências deste grupo. Entre 1913 e

1917 sua pintura era um pouco austera, com linhas retas e formas

geométricas. Depois seu estilo ficou mais solto, figuras femininas e o interior

foram seus principais temas, trabalhados em estilo livre e com cores

decorativas.

Sua escultura era uma extensão da sua pintura, sua admissão pela arte

primitiva estava mais aparente. Em alguns trabalhos ele explora o sólido,

aspectos estruturais do corpo com um certo exagero a fim de alcançar uma

clara expressão da forma.

Matisse, como outros artistas do movimento, rejeitava a luminosidade

impressionista, e usava a cor como fator principal da pintura, levando-a às

últimas consequências. Argan dizia que a arte de Matisse era feita para

decorar a vida dos homens. Foi considerado o artista do século em que

viveu. Em suas pinturas gostava de motivos repetitivos, usava formas curvas

e cores variadas. Este inventou também a técnica do "desenho com

tesoura".

A dança, 1910- óleo sobre tela - 260 x 390 cm

Saint Petersburg, Hermitage Museum

“A música” -1910

Janela aberta, Collioure, 1905 Retrato de Madame Matisse (A lista

verde), 1905

Harmonia em vermelho, 1908

“A lição de

música”,

1917

“O sonho”

Femme à

Côté d’un

Échiquier,

by Henry

Matisse

(A mulher

ao lado

de um

tabuleiro

de

xadrez)

“Les coucous,

tapis bleu et

rose”

(O cuscuz,

tapete azul e

rosa)

O caracol - 1953 (colagem)

RECORTES E

COLAGENS

Os vegetais

Ilustração para o livro Jazz - 1943 Nú azul IV -1952- tinta-

Céu -1946

Introdução

• O cubismo

3 - O Cubismo

Movimento artístico que surgiu no século XX ocorreu entre

1907 e 1914, e é considerado o mais influente deste

período, tendo como principais fundadores Pablo Picasso

e Georges Braque.

O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de

figuras geométricas, representando todas as partes de um

objeto no mesmo plano. A representação do mundo

passava a não ter nenhum compromisso com a aparência

real das coisas

Historicamente o Cubismo originou-se na obra de

Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas

da Natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.

Utilização de formas geométricas

•Não utiliza a perspectiva;

•O claro-escuro perde sua função;

•Representação do volume colorido sobre

superfícies planas;

•Sensação de uma pintura esculpida;

•Cores austeras, do branco ao negro passando

pelo cinza ou um castanho suave;

•Multiplicidade de planos;

•Cor quase monocromática.

Principais características

Principais artistas

Pablo Picasso -1881-1973

George Braque – 1882-1963

Guernica (1937) - de Pablo Picasso- 3.50 x 7.82 m – Museu

de Arte Rainha Sofia - Madri

O cubismo se divide em duas fases: Cubismo

Analítico e Cubismo Sintético.

Cubismo Analítico - (1909) caracterizado pela

desestruturação da obra em todos os seus elementos,

decompõe a obra em partes, procurando a visão total

da figura, examinando-a em todos os ângulos no

mesmo instante, através da fragmentação dela.

Essa fragmentação dos elementos da obra foi tão

grande, que se tornou impossível o reconhecimento

da figura principal nas pinturas cubistas.

A cor se reduz aos tons castanho, cinza e bege.

Cubismo Analítico e Cubismo Sintético

Portrait of Ambrose Vollard,

1910

Pablo Picasso,

Cubismo analítico -1909-

Garota com mandolina- 1910-

Pablo Picasso

O poeta -1910 – Pablo Picasso-

Museu Guggenheim, Veneza

Cubismo analítico

Cubismo analítico

Le Demoiselle d´Avignon -1907–Picasso-.

Óleo. Moma, New York, NY, USA.

Violino e cântaro -1910-

George Braque –Museu de

Arte, Basiléia.

O Cubismo Sintético - Reagindo à excessiva desfragmentarão dos objetos e à

destruição da sua estrutura. Basicamente, essa

tendência procurou tornar as figuras novamente

reconhecíveis.

Também chamado de Colagem porque introduz letras,

palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e

até objetos inteiros nas pinturas. Essa inovação pode

ser explicada pela intenção dos artistas em criar efeitos

plásticos e de ultrapassar os limites das sensações

visuais que a pintura sugere, despertando também no

observador as sensações tácteis.

Cubismo Sintético - (1911)

Cubismo sintético

Le Jour, Georges Braque

Cubismo sintético

Georges Braque. Garrafa, jornal,

cachimbo e copo, 1913.

Juan Gris. Guitarra diante do mar,

1925. Óleo.

Cubismo sintético

Pablo Picasso Cubismo sintético

Donna in poltrona 1913- Pablo Picasso

Cubismo sintético

-4-

A B S T R A C I O N I S M O

4- O Abstracionismo

A arte abstrata ou abstracionismo

É geralmente entendido como uma forma de

arte que não representa objetos próprios da

nossa realidade. Ao contrário disso, usa as

relações entre cores, linhas e superfícies para

compor a realidade da obra, de uma maneira

"não representativa". Surge a partir das

experiência das vanguardas européias, que

recusam a herança renascentista das academias

de arte: a arte academica.

4- O Abstracionismo

A principal característica da pintura abstrata é a

ausencia da relação imediata entre suas formas e cores

de um ser. Por isso, uma tela abstrata não representa

nada da realidade que nos cerca, nem narra

figurativamente alguma cena histórica, literária,

religiosa ou mitológica.

Os estudiosos de arte comumente consideram o russo

Wassily Kandinski (1866-1944) o iniciador da moderna

pintura abstrata. O inicio dos seus trabalhos nessa

direção é marcada pela tela Batalha. Outro artista que

faz parte é Piet Mondrian (1872- 1974).

Batalha (Cossacos) -1910-1911- Wassily Kandinsky-

Tate Gallery, Londres

Abstracionismo

Abstracionismo

Abstracionismo

Landscape with Rain, (Paisagem com chuva)- Janeiro 1913. óleo

s/tela, (70.2 x 78.1 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New

York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection.

Wassily Kandinsky - Grandfathers

Kandinsky

Abstracionismo

Lion Hunt (Löwenjagd), 1911. Oil on glass in artist's painted frame, 3

11/16 x 5 3/8 inches (9.4 x 13.6 cm). Solomon R. Guggenheim

Museum, New York 84.3215. © 2013 Artists Rights Society (ARS),

New York / ADAGP, Paris

Abstracionismo

Piet Mondrian

- Destacou-se com obras abstratas geométricas,

principalmente trabalhando com formatos

retangulares.

- Utilizou, em suas obras, principalmente cores

primárias (vermelho, azul, branco, preto,

amarelo). Mondrian considerava estas como as

cores elementares do Universo.

Principais características do estilo artístico de Mondrian:

Piet Mondrian- Composition Chequerboard, Dark Colors. 1919. Óleo.

Abstracionismo

Piet Mondrian. Victory Boogie-Woogie, 1943/44 (inacabado).

Óleo e papel sobre tela.

Abstracionismo

PIET MONDRIAN E AS CORES PRIMÁRIAS

Abstracionismo

Piet Mondrian

O abstracionismo divide-se em duas tendências:

-Abstracionismo informal A obra de Kandisnky Impressão.

Domingo, Museu Guggenheim de

Nova York, é uma amostra deste

movimento.

Abstracionismo geométrico,

a obra Composição -1921- Piet Mondrian –

Museu Nacional de Arte Moderna, Paris,

é a obra mais representativa.

Abstracionismo Informal e Geométrico

Abstracionismo Informal

• No Abstracionismo Informal, predominam as

formas e cores criadas livremente, sugerindo,

por vezes associações com elementos da

natureza.

• A obra Impressão.Domingo de Kandinsky,

constitui um com exemplo desta tendência.

Abstracionismo Informal

Improvisation 28 (segunda versão) (Improvisation 28 , 1912. óleo s/tela (111.4

x 162.1 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R.

Guggenheim Founding Collection,

Abstracionismo geométrico

• No Abstracionismo geométrico, as formas e as

cores devem ser organizadas de maneira que a

composição resultante seja apenas a expressão

de uma concepção geométrica.

• São as obras do pintor holandes Piet Mondrian

as mais representativas deste movimento.

• Os seres da realidade interessam o artista como

um conjunto de linhas retas – verticais –

horizontais – diagonais e curvas.

Abstracionismo geométrico

Piet Mondrian

-5-

O S U R R E A L I S M O

O Surrealismo foi um movimento artístico e literário que

surgiu em Paris nos anos 20.

Fortemente influenciado pelas teorias

psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o

surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade

criativa.

Os seus representantes mais conhecidos são: o

espanhol Salvador Dalí (1904-1989), com as obras O sono e Mae West. Além de Dalí, destacam os artistas

Marc Chagall (1887-1985), Joan Miró (1893-1983),

René Magritte, a mexicana Frida Khalo (1907-1954).

5- Surrealismo

Surrealismo –Salvador Dalí

Salvador Domingo Felipe Jacinto

Dalí i Domènech, 1º Marquês de

Dalí de Púbol (Figueres, 11 de Maio de 1904 — Figueres, 23 de Janeiro de 1989), conhecido apenas como

Salvador Dalí, foi um importante

pintor catalão, conhecido pelo seu

trabalho surrealista. O trabalho de

Dalí chama a atenção pela incrível

combinação de imagens bizarras,

oníricas, com excelente qualidade

plástica. Dalí foi influenciado pelos

mestres do Renascimento.

Salvador Dalí

Mãe West

Salvador Dalí

A Persistência da Memória, c.1931 Salvador Dalí

Salvador Dalí

The Disintegration of the Persistence of Memory, c.1954

Salvador Dalí

Salvador Dalí

Apparition of a Face and Fruit Dish on a Beach, c.1938

Salvador Dalí

Salvador Dalí

Surrealismo-René Magritte

Magritte nasceu em 1898 e

morreu em 1967. Ao ser

classificado de surrealista,

reagiu e disse fazer uso da

pintura com o objetivo de

tornar visíveis os seus

pensamentos. Magritte foi de

fato um surrealista, mas foi

também um pensador. O seu

trabalho é sempre complexo e

obriga ao raciocínio, à

interpretação e ao estudo. Os

quadros de Magritte não

podem ser simplesmente vistos.

Precisam ser pensados. Todo o

surrealismo tem um trago de

loucura que revela toda a

genialidade. Magritte é genial!.

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/2006/03/rene_m

agritte_1.html#ixzz0s6Pv8Xp4

Surrealismo-René Magritte

The Dangerous Liaison, 1926

Baseadas na imagem do espelho, as

certezas perceptíveis são novamente

chamadas. A relação entre o espelho e

aquilo que reflete, uma relação

vulgarmente considerada indissolúvel,

surge quebrada. Uma jovem nua pode

ver-se numa perspectiva alterada no

espelho por trás do qual está de pé,

contudo o observador que está colocado à

frente do espelho esperaria ver-se

refletido nele.

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/2006/0

3/rene_magritte_1.html#ixzz0s6SrGNaq

Surrealismo-René Magritte

Le Blanc-Seing, 1965

Coisas visíveis podem ser

invisíveis. Se alguém cavalga

por um bosque, a princípio

vemo-lo, depois não, contudo

sabemos que está lá. Todavia,

os nossos poderes de

pensamento abrangem tanto o

visível como o invisível.

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/

2006/03/rene_magritte_1.html

#ixzz0s6SK8w7n

Surrealismo-René Magritte

L'Empire dês Lumieres, 1954

(O Império das Luzes )

Uma cena noturna sob um céu diurno. Só

a um segundo olhar reconhecemos a

natureza surreal desta cena

aparentemente realista. Magritte

interpretou-a da seguinte forma: "... a

paisagem leva-nos a pensar na noite, o

céu no dia. Na minha opinião, esta

simultaneidade de dia e noite tem o poder

de surpreender e de encantar. Chamo a

este poder poesia."

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/2006/0

3/rene_magritte_1.html#ixzz0s6Xv6HzS

Surrealismo-René Magritte

Le seducteur, 1953 - (O sedutor)-

O observador é seduzido por uma idéia que é poética e plausível ao mesmo tempo, a de

um objeto assumindo a substância do material em que se sente à vontade. Aqui, por

exemplo, o navio é construído de água, tornando-se por isso uma espécie de "castelo do

ar" da pintura e do mundo das idéias de Magritte.

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/2006/03/rene_magritte_1.html#ixzz0s6YqNBrO

Surrealismo-René Magritte

The Son of Man, 1926

(O Filho do Homem )

É provavelmente dos quadros mais

famosos de Magritte. Ele define-o desta

forma: "Tudo o que vemos esconde outra

coisa, e nós queremos sempre ver o que

está escondido pelo que vemos.

"My painting is visible images which

conceal nothing; they evoke mystery and,

indeed, when one sees one of my pictures,

one asks oneself this simple question

'What does that mean'? It does not mean

anything, because mystery means nothing

either, it is unknowable."

Mais em:

http://obviousmag.org/archives/2006/0

3/rene_magritte_1.html#ixzz0s6ZbFRha

"Surrealismo é a surpresa mágica de

encontrar um leão num guarda-roupa, onde

tínhamos a certeza que encontraríamos

camisas." Frida Kahlo

Surrealismo – Frida Khalo

Frida Kahlo (1907-1954) é a

autora de tantas obras fantásticas,

quase tão fantásticas como história

da sua vida. Uma vida cheia de

paixão, tragédia, amor, ódio, dor e

felicidade. Magdalena Carmen

Frieda Kahlo Calderón nasceu em

06 de julho de 1907, em uma

bela casa azul no bairro de

Coyoacán, na Cidade do

México. Já Frida Kahlo,

impregnada de um espírito

nacionalista visível e marcante em

sua obra, gostava de dizer que

havia nascido junto com a

Revolução Mexicana, em 1910.

A Coluna Partida

Surrealismo – Frida Khalo

Frida Khalo e seu marido o muralista mexicano Diego Rivera. Sua vida foi marcada por uma tragédia de ônibus onde ela viajava, por motivo desse desastre, ela sofreu varias intervenções cirúrgicas que a mantiveram pressa numa cama durante muito tempo até sua morte.

Surrealismo – Frida Khalo

“o que a água me

deu”- 1938-

Este quadro de Frida

Khalo lembra o

quadro de Bosh

Jardim das Delicias, feito quatrocentos

anos atrás por

Hieronymus Bosch

em 1504 como

veremos a seguir.

O Abraço Amoroso entre

o Universo, a Terra

(México),

Eu, o Diego e o Señor

Xólotl

Surrealismo – Frida Khalo

Surrealismo – Frida Khalo

Surrealismo – Frida Khalo

“Jardim das delicias”- O trítico (três painéis) de Hieronymus Bosch, O Jardim das

Delícias Terrenas, descreve a história do Mundo a partir da criação, apresentando o

paraíso terrestre e o Inferno nas asas laterais. Este quadro se encontra no Museu do

Prado em Madri.

6- D A D A Í S M O

Dadaísmo

O movimento Dadá (Dada) ou Dadaísmo foi uma vanguarda moderna iniciada

em Zurique, em 1916, no chamado Cabaré Voltaire, por um grupo de escritores

e artistas plásticos, dois deles desertores do serviço militar alemão e que era

liderado por Tristan Tzara, Hugo Ball e Hans Arp.

Embora a palavra dada em francês signifique cavalo de brinquedo, sua

utilização marca o non-sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem

(como na língua de um bebê). O caráter anti-racional do movimento,

claramente contrário à Primeira Guerra Mundial. Em poucos anos, o

movimento alcançou, além de Zurique, as cidades de Barcelona, Berlim,

Colônia, Hanôver, Nova York e Paris.

Sendo a negação total da cultura, o Dadaísmo defende o absurdo, a incoerência,

a desordem, o caos. Politicamente , firma-se como um protesto contra uma

civilização que não conseguiria evitar a guerra.

Ready-Made significa confeccionado, pronto. Expressão criada em 1913 pelo

artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado

de consumo popular, tratado como objeto de arte por opção do artista.

O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921.

Dadaísmo

Características do movimento: A princípio, o movimento não envolveu uma estética específica, mas

talvez as formas principais da expressão dadá tenham sido o poema

aleatório e o ready made.

Sua tendência extravagante e baseada no acaso serviu de base para o

surgimento de inúmeros outros movimentos artísticos do século XX,

entre eles o Surrealismo, a Arte Conceitual, a Pop Arte e o

Expressionismo Abstrato.

•O Dadaísmo é caracterizado pela oposição a qualquer tipo de equilíbrio,

pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo

ceticismo absoluto e improvisação.

•Enfatizou o ilógico e o absurdo.

• O movimento protestava contra a loucura da guerra.

• Sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar.

• Negava todas as tradições sociais e artísticas.

6- Dadaísmo

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julho

de 1887 — Neuilly-sur-Seine, 2 de outubro de 1968) foi um

pintor e escultor francês (cidadão americano a partir de

1955). É um dos precursores da arte conceitual e introduziu

a idéia de ready made como objeto de arte. Começou sua

carreira como artista criando pinturas de inspiração

impressionista, expressionista e cubista. Tendo se mudado

para Nova York e largado a Europa fugindo de uma espécie

de estagnação criativa, Duchamp encontra na América um

solo fértil para sua arte dadaísta. Decorrente dessa fase, e em

virtude de seus estudos sobre perspectiva e movimento,

nasce o projeto para a obra mais complexa do artista: A noiva despida pelos seus celibatários, mesmo ou O grande vidro. Duchamp foi o responsável pelo conceito de ready made, que é converter um elemento da vida cotidiana, a

priori não reconhecido como artístico, para o campo das

artes, passou a incorporar material industrializado nas suas

esculturas. Em vez de trabalhá-los artisticamente, ele

simplesmente os considerava prontos e os exibia como obras

de arte.

6- Dadaísmo: Marcel Duchamp

“A noiva despida pelos seus

celibatários”- ou também

conhecido como “O grande

vidro”.

Foi na literatura que alcançaram sua expressão máxima.

No último manifesto divulgado por, Tzara, disse que o

grande segredo da poesia é que "o pensamento se faz na boca". Como uma afirmação desse tipo é evidentemente

incompreensível, ele procurou orientar melhor os seus

seguidores dando uma receita para fazer um poema

dadaísta:

-Pegue um jornal.

-Pegue a tesoura.

-Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja

dar a seu poema.

-Recorte o artigo.

-Recorte em seguida com atenção algumas palavras que

formam esse artigo e meta-as num saco.

-Agite suavemente.

-Tire em seguida cada pedaço um após o outro.

-Copie conscienciosamente na ordem em que elas são

tiradas do saco.

-O poema se parecerá com você.

-E ei-lo um escritor infinitamente original e de uma

sensibilidade graciosa, ainda que incompreendido do

público.

Dadaísmo Marcel Duchamp

A Fonte, obra que fez repercutir o nome de

Duchamp ao redor do mundo - especialmente

depois de sua morte -, está baseada nesse conceito

de ready made: pensada inicialmente por

Duchamp (que, para esconder o seu nome, enviou-

a com a assinatura "R. Mutt", que se lê ao lado da

peça) para figurar entre as obras a serem julgadas

para um concurso de arte promovido nos Estados

Unidos, a escultura foi rejeitada pelo júri, uma vez

que, na avaliação deste, não havia nela nenhum

sinal de labor artístico. Com efeito, trata-se de um

urinol comum, branco e esmaltado, comprado

numa loja de construção e assim mesmo enviado

ao júri; entretanto, a despeito do gesto iconoclasta

de Duchamp, há quem veja nas formas do urinol

uma semelhança com as formas femininas, de

modo que se pode ensaiar uma explicação

psicanalítica, quando se tem em mente o membro

masculino lançando urina sobre a forma feminina.

6- Dadaísmo

L.H.O.O.Q. é o nome de uma

das obras do

pintor dadaísta Marcel

Duchamp. Na pintura

realizou uma paródia

da Mona Lisa, de Leonardo

Da Vinci com bigode e uma

barba. A sigla, lida em

francês, parece dizer "Elle a

chaud au cul", que em

português seria "Ela tem

fogo no rabo".

Dadaísmo

Roda de bicicleta

6- Dadaísmo

Portrait of Chess

Player (Retrato de jogador de

Xadrez ), 1911 -óleo

6- Dadaísmo

Young Girl and Man in Spring-

(Menina jovem e Homem na

Primavera)- 1911.

Óleo s/tela. 65.7 x 50.2 cm.

Coleção particular.

6- Dadaísmo

Dadaísmo: Marcel Duchamp

A arte da primeira metade do séc. XX

Em resumo, tanto na pintura como também na escultura desenvolveram-se as

tendências artísticas e seus principais artistas:

Expressionismo Edvard Much (1863-1944)

Fauvismo Henry Matisse (1869-1954)

Cubismo Pablo Picasso (1881-1973)

Georges Braque -(1882-1963)

Abstracionismo Wassily Kandinsky

(1866-1944)

Abstracionismo

geométrico

Piet Mondrian (1872-1974)

Surrealismo Salvador Dalí (1904-1989)

Dadaísmo Marcel Duchamp (1887-1968)